Si estas leyendo esto en tu lector de RSS, estas anticuado chaval. Desde ahora, y esperamos que por mucho tiempo, este es el nuevo feed donde encontrar todos los artículos de Portalgameover: http://feeds.feedburner.com/PortalGameBlogger

Esto solo afecta al blog, el podcast sigue donde siempre, tanto la version RSS como en iTunes, ahi no tenéis que tocar nada. ¡Actualizate, antiguo, que eres un antiguo!

Como podéis comprobar, los comentarios en este blog están cerrados, puesto que, oficialmente, Game Over se integra en Eurogamer. Aun faltan algunas cosas por pulir, pero el esquema básico ya lo tenéis aquí (en la version definitiva no habra publicidad). Como veis, a nivel estético es un cambio importante, pero en lo básico seguimos siendo los mismos. Eurogamer trabaja con un algoritmo que destaca los artículos que mas os gusten a vosotros, por lo que seréis vosotros los que decidáis el orden de estos con vuestras visitas y comentarios, amén de que todos los servicios (web, foro y podcast) serán accesibles desde cualquier dispositivo.

Además, el esfuerzo de integración es mutuo, y en Eurogamer ya están trabajando en mejorar sus foros con todas las sugerencias recibidas esperando que os sintáis todos a gusto. Y por supuesto, están abiertos a nuevas sugerencias.

Y eso es todo. Por nuestra parte os animamos a registraos en Eurogamer.es y seguir compartiendo vuestro tiempo con nosotros, con la confianza de todos estos años, que prometemos no decepcionar.

Mucho se ha escrito a raíz de la pasada entrega de los Video Game Awards, que desde el año 2003 celebra la cadena de televisión por cable estadounidense Spike. Que si los premios son arbitrarios, que si tal juego se merecía más el título de Juego del año, que si la gala, al igual que el año anterior, fue un desastre plagado de publicidad… Pero lo que nadie se ha parado a pensar es: si tantos defectos tiene, ¿por qué esta entrega de premios tiene tal grado de importancia dentro de la industria?

Los Video Game Awards comenzaron siendo una versión gamer descafeinada de los MTV Video Music Awards –Spike pertenece al mismo grupo empresarial que MTV–, pero con el tiempo han llegado a adquirir una dimensión inesperada. Ahora es considerada una de las galas más importantes de entregas de premios relacionados con los videojuegos, e incluso muchas compañías aprovechan el foco informativo para presentar trailers de algunas de sus futuras creaciones.

Lo cierto es que no era complicado hacerse con el título de “los Oscar del videojuego”, incluso sin el respaldo de una gran academia detrás. A pesar de los avances de los últimos meses, lo cierto es que la mayoría de la población sigue considerando los videojuegos como el hobby de unos pocos marginados. La música tiene los Grammy, la televisión los Emmy, las películas más importantes se premian en los Oscar y otras galas organizadas por la academia de cine de cada país (Goya, BAFTA, etc)… Pero los videojuegos no tienen ningún evento destacado que reconozca el trabajo de los artistas más allá de menciones honoríficas en las grandes ferias del sector. Bueno, miento, la BAFTA (Academia Británica de las Artes de Cine y Televisión) lleva dando premios a los videojuegos desde el 2006, aunque con una repercursión muy pequeña si la comparamos con los Video Game Awards.

El actor Zachary Levi, presentador de los VGA 2011

Personalmente, preferiría que los Video Game Awards los otorgara un organismo independiente formado por representantes del propio sector de los videojuegos. Ello evitaría las suspicacias que provoca el evento de Spike, puesto que los candidatos en cada categoría son elegidos por votación del público, convirtiendo los premios en un mero concurso de popularidad.

Por otro lado, el fin de año se presta a la realización de recopilatorios de lo más destacado en cada ámbito. Es lo que en los videojuegos se suele llamar la elección del GOTY (Game Of The Year). Un concepto que, por cierto, se ha desvirtuado en los últimos años por culpa de campañas de marketing de ciertas desarrolladoras; que se apresuran a etiquetar a su juego como Juego del Año cuando aún estamos en enero o febrero , igual que hacen los fabricantes de coches cuando aseguran que su modelo es el más seguro del año.

Los Video Game Awards vienen a llenar un hueco que el sector de los videojuegos lleva demandando desde hace mucho tiempo. Teniendo en cuenta que la industria del videojuego es capaz de facturar más que, por ejemplo, el cine, es lógico que se quiera que tenga como mínimo la misma visibilidad de cara al gran público. Los videojuegos son una mezcla de ocio y arte comparable al cine, la televisión o la literatura. Por tanto, los artistas que dedican sus ideas y su tiempo a este gran sector también merecen un reconocimiento del mismo calibre que otros sectores de la cultura (aparte de que los usuarios paguemos por los juegos, claro). Por desgracia, los videojuegos aún tienen mucho camino por recorrer.

Skyrim fue elegido Juego del Año en los VGA 2011

La industria de los videojuegos ha avanzado y se ha diversificado enormemente en los útimos años. Han cambiado los gráficos, la tecnología, las mecánicas de juego, la forma de contar historias… Pero hay algo que nunca se ha conseguido, y tengo mis dudas de que se pueda lograr algún día: que el público deje de ver a los gamers como un reducto de frikis antisociales con mucho tiempo libre y ninguna aspiración en la vida. El día en que este pensamiento generalizado cambie, probablemente podremos disfrutar de unos galardones a la altura de lo que el sector de los videojuegos se merece.

PopCap Games

Aseguran que ahora mismo hay, repartidos por todo el mundo, unos 12 millones de jugadores sociales, de los que un 15% superan las seis horas de juego a la semana. Puede parecer una cifra baja, conocidos los números que mueven portales como FaceBook, pero la misma desarrolladora asegura que el crecimiento es imparable, un 71% desde el año anterior.
Pero la cifra más interesante, especialmente para todas aquellas desarrolladoras que se planteen el salto a este modelo de negocio, es que según PopCap Games uno de cada cuatro de esos jugadores han comprado elementos de estos juegos con dinero real, la base para el modelo que algunos llaman “Freemium” o “Free to Play”.

Estaríamos hablando de tres millones de clientes que ya gastan actualmente dinero en estos juegos gratuitos; eso si nos creemos las cifras que da la empresa que, posiblemente, como hacen todas, hayan inflado.
Pero inflados o no sigue siendo una cifra más que respetable, mucho más alta de la que un servidor, os reconozco, podía llegar a imaginar. Era lógico pensar que la formula de estos negocios iba a funcionar, pero ¿tan bien?
Llevamos semanas, meses incluso, oyendo a expertos y analistas asegurando que el futuro de los videojuegos recae en estas formulas gratuitas. Razón de más por la que Electronic Arts estuviera dispuesta a pagar semejante cifra por PopCap o también por la que los autores de títulos como Farmville, Zynga, disponga de 2.000 millones de dólares para comprar Rovio, creadores de Angry Birds, transacción que al final nunca se llegó a realizar.

Los verdaderos Huevos de Oro. Rechazar más de 2.000 millones de dólares por tu compra.

Pero sinceramente, ¿no os huele todo esto un poco a chamusquina?
Nadie niega que los números son muy buenos, espectaculares incluso, y que mucha gente está haciendo verdaderas fortunas con todo esto… ¿Pero de verdad un módelo de negocio que cuenta con tres millones de clientes potenciales que realizan pequeñas transacciones de apenas un euro, de verdad puede permitirse comprar alegremente otra compañía por 2.000 millones de dólares?
Ojo a las cifras porque semejantes números pueden hacer perder la perspectiva a más de uno. Un título como Call of Duty Modern Warfare 3, record de ventas absoluto capaz de vender siete millones de copias en una semana, genera unos beneficios de 400 millones de dolares. Son mercados muy distintos, desde luego, pero otro título que ostenta records de ventas como Angry Birds tiene unos 500 millones de descargas, de las cuales no todas son de pago y las que lo son no llega al euro, de donde hay que descontar el beneficio para la plataforma, tipo iTunes.

Lo que quiero decir es que no soy capaz de comprender que una empresa como Zynga pueda permitirse el lujo de pagar semejante cifra, cinco veces lo que se gana con un Modern Warfare, en una compra; o que una empresa como PopCap tenga más valor que todos los beneficios directos que ha generado Angry Birds.
Tengo la sensación, y lo digo como reconocido ignorante de las teorias economicas capitalistas, que los videojuegos sociales se están convirtiendo en una nueva burbuja, una nueva formula en la que todo el mundo ha decidido invertir y que corre el peligro, como tantas otras en el pasado, de explotarnos en los morros.
Ya no lo digo por la burbuja de las PuntoCom allá a finales de los noventa, nisiquiera por la inmobiliaria que hemos sufrido en España, sino porque la historia de los videojuegos ya sufrió algo similar en el año 1983.
Entonces, cientos de empresarios decidieron invertir millones y millones en un floreciente mercado que no dejaba nunca de crecer; hasta que un día se estancó y la mayoría acabaron en la ruina. Los numeros que presenta orgullosa PopCap hoy, me recuerdan demasiado al mensaje que ostentaba la Atari de principios de los ochenta.

Hay que tener ojo no vayan a llegar las épocas de vacas flacas.

De todos modos, insisto: es evidente que la formula del videojuego gratuito funciona. Rara es la semana que no leemos alguna noticia sobre lo bien que le va a alguna empresa desde que decidió pasarse a este modelo, como Aion, Age of Conan o DC Universe.
Espero sinceramente equivocarme en mis temores y que la cosa no acabe estallando, pero se están barajando cifras demasiado grandes, algunas deliberadamente infladas, como para que pueda tomarme con calma lo que está pasando en algunas compañías.

“Si te quiero es porque sos 

mi amor mi cómplice y todo 

y en la calle codo a codo 

somos mucho más que dos.“

Mario Benedetti

El amor, oh amigos, el amor. Según la RAE el amor se define como el “Sentimiento intenso del ser humano que, partiendo de su propia insuficiencia, necesita y busca el encuentro y unión con otro ser.” o  “Sentimiento de afecto, inclinación y entrega a alguien o algo”. Y es que, por amor, se puede entender cualquier cosa, hay pocas cosas tan subjetivas como este sentimiento, y por más que lo pongas en palabras, no coincidirás con persona alguna en lo que significa “amor”. Dicen que el amor mueve el mundo, y razón no les falta, pero para mover el mundo hacen falta muchos tipos de amor, y es de esto de lo que vengo hablar; no de los típicos rankings sobre cual es la pareja que más pega, o que personaje de videojuegos te amará si te pones el colgante con la piedra azul, que cambia a roja según tus sentimientos son más fuertes. Para esas gilipolleces ya está la televisión. Propongo reflexionar sobre el amor en sus diferentes facetas, siempre, alrededor de lo que a nosotros nos mantiene enamorados: los videojuegos.

Como es por todos sabido, el amor es el leit motiv de las artes en general, son cerca del 99,9% de las canciones las que hablan de amor, rupturas o venganzas, melodías que relacionamos con tal o cual persona, o cuyo verso nos amaga el corazón. Películas de comedietas románticas, incluso la película de acción más palomitera nos hace deglutir un trasfondo de romance, a 2 o 3 bandas, que ya, por costumbre obviamos y aceptamos como normal; o quizás, en el mejor de los casos, ves una buena película como: Quiéreme si te atreves, La fuente de la vida, Paris Je t´aime o la noña pero resultona 500 Days of Summer, tras la cual, mientras ves pasar los títulos de crédito, sólo puedes pensar: “Necesito una novia, ahora”, hasta que caes en la cuenta de que por más que mires en eBay la cosa está harta difícil. Porque, admitámoslo, somos frikis, y según el estereotipo, sin gusto estético muy refinado o, al menos, no muy fotogénicos. Pero seguimos teniendo una válvula que, a veces, palpita como una patata frita.

El amor EN el videojuego

Pensadlo fríamente: ¿Hay algún videojuego cuyo tema central sea el amor? Sí, lo hay. Los simuladores de citas, como por ejemplo: Doki Doki Shinpan para NDS, una video aventura de corte romántico japonés, llena de tópicos y absurdos, poco válido como juego, y peor representante del sentimiento en si. Por otro lado, junto con el boom Sims, allá por el 2006, surgió Singles; un juego de simulación social que centraba exclusivamente sus objetivos en conseguir pareja, o parejas, y montarte la orgía más grande que el programador te permitiera. No pasa de ser algo anecdótico como experiencia, y olvidable como juego.

Pero es el terreno del videojuego indie donde se halla el mayor exponente de los llamados poemas interactivos, pequeñas obras de temática amorosa en su mayoría que centran su narrativa en hacer sentir al jugador un sentimiento, desolación, amor, añoranza. Cosa que también consiguen hacer otros títulos más comerciales como Super Meat Boy o Dark Souls, odio, frustración, ira, depresión, agresividad etc.

• Air pressure - Jugar

El juego de Bentosmile es una novela visual que se centra en una relación una pareja, o de unos amigos que están en ese punto en el que la linea de la amistad no sabes si queda delante o detrás de ti. El protagonista nos pone en antecedentes: hoy es el aniversario del día en el que se conocieron. Después se nos sitúa en plena conversación con la chica, y se nos da la oportunidad de derivar la charla por diferentes caminos que pueden alejarnos de nuestra compañera para siempre o acercarnos más a ella.

La cuestión no lo que el juego nos deja ver, si no en lo que cada jugador quiera ver en Air pressure. En la primera partida solo parece un sencillo programa en el que, mediante unas ramas de conversación, llegamos a uno u otro final y sobre el jugador pesa la losa inconsciente de sentir pena por Leigh, la chica con la que el protagonista se relaciona. Pero al rejugarlo y comprobar otras opciones se empieza a intuir que quizás la historia no trata de una pareja real, que quizás la chica en realidad no es una chica, que de lo que realmente nos quiere hablar el juego es de la adicción y Leigh es simplemente una representación antropomórfica de algo mucho más dañino que una novia enquistada o una compañera eventual. Es probablemente una droga, o un instinto de autolesión. Y es entonces cuando todas las conversaciones cobran sentido.

Y en especial la primera frase del juego, que bajo el nuevo punto de vista parece desvelarnos contra que adicción estamos luchando en realidad.

• Loved - Jugar

Loved azota la primera en la frente al jugador antes de empezar: preguntándole su sexo para a continuación invertirlo; situándolo en el lado opuesto.
Plataformas, que representa la metáfora de una dañina relación amorosa centrada en la sumisión, en el que el propio juego ejerce de invisible pareja del jugador encomendándole ordenes que dificultarían su avance y en algunos casos resultan tremendamente injustas por masoquistas. En realidad es decisión del jugador el obedecerlas o evitarlas, pero si opta por ignorarlas los gráficos del juego comenzarán a mostrarse más corruptos y confusos complicando el recorrido; y si se muestra sumiso a lo impuesto tendrá que lidiar con el peso moral de las burlas de esa entidad invisible, que a modo de dios omnipresente llega a pausar el ritmo del juego para preguntarnos si realmente nos asusta o nos excita la perspectiva del momento del reencuentro.

Gracias a la ambientación y el tono en el que el segundo personaje nos humilla o nos premia como si fuéramos su mascota y el hecho de cambiarnos de sexo constantemente, el titulo consigue hacernos sentir realmente mal, sumisos ante una relación de pareja tortuosa: deseando dejarla y sin embargo adictos a ella. Pobre del que se sienta identificado con la experiencia.

• But that was (Yesterday) - Jugar

Una barrera delante del personaje principal. Al dirigirte hacia ella se desata una cadena de flashes que tumban al protagonista. A partir de aquí una serie de flashbacks nos transportan por diferentes recuerdos de los tres compañeros de camino en la vida del personaje: su mascota, un amigo de infancia y una novia. Todos ellos retratados bajo la forma de diferentes dinámicas interactivas, que comprenden desde saltar sobre los tejados hasta mecerse en un columpio. Y muy cargados de simbolismo: el muro insalvable de recuerdos dolorosos de una tarde de invierno solo puede ser evitado al ignorarlo mirando en la dirección opuesta, o lo que es lo mismo: para poder seguir adelante hay que evitar estancarse en los recuerdos.

Según se avanza las historias que conciernen a cada compañero (todas envueltas en un tono bastante triste) se desvelan y el juego poco a poco mezcla las diferentes mecánicas de cada flashback hasta alcanzar un epílogo que le da sentido a la incompleta frase del título.

Técnicamente muy logrado para su condición indie, But that was (Yesterday) guarda un pequeño secreto en forma de tres finales diferentes en función de la hora a la que se juegue  –se rige por la hora del sistema operativo– toda una experiencia melancólica que hará que, al menos, sea una experiencia que no pasará desapercibida para el jugador.

Una de las pocas cosas buenas de MGS: 4

El amor HACIA el videojuego

El videojuego, de experimento en un sonar submarino, pasando de entretenimiento infantil a entretenimiento familiar, y de ahí a gran industria que mueve más dinero que el cine y la música juntos. Pero sobre todo, desde sus comienzos, el videojuego es afición; de igual manera que el fútbol,  la guitarra,  la moda el encaje de bolillos. Una afición que, como todas, puede tomarse en diferentes grados.

“El amor es ciego” dice el refrán, “ese tonto enamorado” anuncian las canciones. Y es que cuando hay pasión, la razón se queda a un lado. Todos habremos notado el crecimiento de los jugadores que sienten amor al videojuego, no hablo del aficionado que tiene una consola en casa, si no del jugador que se preocupa por lanzamientos, investigar en obras que son afines a sus gustos y le gusta estar al tanto de lo que sucede en el medio.

Pero claro, el amor al videojuego no está exento de estupidez, estupidez a raudales, que lleva generalmente al sacrificio por parte del enamorado. Tener las estanterías llenas de recuerdos en forma de juego, por amor. Gastar 120 € en la edición coleccionista de turno, por amor. Dormir 3 horas, pudiendo dormir 7, por amor, y un largo etc. Otro de los síndromes consiste en pasar por alto la violación de nuestra dignidad, apartada a un lado con la sonrisa en la boca y la cartera en la mano. Abusos como el online pass, los DLC´s ya incluidos en el disco, las ediciones “coleccionista” que de especiales tienen el envoltorio.Nos da igual, no importa, me gustas y te quiero, y sabes que haré cualquier cosa por ti.

El problema se convierte en agravante cuando la otra parte de la pareja lo sabe, y resulta que no está tan enganchada a ti como tu pensabas, y así vemos que ocurre lo que ocurre. Best sellings que precisamente no se han ganado el Best por calidad, pequeñas bofetadas que golpe a golpe, euro a euro, van minando la moral de una industria que se perfiló como entretenimiento para el jugador como consigna mayor, mensaje que se pierde en el viento del dólar y que sólo algunas compañías han sabido mantener anteponiendo la calidad del producto al tiempo de producción, cosa que los gamers saben agradecer y premiar. Y es que como dijo cierta película: “La mejor cosa que te puede pasar, es que ames, y seas correspondido“.

El amor CON el videojuego

Definamos a un friki, estereotipémoslo, reduzcámoslo a la mínima expresión del tópico: feo, muy canijo/muy gordo, gafas, palido, granos, pelo largo de principios de los 90/sin pelo/ o peor: medio calvo y resistiéndose a serlo. Todos estos estereotipos, aunque duelan, en muchos casos se cumplen. Pero no nos centremos en la superficialidad del asunto, a donde quiero ir a parar es al género: canijo, gordo, blanco… El mundo del ocio digital es un campo de nabos, al menos en su faceta más seria; más allá de NDS y de juegos sociales. Siempre lo ha sido, ¿o es que acaso la frase “Me gustan los videojuegos” ha servido para ganar puntos a los ojos del género femenino? Con el tiempo, esta barrera que retenía a las mujeres aproximadamente a un radio de 200m de distancia de todo friki ha ido difuminándose para dar lugar a uniones muy hermosas.

Como el caso de la pareja gamers, frikis los dos, que a opinión personal dan un poco de yoquesé, pero irradian felicidad y complicidad. O el caso del gamer que introduce a su pareja en el mundillo, a base de cooperativos, casual games, o simplemente un: “ven a jugar un rato y luego echamos un polvo”. Si obtener un logro compartido, acabar una pantalla en cooperativo, o finalizar un juego es una gran experiencia entre amigos, imaginen en pareja, tras derrotar al final boss de Gears of War con tu pareja y celebrarlo con un aquí te pillo, aquí te mato.

 Otra de las vertientes que más se da actualmente, y que a mí más me gusta, es el paso de la tradición de jugador de padres a hijos, que mediante el videojuego crean una experiencia que une al niño a sus padres, planteándoles un reto común, que juntos han de resolver. Sin duda, todos estos ejemplos son sólo unos pocos de los que, a seguro, hay repartidos por el mundo gamer.

He obviado los grandes romances del videojuego tal y como se conocen, Cloud-Aeris, Manny Calavera-Merche, Guybrush Threepwood-Elaine, etc. para mostrar que no sólo el romance es un añadido a una trama principal, si no que tiene suficiente fuerza para generar su propia trama más allá del tópico de la princesa en apuros. Que además de servir para divertir o matar las horas en las que no queremos estudiar o no nos apetece trabajar, este hobby, como todos, sirve para unir, tema que ya usara por campaña la afamada Nintendo con Wii y su propuesta familiar y que, como vimos, dio resultado. Y mucho. Pero lo que realmente importa, es lo que se genera fuera de la pantalla, más allá del romance digital. Por mucho que los japos se lleven sus NDS a cenar fuera, lo que marca la diferencia y lo que realmente hace que la experiencia de jugar sea algo memorable, son cosas tontas como esta, a la que llaman “amor”.

No hace falta ser él para disfrutar de los videojuegos

Creo que debo empezar esta reflexión con una confesión: Yo fui pirata. Sí, de esos que se bajaban ISOS y echaban a perder 5 CD’s antes de tener una copia de un juego en mi Playstation chipeada y que, misteriosamente, dejaban de funcionar a las varias semanas. Algunos ya sabéis de que iba la historia, ¿verdad? A la hora de ejecutar aquellos cuestionables actos, siempre venía a mi mente la misma excusa una y otra vez, “los videojuegos son muy caros y quiero jugarlos a todos”. Lo sé, era un poquito idiota.

Pero heme aquí, en los tiempos que corren, con guerras de precios por doquier, que me he dado cuenta de esa verdad que se encontraba oculta y que ignoraba por pura ceguera provocada por Verbatim. Pagar por videojuegos es mucho más placentero de lo que uno se puede imaginar. No, la corteza central de mi cerebro no ha sido abducida por la SGAE, y os lo voy a demostrar con mi historia. ¡Oh no!, ¿otra historia de abuelos de Roberto?, sí, ahora sentaos y escuchad mis chocheces.

Yo empecé en estos de los videojuegos con las Game & Watch. Por aquel entonces dependía plenamente de mis padres. De hecho no recuerdo ahora mismo si fue iniciativa mía o no el querer tener una de esas maquinitas electrónicas de Nintendo (o de cualquier otro fabricante). Pero da igual, lo importante es que en ese momento mi idea de videojuego se reducía a eso y en ese caso tocaba pagar o pagar si querías disfrutar de un juego. Bueno, en realidad le tocaba pagara a mis padres, por lo que no entendía sus miradas de desaprovación y odio hacia su vástago cuando sacaban su cartera del bolsillo.

Casi al mismo tiempo, en mi Amstrad CPC tuve el primer contacto con la piratería, sin tener yo pajolera idea de lo que significaba aquello. Entre los amigos nos intercambiábamos disquettes de doble cara con varios juegos, que se acumulaban sin remedio. Curioso ¿verdad?, la misma historia se repetiría años después con mi Playstation. Pero no hay que adelantarse aun, porque lo siguiente en llegar fue la todopoderosa Mega Drive, que significó el punto de inflexión en mi desarrollo como jugador y en el desarrollo de mi responsabilidad como tal.

Con el cartucho el problema de la piratería era algo marginal, así que de nuevo era necesario pasar por el yugo de los padres y su benevolencia a la hora de comprarnos los juegos que queríamos. Pero en ciertas ocasiones, gracias a nuestra paciencia, conseguíamos ahorrar el dinero suficiente para poder comprar ese videojuego tan elogiado en las revistas del sector. Ir a la tienda y apoquinar el dinero de mi propio bolsillo me proporcionó la primera sensación de placer por el hecho de pagar por un videojuego (que luego el juego fuera una mierda es otra historia).

De ahí saltamos a la época de las 32-bits, de la que creo que no puedo decir nada más que no haya dicho ya. Bueno, en realidad sí. Si alguno de vosotros también pirateaba juegos y aun conserva esas copias, que repase su juegoteca y recapacite sobre cuántos de esos juegos disfrutó de verdad, o mejor aun, sobre cuántos de esos juegos jugó más de una vez. Habrá excepciones, pero lo normal era sufrir un síndrome de Diógenes videojueguil tremendo. Lógico, no se pagaba por esos juegos más allá que el precio del CD en el que estaban grabados. Nuestra valoración monetaria, y por tanto la valoración del esfuerzo para hacernos con ese juego, estaba terriblemente deformada y entonces muchos de esos juegos “no merecían la pena”.

Pasaron los años y llegamos a nuestros días (sí, ya estoy acabando el coñazo). Y sinceramente, creo que no queda excusa alguna para no pagar por un videojuego. Más allá de los aun abusivos precios que se manejan en la primera mano española, existen más opciones para hacerse con un videojuego pagando un precio justo por ellos. Contamos con la segunda mano, el intercambio de videojuegos, la importación y con las plataformas digitales como Steam. En todas estas opciones es común el encontrar un precio mucho más ajustado y honesto a nuestros ojos.

No hay cabida ya para la excusa de “los precios de los videojuegos son caros”. Quien se sigue repitiendo eso es por pura ignorancia de las alternativas que existen, o quizá, por pura avaricia. Sea como sea, la posición de no querer pagar por un videojuego no se sostiene ya por si sola. Y por favor, que nadie que SÓLO tiene juegos piratas me diga que le gustan los videojuegos, en serio, que me da la risa.

El hecho de pagar por un videojuego es catártico y otorga un punto de referencia muy claro a la hora de valorar nuestra dedicación a los videojuegos. Es por eso que hablo de placer a la hora de pagar por un videojuego, porque por un lado estoy disfrutando de un juego y por el otro tengo la satisfacción de haber contribuido a mantener y/o prosperar un estudio de desarrollo que considero merecedor de mi confianza gracias a su buen trabajo (si el trabajo es malo que les den).

Así que si sois de esos que siguen despreciando las cajas originales de los juegos de vuestra consola y prefiere tener su disco duro lleno de isos o su archivador repleto de Verbatim, os imploro que penséis en lo que estáis haciendo. No es cuestión de ayudar a la industria, ni tampoco de luchar contra la piratería, es simplemente una cuestión de amor propio y amor por toda esa gente que aparece en los títulos de crédito al finalizar el juego. El placer de pagar por un videojuego también se comparte con ellos.

No es ésta una lista en la que vayais a encontrar títulos obvios como Baldur’s Game o Ultima VII, porque si no teneis claro a estas alturas que esos juegos hay que haberlos jugado para tener derechos¹ mal vamos.

Por contra, son diez juegos no muy conocidos que podemos conseguir en las ofertas por menos de 4€ la unidad y considero que son títulos absolutamente fantásticos. Hay de todo y para todos.

Un apunte: todos los juegos están en inglés, pero para muchos hay traducción disponible en Internet.

Freedom Force vs The Third Reich

Antes de Batman: Arkham Asylum ya tuvimos un juego de superheroes. No tenía licencia de ninguna editorial, pero su regusto a comic cincuentero era delicioso. Poco tardó en haber una secuela que incluyó lo único que le hacía falta al original. ¡Nazis!

Freedom Force vs The Third Reich es un action RPG en el que controlamos un grupo de superheroes, trasunto de la Liga de la Justicia, compuesto por personajes “marca blanca”. Cosas como Minute Man en lugar del Capitán América o Blitzkrieg en lugar de Red Skull, le da un toque descacharrante al juego.

Largo, adictivo, lleno de personajes y muy rejugable. Poco más que añadir.

Gabriel Knight 3

La saga en la que cada uno de los tres juegos es de un tipo distinto: el primero era una aventura point n’ click con el clásico interfaz de Sierra. La segunda fue fagocitada por la moda del FMV y la tercera fue una de las aventuras malditas: aquellas que se rindieron al 3D. No fue la única, pues en el mismo pozo calleron sagas como Simon the Sorcerer o Monkey Island, pero la diferencia es que Gabriel Knight es un buen juego.

Gabriel Knight 3 destaca por muchas cosas, pero por encima de todas ellas, está su historia. Una historia de conspiraciones y órdenes religiosas, un paraje francés cargado de historia y un elenco de personajes digno de Agatha Christie. ¿Qué puede salir mal? Muy poco.

Sólo se le pueden achacar algunos fallos por culpa del 3D, pero el conjunto es soberbio y, en opinión de un servidor, una de las mejores aventuras gráficas jamás creadas, aunque sólo unos pocos lo supieron apreciar como merece.

Journey Man Project 2: Buried in Time

Un agente temporal es acusado de un crimen que no cometió y debe viajar en el tiempo siguiendo el rastro de quien le ha incriminado para limpiar su nombre y averiguar qué está pasando.

Sí, el argumento es sobado y manido como pocos, pero la ejecución es impecable y la posibilidad de viajar en el tiempo promete mucho y muy bueno. Y cumple, vaya si cumple.

Buried in Time pertenece a esa casta de aventuras gráficas con FMV con una interfaz enorme pero una ventana de acción pequeña, una dificultad alta y montones de maneras de morir. Pero, al igual que el juego anterior, es al historia, acompañada de una genial banda sonora, el que hará de los viajes en el tiempo una aventura absorbente.

Y si cuando esteis trasteando en el laboratorio de Leonardo no se os escapa un “¡Qué emocionante!” es que estais muertos por dentro.

Might And Magic 6-Pack

No, no recomiendo el pack por los cinco primeros juegos, aunque considero la tercera, cuarta y quinta partes como algunos de los juegos más magníficos entre los CRPG clásicos. Es la sexta entrega, The Mandate of Heaven, la publicada en 1998 la que es un juego absolutamente imprescindible.

Ya había juegos en los que nos movíamos en un mundo 3D con movimiento libre hacía tiempo: Ultima Underword lo había hecho más de media década antes, pero sí es uno de los mundos abiertos más grandes y llenos de cosas que hacer que encontrábamos.

El sistema de personajes, con un nivel de maestría de habilidades que saca los colores a Skyrim, la sensación de poder al ir cogiendo niveles y la emoción de pelear contra hordas de enemigos hacen de The Mandate of Heaven un juego muy a considerar por cualquiera que desee indagar un poco en una de las sagas de CRPG más ignoradas en nuestro país.

Nox

Uno de los últimos juegos de Westwood antes de morir a manos de Electronic Arts.

Si algo caracterizó a Westwood fue su capacidad para hacer lo mismo, pero mejor. Lo demostraron con Comand & Conquer y lo hicieron con Lands of Lore. Así que, cuando el mundo se rendía a los pies de Diablo, el estudio de Las Vegas se sacó de la manga un juego que era, para mucha gente, aun mejor que el superventas de Blizzard. Más complejo, mucho mejor organizado y con una aventura muy bien diseñada que daba sopas con honda a Diablo.

Pero ya sabemos que lo bueno no es siempre lo que más vende, y Nox no consiguió. Y, para añadir sal a la herida, EA decidió cerrar los servidores al poco, matando el juego online y dejando al juego sin multijugador, rematando así al caballo cojo.
Sea como sea, la experiencia para un jugador es tan sumamente buena que supera muy ampliamente a la gran mayoría de clones de Diablo que salieron aun años después.

Police Quest SWAT: 1+2

Dos juegos juntos que no pueden ser más distintos.

Tras el éxito de Police Quest: Open Season, Sierra se lanzó a por la quinta entrega, pero ¡ah! el CD-ROM se puso en medio, y en un momento en que la compañía de los Williams estaba obsesionada con el Full Motion Video: así que parecía una buena idea pasar a Sony Bonds, protagonista de la saga, al formato de moda, tras el amago de Open Season.

El juego acabó derivando en su desarrollo hacia un “simulador” de tácticas policiales a base de video. Un juego bastante entretenido, pero limitado más allá de la primera o segunda partida. No es mal juego, pero tiene el problema de todos los juegos FMV del género: nos limitamos a poco más que ver una película, hasta que nos dejen decidir qué hacemos.

Pero el segundo, ojo… En el segundo la saga deriva hacia la estrategia pura y dura donde gestionaremos un equipo de SWAT en múltiples misiones, pudiendo desplegar y dar órdenes a los miembros del equipo. Desde colocar el francotirador hasta decidir rutas de entrada, todo desde una perspectiva cenital y con misiones memorables para todos los que lo jugamos.

La tensión de comprobar si la planificación es correcta, la necesidad de estudiar la zona de operaciones y el saber anticiparse a los criminales hace que SWAT 2 sea apuesta segura.²

Sanitarium

Sanitarium es una aventura point and click de lo más tradicional, con uso de objetos, diálogos con los personajes y puzzles.

La diferencia es que el protagonista está en un manicomio.

Cuando empezamos, sólo sabemos que somos un hombre llamado Max y que estamos en una institución mental bastante siniestra, pues la amnesia afecta al protagonista. Y sí, parece que le objetivo sea escaparse de nuestro encierro, pero no… Sanitarium es un viaje lisérgico, lleno de flashbacks, sueños y personajes extraños en el que nunca sabremos donde estamos, mientras navegamos por un arte gráfico y una banda sonora que es puro ambiente.

Sanitarium pasó desapercibido cuando fue publicado, debido a que fue distribuido integramemnte en inglés, y no es un juego que tenga un lenguaje sencillo, en ocasiones. Sin embargo, al igual que muchos otros juegos, podemos disfrutarlo en castellano gracias a la traducción realidaza por los titanes del Clan DLAN.
Ya no hay excusa para no acompañar a Max en una aventura gráfica absolutamente imprescindible.

Sniper Elite: Berlin 1945

Si buscais en un diccionario del videojuego el término “tapado” o “sleeper”, viene la caja de este juego.

La crítica lo trató bien, pero, los usuarios, verdaderos jueces siempre, le dieron la espalda de mala manera.

Ya el nombre da pistas, pero ojo, que no está elegido al azar, y es que a muchos juegos se les llena la boca con “misiones de infiltración” o “planifica tu siguiente movimiento”, pero no llegan ni a aprendiz de Sniper Elite.

Aquí estamos ante un verdadero simulador de francotirador, con balística real y unos escenarios diseñados para el sigilo. Aquí el enfrentamiento directo no resuelve nada y el disparar varias veces seguidas desde la misma posición nos llevará a ser descubiertos y morir.
Ambientado en la batalla de Berlín en 1945, cuando los soviéticos estaban tomando la ciudad, un francotirador americano del OSS³, inflitrado como alemán, deberá llegar a los experimentos nucleares alemanes antes que sus aliados rusos.

Se juega bien y se vive mejor, así de simple.

Space Rangers 2

Mezclad un poco de estrategia espacial a lo 4X⁴ con un juego de comercio y con un toque de rol.
Esa cosa bastarda, pero adorable, es Space Rangers 2.

Es el típico juego de “un turno más y lo dejo” que nos arruina la vida, pero una vez que empezamos nuestra lucha para salvar la galaxia de manos de los Dominators, el tiempo se va sin que nos demos cuenta. Pero ojo, que a pesar de que el juego parezca complicado no lo es: es grande, que no es lo mismo.
Y ess que son más de 200 planetas para visitar y conquistar en la lucha contra el enemigo, que no creais que se están quietos: los Dominators se mueven y pelean por la galaxia, creando la sensación de universo vivo y que reacciona que tanto nos gusta a muchos.

Si os gustan los juegos de géneros mixtos y la sci-fi, Space Rangers 2 puede gustaros. Bastante.

Under A Killing Moon

Un detective privado en una aventura de cine negro… en el año 2024.
El FMV en toda su gloria, señores.

Under A Killing Moon es uno de aquellos juegos en los que el uso del video tenía sentido. No sólo estamos ante una aventura buena y difícil, como debe ser, sino que la trama, los personajes y, sobre todo, el sentido del humor hacen del título el mejor de la saga Tex Murphy.

Sí, los croma y los CGI son horribles y algunas actuaciones para llorar⁵, pero el conjunto es tremendo y la compleja interfaz llena de posibilidades al Under A Killing Moon.

Y ojo, que es una aventura gráfica, así que la exploración, el uso de objetos y los puzzles están a la orden del día, así que nada de interminables secuencias sin contendido entre ellas: aquí todo es importante y en cualquier parte puede estar la pista.
En resumen: juegazo para los que se atrevan con una aventura distinta.

1. algún día…
2. TJ, al tejado. Si no lo digo, reviento…
3. la CIA de la época
4. explore, expand, exploit, and exterminate
5. de risa

Me he dado cuenta que ultimamente se habla mucho del precio de los videojuegos. Es cierto que la presencia de esas tiendas de importación afecta en gran manera, pero hay además otros motivos.
Por ejemplo, ¿os habéis fijado que los precios de los juegos de 3DS han subido? Algunos títulos de esta portatil llegan hasta los 50 euros. Y en PSVita Sony ya ha amenazado que sus juegos valdrán lo mismo que los de las consolas mayores, olvidando para siempre esa frontera moral de los 30-40 euros.
Otro motivo es la presencia de un Steam que nos ofrece a diario algunas ofertas jugosisimas con la única condición de no contar con el soporte físico de toda la vida. En épocas de rebajas, como en verano o en la reciente campaña otoñal, los precios de algunos títulos son de verdadero escandalo.
Y también están las plataformas moviles, iPhones, Androids y compañía… Soportes en los que se están vendiendo todo tipo de juegos, algunos de indiscutible calidad y en las que empiezan a colaborar desarrolladoras punteras, a unos ridiculos precios de 1 o 2 euros. Con razón empresas como Rovio, creadores de Angry Birds, han acabado haciendose millonarios.
Y todo esto cuando no metemos dentro de la ecuación a todos esos juegos gratuitos con pagos por contenido, los popularmente conocidos como freemium, a los que va más que bien, y sino que se lo digan a DC Universe y a su crecimiento en beneficios del 700% anunciado hace unas semanas.

En otras palabras, los juegos y soportes de siempre siguen teniendo los mismos precios de toda la vida, pero mientras tanto las nuevas formulas comerciales apuestan por modelos más economicos y competitivos.
Esto, desde el punto de vista capitalista más destroyer, parece poco sostenible; razón por la que estos días hayan salido algunas figuras de la industria a decir la suya.
Por ejemplo Jeremias Slaczka, uno de los jefazos de 5th Cell, responsables entre otros del divertidisimo Scribblenauts, el cual asegura que el modelo de juegos a 60 dolares tiene las horas contadas porque es un modelo roto.
Slazcka viene a decir que, por ejemplo, un usuario no tiene demasiados problemas en gastarse 60 dolares en un Call of Duty, porque sabe que va a encontrarse un muy buen título que le va a brindar horas de diversión, pero que en un HomeFront, tan criticado por la prensa y comunidad, muy poca gente va a arriesgar dejarse tanto dinero en él.
En otras palabras, según Slaczka, o estás convencido que vas a conseguir un título de calidad indiscutible, o esos sagrados 60 dolares van a ser una lapida para tu título.

30€ en NDS, 0,79€ in iOS. Algo falla.

Entonces, ¿hay que situar el precio del videojuego según su valor real?
Buena pregunta, a la que la misma Sony ha intentado responder precisamente hablando de los juegos de la futura PSVita.
Sin dar demasiados detalles, Jim Ryan, presidente de Sony Europa, ha asegurado que se están planteando la posibilidad de instaurar diferentes precios según cada título; aunque como afirma el mismo ejecutivo todo eso no es en vistas de contentar al usuario sino por intentar luchar contra los mencionados títulos a 1 euro para iPhone y compañía, un miedo que Nintendo ya ha manifestado en alguna ocasión.
Al respecto no pocos aficionados han manifestado que esa idea esta muy bien, siempre y cuando no se venda el juego a trocitos como el escandaloso Ridge Racer para la misma PSVita, maniobra que parece ser será la utilizada en Japón.

Una pregunta que está sobre la mesa y en la que por una vez no voy a pronunciarme al respecto. Porque sinceramente no se muy bien qué opinar y en el fondo se, como ya nos demostró Fanatiko, que el tema de los precios no es nada sencillo y no tiene una solución facil.
¿Sería lícito que los juegos tuvierán un precio en función de su calidad? Evidentemente, la idea es maravillosa, pero… ¿Qué baremos se establecerían para determinar cada juego? Y más importante todavia, ¿Quién decidiría bajo que baremo se sitúa cada título?
Que lo decidieran los propios fabricantes y desarrolladores no sería lógico. ¿Acaso cualquiera de ellos no diría que su juego es fabuloso y que vale hasta el último euro?

Es muy complicado encontrar una solución de consenso y creo, que si a día de hoy, después de más de cien años de vida, la industria del cine no ha optado por una aproximación similar es por algo.
Porque amigos míos, estamos pagando lo mismo por ver una película como Avatar, film que ha costado decenas de millones de dolares, que por ver la última del típico directorucho español, que además de ser mala de narices encima recibe subvenciones de nuestro estado. Eso, en el fondo, no es justo.
Pero ¿cuál es la alternativa? ¿Pagar esos 10 euros habituales en la entrada de Avatar y 1 o 2 euros en el film español? Algo me dice que si el cine siguiera una metología así, acabaríamos pagando los mismos 10 euros en la pelicula española y en Avatar pagaríamos un “plus de calidad”… Y sino mirad que pasó cuando llegaron las gafas 3D de las narices.

Insisto, es un tema muy complicado del que no tengo ninguna solución mágica que pueda satisfacer a industria y aficionados.
Pero una cosa sí tengo clara, los precios de soportes móviles y digitales son demasiado atractivos como para que el pleno de usuarios sigamos siendo fieles a la distribución fisica de toda la vida.
Las principales desarrolladoras deberían empezar a replantearse desde los cimientos sus estratagemas, por más que se nieguen, como han hecho hasta ahora, a reconocer que el mundo está cambiando.

Un ejemplo perfecto es Mortal Kombat.

Mortal Kombat // NetherRealm Studios - Warner // Xbox 360 - PS3

Me encanta Mortal Kombat, ¡me apasiona!

Jugaba como un loco a la recreativa y jugué a la segunda parte hasta hacerme callos en las manos con la versión de PC. Su tercera parte no me gustó, por aquello de la barra de energía para correr y los combos, pues aunque era un juego fiel a los anteriores, añadía una complejidad que no estaba dispuesto a aceptar.

Y sí, no soy bueno con los juegos de lucha y no juego online porque no quiero que un maldito preadolescente de Luisianna me oiga llorar por el Live tras destrozarme al Street Fighter IV.
Me gustan los juegos asequibles que no requieren una maestría digital digna de Lupin III.

Y por eso amo Mortal Kombat, por su estilo de juego accesible y, sobre todo, por su trasfondo y personajes.

Seamos sinceros: la idea de que el destino de la humanidad se decida en un torneo en el que participan ninjas, una estrella de cine¹, monjes Shaolin, militares, mercenarios o ¡el puto dios del trueno! es algo que no me cabe en la cabeza de lo que mola. Y si encima, esos personajes tienen historias entre ellos como que la militar va persiguiendo al mercenario o un ninja se quiere vengar porque el otro mató a su familia, la cosa ya se sale de la escala.
Pero vayamos más allá y añadamos una jugabilidad fabulosa y un nivel de gore nunca visto, pero de una forma tan exagerada y grotesca que es hilarante.

¿Cómo no iba a salir de ahí un juego de lucha absolutamente épico?

Monjes shaolin, ninjas cyborgs. Lo tiene todo.

Y Mortal Kombat fue un título delicioso para muchos de nosotros, y la segunda parte aún mejor y más grande. De la tercera podemos discutir, pero al menos era honrado y mantenía su esencia intacta.
Pero entonces llegó el 3D. El maldito 3D.

Mortal Kombat 4 sufrió lo que tantos y tantos juegos de la época: un paso al 3D porque sí, porque, en aquel momento, alguien decidió que si un juego no era 3D, estaba abocado al fracaso. Personalmente espero que aquella persona haya muerto dolorosamente, porque el montón de basura que era Mortal Kombat 4 no es explicable.

Así la saga cayó en un pozo, cada vez más hondo y nauseabundo provocado por el intento fallido de innovar un producto que ya funcionaba. Cosas como Mortal Kombat: Special Forces dejaron claro que la defunción de la franquicia era un hecho a pesar de los intentos de insuflarle oxígeno mediante Alliance y Deception, que no satisficieron a los ingenuos fans, ni con el modo Konquista en el que recorríamos el mundo realizando todo tipo de quest…
Toda conversación acababa a mamporros…

En serio, ¿quién pensó que si juego Mortal Kombat quiero explorar el mundo? Yo he venido a sacarle la columna por la traquea a alguien, coño.

Regla dolorosa en 3, 2, 1...

Afortunadamente, este año hemos visto como el fénix resurgía de sus cenizas, alzándose orgulloso y brillante. Siempre y cuando sustituyamos fénix por cadáver violado repetidas veces y cenizas por mierda de gorrino.

Mortal Kombat, pues así se llama esta nueva versión, es un reboot de la serie, de esos tan de moda últimamente y hay que decir que está muy, muy bien hecho.

Para empezar, fuera todos los personajes basurientos añadidos en la etapa 3D². Fuera también toda esa basura de babalities, animalities y demás zarandajas que no añaden nada al producto; al carajo el modo Konquista, demonios, que ésto es un juego de lucha y como tal debe ser.
Y sobre todo y ante todo, fuera la lucha en 3D. Mortal Kombat es un juego de lucha 2D con gráficos 3D.

Por fin lo han entendido.

El juego vuelve a sus orígenes y lo hace como debe ser. Los combates se sienten exactamente igual que en Mortal Kombat II y los personajes y escenarios son los de los primeros juegos. Volver al patio del templo, al bosque encantado o a la armería, resulta fantástico porque ha cambiado la tecnología, pero no la esencia, y se aprecia el cuidado por recrear aquellos espacios de combate de antaño.

Si al ver la foto no has pensado "Get over here" con la voz de Scorpion, no mereces vivir

El combate se desarrolla exactamente igual que en los primeros Mortal Kombat, con la excepción provocada por la aparición de una barra que se irá llenando según provoquemos y recibamos daño. Dicha barra, de tres etapas sirve para dos cosas. Gastar una de las etapas nos sirve para bien romper el ataque al oponente o realizar nosotros uno potenciado.
Pero el arte, la salsa, es lanzar el superataque que nos proporciona la barra completa.

Y en eso acierta de nuevo el juego:  Mortal Kombat no debe ser un juego complicado: bastará con presionar los dos gatillos a la vez para que lancemos un ataque que destrozará al oponente en una secuencia a cámara lenta y con rayos X en la que disfrutaremos de las roturas de hueso más tremebundas y con mejor sonido que hayamos visto.
En serio, la epidermis de ave de corral.

También se añade la posibilidad de luchas 2 vs 2, con los consabidos movimientos especiales de entrada y de compañero, pero no aportan nada, más allá de algunos combates de interés en el modo historia.

Pero no nos olvidemos de los personajes. Volvemos a los clásicos de la saga, incorporando alguno de la etapa posterior, como Quan Chi. Pero uno de los grandes méritos del título es un modo historia en el que vemos la historia de la saga, desde el puno de vista de varios personajes. Pero no asustarse, porque aquí la trama trascurre como debe: a ostias. Todo se reduce a una secuencias enlazadas de “cutscene – pelea – cutscene” que sirven para llevarnos a través del torneo, al enfrentamiento con Shao Khan y a la invasión de la tierra por los Mundos Exteriores.

Motivos para jugar Mortal Kombat: hoy, Jade

Ésto sirve, por un lado, para aprender a usar a los personajes, de los que tenemos el listado de movimientos en el menú de pausa, y por otro para explicar el origen de muchos de ellos, como Mileena, Sektor o Stryker y, sobre todo, para explicarnos quién es quién y dar un trasfondo a los luchadores, ganando así el juego en carisma bastante.

En cuanto a los modos, como es obvio, tenemos el arcade clásico, donde avanzamos por el torneo hasta hacernos con el título, modo de exhibición, así como el consabido modo multijugador³ y otros como la Torre, que es una sucesión de desafíos de dificultad progresiva y que nos reportarán jugosas monedas para desbloquear ítems del juego.
Pero mi favorito es el modo Test your Luck⁴, donde una ruleta de tragaperras determinará al inicio del combate las condiciones del mismo. Os aseguro que un combate con la pantalla invertida y en modo psicodélico mientras intentas acabar con un rival es lo más delirante que he visto en un juego de lucha.

Fisioterapia para principiantes

Las citadas monedas, que iremos ganando a lo largo del juego sirven para desbloquear ítems en la Kripta, ya presente en títulos anteriores, pero esta vez mejor ideado, al ser menos personajes y ser un juego destinado al fanservice más puro. El desbloqueo de trajes alternativos o fatalities extra para los personajes es un verdadero vicio y aporta mucha emoción. Por supuesto, otras cosas, como personajes secretos, se desbloquean jugando.
Como debe ser.

Resumiendo mucho, podemos decir que Mortal Kombat es una vuelta a los orígenes que hacía mucha falta teniendo en cuenta por lo que ha pasado un título tan emblemático. Por fin se hace justicia, y por fin tenemos el Mortal Kombat que hacía falta. Y sí, peca de lo que todos los Mortal Kombat, de no tomarse en serio a sí mismo en algún momento, pero para mí eso es una virtud.
Es puro placer para el fan, que verá mil referencias en el juego y reconocerá todos y cada uno de los elementos, pero es, en sí mismo, un juego sólido y disfrutable por cualquiera.

1. Van Damme salia caro, pero era el elegido. Es cierto
2. algún día mataré con mis propias manos al que creó a Bo Rai Cho, lo juro
3. OJO, Online Pass
4. no pillar la referencia es motivo de muerte

De freaky prodigio a presidente

David Perry, Dave para los amigos, nacido en Irlanda del Norte resultó ser uno de esos pequeños genios de la informática como ya lo fueran Carmack y Jhon Romero (ID Software) entre otros; a los 15 años desarrolló su primer título en el sistema Sinclair ZX81, tras un par de años continuó programando sus propios juegos, los cuales las compañías no dudaban en comprarle por cuatro duros hasta que, finalmente, a sus tiernos 17 (en los años 90 se permitía ser tierno hasta los 20, 21 si me apuras), es contratado para la todo poderosa editora por aquella época: Virgin Games, donde participa en títulos del calibre de Teenage Ninja Turtles, todo un clásico que no hace mucho volvió a modo de remake para Xbox Live. Su carrera no se detiene y se traslada a EE.UU. donde desarrolla otros títulos que se ganaron el estatus de clásicos del momento como fueran: Disney´s Aladdin o Cool Spot, títulos que personalmente recuerdo con especial cariño.

Nuestro amigo Perry ha cogido carrerilla y no tardaría más de 2 años en abandonar Virgin América para fundar su propia empresa, Shiny Entertainment, cuyo nombre hace honor a la canción “Shiny Happy People” del recientemente disuelto grupo R.E.M. Su primer título como desarrolladora independiente de videojuegos es el de sobra conocido Earthworm Jim, el cual consigue vender millones de copias a nivel global en todas las plataformas. El titulo era un shooter plataformero protagonizado por un gusano dentro de un traje humano; y es que aparte de una impecable e innovador control del personaje, pudiendo atacar con nuestra pistola o usando nuestra cabeza a modo de látigo para engancharnos en salientes, y un elaborado diseño de niveles, lo que destaca del título es lo que más tarde pasaría a ser el sello estandarte de Shiny: el humor surrealista. Reconozcámoslo una vaca “by the face” en un juego siempre es graciosa, excepto Farmville, eso no es nada gracioso. La ambientación con toques oscuros en diseño de escenarios y personajes, títulos llenos de situaciones “porque-sí-porque-me-da-la-gana” que hacían desternillarse al jugador. A día de hoy podemos hacernos con este título en las plataformas digitales de Xbox360, Wii o PlayStation 3 y comprobar que es un título al que los años no le sientan nada mal.
Tras el éxito cosechado la secuela de las aventuras de nuestro héroe gusano llegaría un año después con Earthworm Jim 2, de nuevo distribuido por Virgin Games, con quien aún guardan una estrecha relación, lanzando el título en casi todas las plataformas existentes, las habituales 16bits, PC y además dando el salto a las 32 bits de la mano de PlayStation y Sega Saturn, ediciones que además incluían la banda sonora de regalo sin cobrar ni una peseta de más: términos como Edición Especial, Edición Coleccionista o Ultimate Edition You-Must-Have-or-Die, tampoco se acuñaban  por aquella época.

Dave Perry se apunta al posado de verano, ey nena, mírame

Tito Dave en la cresta de la ola

A estas alturas, año 1996, Perry ya era considerado uno de los gurús del desarrollo de videojuegos y su compañía, Shiny, era garantía de éxito de ventas. Con la llegada de los 32bits y las 3D, Perry dio el salto a la tercera dimensión con el lanzamiento de MDK (1997), el que a día de hoy se sigue reconociendo como uno de los máximos exponentes del género arcade de acción, presentaba un shotter en 3ª persona, protagonizado por Kurt, ayudante del Dr. Hawkins, este nombre nos suena de algo, y acompañado a su vez de Bones, el perro robótico de 4 brazos del Dr. Hawkins; 4 brazos, un perro, es Shiny ¿Por qué no?.
Kurt contaba con un traje especial diseñado por Hawkins con un casco que hace las funciones de ametralladora y rifle franco tirador, además nuestro “wonderfuloso” traje cuenta con un paracaídas auto-retráctil que nos permite aterrizar desde grandes alturas. Una debacle de disparos, bombas nucleares, super poderes y explosiones, y frenesí destructivo unido a la curva de dificultad, sólo para los más habilidosos, hacían de MDK un reto para el jugador que introducía al jugador en un frenesí de acción poco visto hasta la época. De nuevo Shiny volvía a hacerlo, un éxito de ventas, público y crítica, situación que resultó muy jugosa para las grandes distribuidoras, cediendo a la compra por parte de Interplay ante el olor a dólar fresco que pasaba por delante de sus narices.

Tras la compra por parte de Interplay, la franquicia MDK que tan buenas críticas había cosechado pasa a manos de Bioware por encargo de la desarrolladora, viendo su lanzamiento en Playstation 2, la difunta Dreamcast y PC, mientras Shiny se centra en su nuevo título Wild 9. Un juego que deja un regusto al mítico Earthworm Jim, haciendo uso de las 3D con con scroll lateral en 2D y media, sustituyendo la carismática pistola láser de Jim por una especie de lazo western style, con el que el protagonista podía mover objetos y, lo más divertido de todo, atrapar enemigos para, literalmente, estamparlos una y otra vez contra el suelo o meterlos en diferentes trampas del escenario, como rodillos llenos de pinchos o sierras mecánicas, ese toque humor-sádico made in Perry sigue intacto. Aún así el título consigue pasar con más pena que gloria por el mercado siendo una pequeña decepción para los fans del famoso desarrollador. 

Corría el año 2000, Duke Nukem Forever ya llevaba 3 años en desarrollo, casi los mismo que el siguiente título de Shiny, el cual tomó dos años y medio para terminarse, por aquel entonces ese tiempo de desarrollo era algo desorbitado, el hype rodeaba a la próxima creación de Perry, Messiah. Lanzado exclusivamente para PC, loado y masacrado a partes iguales por la crítica, nos ponía en el papel de Bob, un querubín mandado por Dios a una Tierra futurista, de ambientación cyberpunk, para evitar la destrucción del mundo. El jugador debía de ir pasando de cuerpo en cuerpo dentro de una ciudad llena de vida y gráficamente impresionante, permitiéndonos poseer ciudadanos, prostitutas, guardias de seguridad, científicos etc. Todo lo que hiciera falta para llegar a nuestro objetivo, creando una mezcla de acción en tercera persona, sigilo y puzles, todo ello dentro de una ambientación sublime, tito Dave volvía a estar en el candelabro, lástima que fallos garrafales como el impreciso control de nuestro angelito en las fases plataformeras, pese a su capacidad de planear aleteando, o la corta duración del título, le valieran duras críticas relegando a Messiah al olvido dentro del panteón de los videojuegos, cuando realmente, suponía una apuesta arriesgada, original y muy lograda en un ámbito que ya se perfilaba como continuista, lleno de segundas y terceras partes de las sagas de éxito.

La compañía seguió apostando por nuevos formatos y la mezcla de géneros, y sería justo un año después, cuando lanzara otro clásico de los juegos de PC: Sacrifice. Una acertada mezcla de rol y estrategia en tiempo real, con hasta 16 hechiceros de entre 3 facciones diferentes, combinando elementos típicos de los RTS como la recolección de recursos y, en este caso, la invocación de criaturas para engrosar tus filas de ejércitos, todo ello desde una perspectiva en 3ª persona dentro del campo de batalla, como ya intentara hacer, no con muy buenos resultados, el reciente Brutal Legend. Sacrifice supuso un soplo de aire fresco al género dominado en la época por juegos como Warcraft II, Shogun Total War o Civilization III.

Pez grande se come a pez pequeño. Cuesta abajo y sin frenos

Todo el éxito cosechado por todo lo que Shiny desarrollaba no podía pasar desapercibido para los grandes de la industria, y ahí entró en juego Infogrames, conocida actualmente como Atari, que no escatimó en soltar 47 milloncejos de dólares para hacerse con la compañía de Mr. Perry. A raíz de esta compra Shiny se centra exclusivamente en el desarrollo de títulos de la franquicia de películas Matrix, un filón muy apetecible, lanzando Enter the Matrix para toda plataformas habidas y por haber, sobremesa, portátiles, PC y Mac en 2003, un juego de acción del que prometían sexo oral al introducir el DVD en la consola/pc y que no pasó de ser un juego de película más en las estanterías de las tiendas. A pesar del pequeño accidente sufrido con Enter the Matrix, el trato con los hermanos Wachowsky no terminaba ahí, 3 años más tarde lanzarían al mercado Path of Neo, eso sí, esta vez sin tanta tirada y sólo para Playstation 2, Xbox y PC. Repitiendo fórmula de acción en 3ª persona pero esta vez sin un argumento original, basando el argumento del juego en escenas de las películas ya vistas en el cine. De este modo, Shiny, la que había sido pionera en mezcla de géneros y apostar por nuevos formatos, había quedado relegada a crear juegos del montón.

A estas alturas de la historia David Perry, fundador original, no duda en desvincularse de la empresa, en la que todavía ostentaba el cargo de presidente, al conocer las intenciones de Atari decide deshacerse de todos sus estudios de desarrollo, para involucrarse en otras empresas de forma independiente, gracias al nombre que se ha labrado a golpe de exclusivas y sonrisas a cámara.
Así pues Shiny, la cual no ha parado de pasar de mano en mano a lo largo de su historia,es adquirida por Fundation 9, actualmente conocida como Double Helix. Responsable de títulos como: Silent Hill Homecoming, MX Vs. ATV Reflex o Green Lantern, sobran comentarios sobre la calidad de estos.
Así vemos como la mítica compañía cedió ante el poder del todopoderoso dólar y la presión comercial de un mercado en expansión a velocidades estratosféricas, dejando a creadores de obras inolvidables convertidos en creandores de obras no dignas de ser recordadas.

The Legend of Zelda: Phantom Hourglass / Nintendo DS / Nintendo

De entre todas las sagas que existen en la actualidad, The Legend of Zelda quizás sea una de las más longevas, emblemáticas y sólidas. Su fama es bien merecida, ya que comprende una serie de títulos con una jugabilidad muy sólida, un magnífico diseño artístico y una carga emocional de una autenticidad poco frecuente en un videojuego. Destaca aquí especialmente el trabajo de gente como Takashi Tezuka o el gran compositor Koji Kondo, sin cuyas partituras resultaría imposible entender esta saga.

Inaugurada en 1986 por Shigeru Miyamoto, esta franquicia constituye, más que una serie provista de continuidad argumental, un conjunto de juegos independientes entre sí que, con ligeras variaciones, narran la misma historia y recrean el mismo universo fantástico-medieval: el Reino de Hyrule. En ellos normalmente el protagonista, un joven y valeroso muchacho llamado Link, ha de salvar a la princesa Zelda de las garras del malvado Ganondorf, para lo cual ha de conseguir un fragmento de la Trifuerza, reliquia de origen divino consistente en tres triángulos equiláteros dorados, cada uno de los cuales representa una de las tres virtudes fundamentales que existen en ese mundo: el poder, el valor y la sabiduría. Cuenta la leyenda que aquel que consiga poseer estos tres fragmentos gozará de un poder ilimitado.

El emblema de la Trifuerza

La jugabilidad de estos títulos se plantea como una aventura en tercera persona con ligerísimas influencias de los RPGs: ambientación medieval, estructura basada en el clásico esquema pueblo-mazmorra-jefe final, misiones secundarias, incremento del nivel de vida del protagonista a medida que avanza el juego, y poco más.

Normalmente el hecho de que historia y jugabilidad se repitan es percibido por el jugador como indicio de estancamiento creativo o de exceso de mercantilismo por parte del estudio de desarrollo, pero en el caso de The Legend of Zelda tiende a interpretarse más bien  como fidelidad a una leyenda y proporciona a cada partida que se juega una impronta de ritual al alcance de muy pocos títulos.

Esta indulgencia hacia la saga de Nintendo obedece a que su calidad es, en términos generales, elevada, a que la aparición de nuevos capítulos se ha dosificado casi siempre con criterio y a que la fidelidad a un planteamiento determinado no implica aquí un inmovilismo absoluto: normalmente cada título de la serie incorpora elementos o novedades que enriquecen en mayor o menor medida al anterior, consiguiendo así un difícil equilibrio entre tradición e innovación.

Ocarina of Time (Nintendo 64, 1998) está considerado por muchos como el mejor videojuego de la historia

Por desgracia en Phantom Hourglass no se cumplen estas tres premisas o, al menos, no se cumplen en su totalidad. El título se plantea como una continuación en forma de spin-off de The Wind Waker: tras derrotar a Ganondorf por enésima vez, Link decide tomarse unas vacaciones en su sempiterna lucha contra el mal; nada mejor para ello que enrolarse como pirata en el barco de la Capitana Tetra y surcar, así, los mares en busca de tesoros y aventuras. La historia se plantea como una ligera variación del argumento tradicional de la saga (cambia el villano de turno y desaparece la Trifuerza), es más ligera que en otros títulos de la serie y, en contra de lo que pueda sugerir en un primer momento, menos romántica. Por otro lado el fantástico diseño gráfico, tomado directamente de The Wind Waker, encaja como un guante en la portátil de Nintendo, pero ya no sorprende como lo hizo en su momento el juego de Gamecube.

Técnica y jugablemente el título es de lo mejor que puedes encontrar en el catalogo de la DS, aunque hizo su aparición con el recuerdo de Twilight Princess aún caliente y eso es algo que se notaba al jugarlo: se repetían conceptos, se revivían situaciones, se replanteaban puzles y, en definitiva, se hacía más evidente que nunca el conservadurismo que siempre ha caracterizado a esta saga y que en otras ocasiones había pasado desapercibido debido al mayor lapso de tiempo existente entre título y título.

El diseño artístico, tomado directamente de The Wind Waker, es más que notable pero carece del factor sorpresa que tuvo en su momento el título de Gamecube

El elemento novedoso que aporta el título a la serie tiene que ver con el hardware y consiste en aprovechar al máximo las prestaciones de la DS. Ningún juego hasta la fecha había exprimido las posibilidades jugables de la portátil de Nintendo como lo hizo Panthom Hourglass, con permiso de Another Code: Two Memories y Hotel Dusk: Room 215, aventuras gráficas que pasaron sin hacer mucho ruido, pero que contenían un puñado de excelentes ideas de las que sin duda Miyamoto tomó buena nota en su momento.

Sin embargo, aquí hay luces y sombras. Es evidente que se realizó un trabajo enorme y se consiguió una formidable compenetración entre el software y el hardware. Hacer anotaciones en el mapa, vencer a enemigos gritando, resolver puzles cerrando la consola, etc. constituyen hallazgos ingeniosos y brillantes, pero el sistema de control, mediante el stylus y la pantalla táctil, no mejora al tradicional. Superada la agradable sorpresa inicial se hacen patentes sus limitaciones: en escenarios despejados funciona a la perfección pero cuando el juego te exige precisión (por ejemplo, en plataformas) la cosa puede acabar con Link en el agua y tú añorando la cruceta y el botón. En otras ocasiones, especialmente en los enfrentamientos contra jefes finales, la mano con la que sostienes el stylus te impedirá ver parte de la pantalla, obligándote a modificar su posición. Sorprendentemente Panthom Hourglass no ofrece la posibilidad de elegir entre este control y el tradicional, cosa que ya estaba presente en un juego del año 2006: Animal Crossing: Wild World.

La posibilidad de hacer anotaciones en el mapa es todo un hallazgo y resulta especialmente útil a la hora de navegar

A todo ello hay que añadir la que quizás sea mayor lacra del título: el Templo del Dios del Mar. Se trata de una mazmorra que, en homenaje a la saga Metal Gear Solid, tendrás que recorrer sin ser detectado por los enemigos. Para ello dispondrás de un tiempo límite: el que marca el reloj de arena que da nombre al título. Si bien la cosa funciona con corrección, aporta variedad y constituye una novedad en la saga, en un contraproducente intento por alargar su duración, el juego te obliga a revisitar dicha mazmorra una y otra vez, convirtiendo así una brillante idea un lastre considerable.

Panthom Hourglass deja, por tanto, un ligero sabor agridulce. Cumple y resulta consistente, aunque de un Zelda siempre se espera algo más que un sistema de control novedoso y trabajado, pero que a la postre acaba planteando tantos inconvenientes como soluciones. No es, ni mucho menos, un mal título, pero no deja de ser el tuerto en el país de los ciegos. Como Zelda resulta aceptable, como videojuego provechoso y como título de la DS, colosal.

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¡El último que llegue a la Torre Eiffel es un casual!

La actual generación de consolas ha venido acompañada de algunos elementos destacables, sin los cuales sería difícil concebir un panorama de videojuegos como el actual. El salto gráfico es incuestionable en la gran mayoría de los casos. En otros, el progreso ha venido de la mano de nuevos sistemas de control que a su vez han propiciado nuevas mecánicas jugables. Pero, en mi opinión, aún más importante que buenos gráficos o una forma distinta de control, ha sido la potenciación del modo multijugador on-line.

El modo multijugador on-line no es algo nuevo que haya nacido con PlayStation 3, ni Xbox 360, ni Wii. En juegos de PC ha gozado de buena salud desde que Internet es la red de redes, pero en consolas no ha contado con la aceptación que tiene hoy en día hasta que servicios como Xbox Live se asentaron entre el público tras el estreno de Microsoft y su primera Xbox. Bien es cierto que hubo algunos intentos anteriormente, aunque fueron intentos que no llegaron a cuajar. Recuerdo, por ejemplo, el éxito que cosechó ChuChu Rocket! en Dreamcast, pero luego este éxito no se supo rentabilizar ni trasladar a otros juegos. Sony también lo intentó dotando a PlayStation 2 de un adaptador de red (que acabó siendo objeto de coleccionista vendido a precios desorbitados en los 2 años previos al lanzamiento de PS3), pero se olvidó de incentivar a las desarrolladoras para que lo aprovecharan en sus juegos.

Sin embargo, en la actualidad es complicado que salga algún juego al mercado sin modo multijugador on-line. Es más, últimamente nos cansamos de ver cómo sagas que deben su éxito a un sólido modo campaña, sacan una segunda o tercera parte con el modo multijugador on-line metido con calzador. Uno de los ejemplos más claros de ello, y también uno de los más graves, fue el de Bioshock. Es un FPS con una ambientación espectacular, una historia absorbente y una calidad gráfica indudable. Cuando se comenzó a rumorear que la segunda parte traería modo multijugador, a más de uno se nos quedó cara de tonto (imagino que algún fan de Mass Effect debe estar experimentando la misma sensación ahora mismo). ¿Cómo iban a encajar un modo multijugador en un mundo como el de Bioshock sin cargarse su esencia? La respuesta era fácil: No se puede. Y se confirmó con ese despropósito que luego les salió en el multijugador on-line de Bioshock 2.

¡¿Cómo?! ¿Que Bulletstorm no tiene modo cooperativo? ¡Que estoy muy loco!

Por otro lado, hay géneros que, por sus características, ahora es difícil imaginarlos sin poder jugar con personas de todo el mundo. Por ejemplo, la gran mayoría de los FPS (salvo excepciones, como la ya comentada de Bioshock) pierden parte de su encanto sin un modo on-line que alargue su vida útil. Me resulta complicado aceptar que un juego tan divertido y bestial como Bulletstorm tenga un modo on-line tan poco atractivo y aburrido. Y esto, cuando el modo campaña tiene una duración relativamente corta, puede ser un verdadero problema. Teniendo como padrinos a Epic Games, la gente de People Can Fly ya se podría haber currado algo mínimamente parecido al gran multijugador de Gears Of War 3, o al menos haberle añadido un modo cooperativo.

Está claro que no hay, ni creo que lo habrá nunca, un sustituto a reunirte con la familia o los amigos para compartir las sensaciones de reirnos en su cara cuando les ganamos una carrera al Burnout o les metemos un gol jugando al FIFA. Pero vivir la sensación de poder cargarte a una “seta” a cuchillo en el multijugador del Modern Warfare 3 mientras te regodeas del rival a sabiendas de que no puede oírte (en mi caso suele suceder al revés), es una sensación difícilmente imaginable hace 10 años. Y esta es una de las razones por las que, sin duda, estoy disfrutando más con la actual generación de consolas que con ninguna otra.

Ultima VII / Origin Systems / MS-DOS

Pongámonos en antecedentes. La saga Ultima nace de la mente de un joven bastante raro y repelente llamado Richard Garriot, al que sus compañeros de habitación en la universidad apodan Lord British, por sus formas estiradas y manera de hablar¹. Pero el joven Garriot es tan imaginativo como collejeable y tarda poco en convertirse en un genio de la programación y con 20 años y un Apple II en las manos, convierte un montón de líneas de Applesoft BASIC² en uno de los puntos de referencia de la historia de los RPG.

Garriot define, así, como suena, un montón de conceptos que hoy son básicos, pues hasta entonces los RPG se limitaban a la exploración de mazmorras y el personaje se limitaba a subir de nivel por matar monstruos. Sin embargo, Ultima permite añadir puntos a las características y mejorar, de este modo, cosas como el daño o la armadura. También es necesario controlar nuestro nivel de comida y, lo más importante, el juego añade movimiento por el mundo exterior, no limitándose a un montón de túneles. Y ese movimiento se realiza en un mapa basado en cuadrícula por donde nuestro personaje viaja para, cuando llegamos a una localización importante como un pueblo o un dungeon, cambiar de vista.

Sí, Ultima fue el primero en usar ese tipo de mapa y el éxito del juego en Japón se puede ver en cualquier RPG.

Alguien ha matado a alguien...

Sea como sea, y saltando hacia delante en el tiempo para no entretenernos más de lo debido, podemos afirmar que los juegos de la saga Ultima fueron siempre rompedores. Cada uno aportó un poco más al género tras los seis primeros títulos, que componían las llamadas trilogías de La Era de la Oscuridad y de la Iluminación.

Es comprensible, pues, que el anuncio de Ultima VII bastase para ponernos nerviosos a muchos aficionados, pues Ultima VI, publicado en 1990 había sido un bombazo al incorporar gráficos VGA y control por ratón e iconos, algo bastante arriesgado en el momento, y fue el primero en abandonar el Apple II, pues Garriot decidió que el ordenador de Macintosh se había quedado demasiado atrás y su juego requería el hardware más potente disponible.

Ni idea teníamos de lo que se nos venía encima.

Vamos a dejar de lado el increíble salto visual y sonoro que supuso el juego e hizo que muchos comprásemos más RAM para nuestros ordenadores y y fuese uno de los juegos más bonitos y detallados jamás programados.
Lo increíble era que toda la pantalla, ¡toda! estaba destinada a la acción. No había interfaz de ningún tipo y el juego iba increíblemente fluido. Bastaba hacer click en nuestro personaje para ver su inventario y acceder a las opciones de sistema, pudiendo cerrarlo o minimizarlo a continuación, cediendo todo el espacio a lo que ocurría a nuestro alrededor. Pero es más, todo, absolutamente todo, podía ser realizado con el ratón y abandonando así los iconos de acción de la anterior parte, que requerían ser usados para todo: ahora bastaba con clicks y arrastres para llevar a cabo absolutamente cualquier tarea.

Sin una brújula, poco que hacer hay en ésta zona...

Antes de entrar a comentar la historia hay que aclarar que en la saga Ultima es el propio jugador quien se supone viaja a Britannia a través de un portal lunar situado en el patio de su casa³.

De tal forma, el Avatar, que es el nombre genérico del héroe (aunque lo renombramos al principio) aparece en Trinsic, ciudad de Britannia, justo a tiempo para investigar el asesinato del herrero del pueblo y su ayudante. La trama está muy, pero muy bien llevada e implica a una secta que se ha establecido en el reino y responde al nombre de La Hermandad.

Dicha Hermandad no está alejada de las Ocho Virtudes que forman el sistema moral de Britannia y sello de la saga, pero todo se va enredando cuando lo que inicialmente parece una religión benévola se revela como algo mucho, mucho más oscuro.⁴. Como apunte, el manual del juego es el Libro de la Hermandad, manual de campo del adepto a dicha organización.

La quest más rara del juego: premio al que identifique la nave

Pero ojo, que el juego está lleno de misiones secundarias y tramas por doquier, pudiendo pasar una cantidad de horas absurda sin tocar la trama principal. La exploración y la interacción con los PNJ son la base del juego y es ahí donde el título brilla por encima de todo. Y mucho cuidado, que aquí si nos metemos donde no debemos o no vamos preparados para la aventura, el juego será inmisericorde. Una visita a los pantanos sin ropa adecuada o una bajada al dungeon de turno sin buen armamento darán con nuestro pellejo secándose en una esquina.

Pero quizá lo más destacable es que, desde el momento que ponemos nuestro virtual pie en suelo de Britannia vemos que el juego tiene algo que deja obsoletos al resto de CRPG de la época e incluso a la mayoría de los actuales: el juego está vivo.

En Ultima VII el mundo no gira a nuestro alrededor, sino que todo tiene una rutina, un horario. Las tiendas abren y cierran a su hora, hay días de la semana y podemos ver a la gente dormir en sus casas, ir a trabajar, sentarse a comer cuando es la hora… Todo, absolutamente todo, funciona con una independencia apabullante, llevando la inmersión del jugador a cotas nunca vistas entonces.

Pero si sumamos una interacción casi total con ese mundo, la cosa ya se va a niveles increíbles. Todo lo que veamos, todo objeto, es manipulable y muchas veces transformable. Es decir: podemos entrar a una panadería y poner harina en la mesa, usar agua sobre ella para obtener una masa y, por último, meter esa masa en el horno para obtener pan. ¿En qué juego vemos eso?

Britannia en todo su esplendor

Por supuesto, nuestro personaje y acompañantes deben comer y dormir de forma regular, lo que hace que las clásicas expediciones de exploración tengan que ser preparadas con un cuidado extremo. Y no sólo comida: mapas, sextante para saber nuestra posición (olvidaros del puñetero automapa), brújula, reloj, sacos de dormir… y todo teniendo en cuenta el límite de peso.

Digo compañeros y digo bien, porque Ultima VII lleva el concepto “party” a otro nivel mucho más allá del grupo de aventureros que se unen en busca de fortuna. Aquí cada miembro del grupo tiene una clara motivación para estar con nosotros: amistad, cariño, protección. Y lo que es más, nos hablarán, al igual que pasaría posteriormente en Baldur’s Gate, durante el juego.
Pero cuidado, que los compañeros tienen su propia personalidad y no tolerarán ciertas actitudes como pueda ser el bandidaje. Nos darán avisos, pero si decidimos llevar las cosas demasiado lejos, nos abandonarán y tendremos que continuar sin ellos. Son, así, personalidades completas, pues no podremos controlarlos en ningún momento más allá de definir su equipamiento y su táctica general de combate: defender, proteger, atacar, etc.

Imagina ser panadero

Y no olvidemos la magia, porque Ultima VII puede presumir de tener un muy completo sistema para la hechicería.

Los conjuros se dividen en círculos, que son un trasunto de niveles, siendo los del primero clásicos como curar o crear luz y los del octavo⁵ cosas como resurrección. Obviamente, los más altos estarán sólo disponibles cuando hayamos avanzado bastante.

Adicionalmente, los hechizos, para ser lanzados, requieren de ingredientes, que son ocho distintos⁶ y pueden ser comprados o bien recolectados en nuestros viajes. Esto hará que la magia sea poderosa, pero escasa y sólo la usaremos en casos de necesidad.

El juego conoció una expansión, Forge of Virtue, y una segunda parte, Sepent Isle, que a su vez tuvo una expansión llamada Silver Seed.
La secuela flojea en la trama y, ¿adivináis por qué? Electronic Arts presionó para sacar el juego antes de tiempo y eso provocó que, si bien la trama continua en un punto más que interesante, es demasiado lineal y el juego rebosa bugs que hacen el juego inacabable si tenemos mala suerte.⁷

Aun así, Serpent Isle merece mucho la pena y es de obligada visita para el aficionado a Ultima.

La mejora de interfaz de Serpent Isle vino a un alto precio

Y finalizando, recomiendo que tanto Ultima VII como su secuela y expansiones sean jugados mediante el programa llamado Exult, que nos permite jugar en altas resoluciones, corrige muchos de los bugs originales y añade funciones nuevas de gran interés, como jugar a Ultima VII con el inventario de The Serpent Isle. Pero para vivir la experiencia en su estado más puro, siempre recomendaré el uso de DosBox⁸ o, mucho mejor, la versión de Gog.com, que es un compilado del juego con DosBox ya preparado para funcionar en un click.

De las versiones para Super Nintendo o MegaDrive no merece hablar, pues son recortadas hasta el extremo y carecen de interés.

Ultima VII es largo, muy, muy largo, todo lo que quiera el jugador; pero siempre que éste esté dispuesto a darle noches de cariño, Ultima VII le responderá con diversión y una aventura inolvidable. Es, en mi opinión, una de las experiencias roleras definitivas delante de un ordenador y merece, no, ¡debe! ser jugado por cualquiera que se diga aficionado al género.

Si os adentráis en Britannia jamás lo olvidaréis, os doy mi palabra.

1. Según otras fuentes, el mote se lo pusieron en un campamento informático, lo cual es aun más gracioso
2. Hoy se llamaría iBasic
3. los que vivimos en un quinto en el centro usamos un portalito que tengo en una maceta
4. lo he copiado de un argumento de Antena 3, lo confieso
5. el color de la magia, no lo olvidéis
6. si a estas alturas no habéis notado el patrón obsesivo de Garriot con el ocho, mal vamos
7. Y con Ultima VIII y IX la cosa ya se desmadró, siendo el IX casi injugable
8. emulador de MS-DOS

Anécdotas a parte, ¿qué narices tiene Minecraft para que se haya hablado tanto en los medios especializados y haya sido calificado con notas sobresalientes?

Minecraft es muchas cosas. Es un juego de construcción. También un juego de exploración e incluso, con la versión definitiva, es un juego de rol. Pero sobre todo Minecraft es libertad e imaginación en estado puro permitiendo que el jugador dé rienda suelta a esa creatividad que quedó enterrada cuando dejó de jugar con los Lego y los Tente.

Aventura sin límites

El punto básico de Minecraft está en ponerse a cavar como si no hubiera un mañana para encontrar nuevos materiales y bloques con los que construir todo lo que puedas imaginar. Pero si lo prefieres te puedes perder por este mundo generado aleatoriamente y atravesar bosques de cubos repletos de animales pixelados mientras cae una densa nevada o te sorprende una tormenta. Pero, ¡cuidado! Porque cuando cae la noche deberás ir bien armado o construir un refugio porque zombis, arañas gigantes, esqueletos y otros bichos te intentarán dar caza.

Recrea a tus ídolos.

Libertad sin complicaciones

Pero si lo que quieres es construir sin preocuparte de que un creeper² te estalle en los morros puedes bajar la dificultad hasta eliminar completamente a los monstruos del juego o directamente elegir el modo “sandbox” que nos dará bloques ilimitados y movimiento libre por el escenario para hacer lo que nos plazca.

Juego de rol

Como juego de rol es bastante simple. No esperes la complejidad argumental de un juego tradicional pero ojo que tiene sus detalles. Además de la subida de niveles mediante la derrota de monstruos o la matanza indiscriminada de animales³ tenemos un apartado de crafting más que digno. A parte de las herramientas que nos servirán para construir y realizar tareas de minería y recolección⁴  podremos forjar armaduras, espadas y arcos de diferentes materiales. También podremos elaborar pociones que nos dotarán de diferentes efectos⁵. No se quedá ahí, si no que también podremos cultivar cereal o plantar árboles⁶, por ejemplo.

Marcianitos...

Multijugador, construyendo en grupo

Tiene multijugador. Sí, como lo estás leyendo. Te puedes montar un servidor en tu equipo e invitar a tus amigos a conectarse al mismo. Hay cientos de comunidades con gente muy organizada. ¿Y qué se puede hacer? ¿Hay deathmatch o modo capturar bandera? No, pero la gente se reúne para realizar auténticas proezas arquitectónicas como las que muestro a continuación.

Pero eso no es todo. La gente es tan creativa que incluso han creado un nuevo deporte de competición en Minecraft, el spleef⁷ Se organizan liguillas y todo.

Le puedes meter mano

La posibilidad de crear nuevas texturas o crear diferentes mods⁸ está ahí. Incluso se puede acceder al código fuente del juego⁹. Algunos mods permiten poner texturas en alta resolución o incluso modificar las reglas del juego multijugador para, por ejemplo, implementar un multiplayer al más puro estilo Halo.

Estos son los puntos fuertes, pequeños detalles que, junto a su ajustado precio y su manera de distribuirse (Puedes jugar en cualquier equipo offline con la condición de que te hayas autenticado online al menos una vez, aprende Ubisoft) han contribuido al éxito de este juego. Pero cuidado, nada es perfecto y Minecraft tampoco. Pero eso, lo dejaré para otro artículo.

Títulos del artículo descartados: “Razones por las que Minecraft me pone palote” y “En el cavar y el follar todo es empezar”

1. La desarrolladora que fundó.
2. Un monstruo majísimo que tiene la costumbre de acercarse a por ti como un loco y explotar.
3. Como se entere la PETA…
4. Picos, palas, hachas, etcétera.
5. Más fuerza, más velocidad, curación, etcétera.
6. Para pillar madera, que hay que ser sostenible hombrededios.
7. Consiste básicamente en cavar agujeros bajo el contrario hasta hacerle caer a una piscina de agua… o lava, según la variante sádica que se quiera.
8. Modificaciones.
9. Con alguna restricción que otra.

Richard Garriott recogiendo su iPhone del suelo

Richard Garriott. ¿Recordáis ese nombre? Aunque sólo sea por la saga Ultima deberíais, porque la verdad es que sus últimos años en la industria del videojuego dejan bastante que desear, con el desaparecido Tabula Rasa como último gran proyecto. Pero no parece ser que para él las cosas fueran mal, ya que en 2008 pagó 30 millones de dólares para ser el segundo turista espacial en visitar la estación espacial internacional. Ahora podemos comprobar las secuelas que la ingravidez a la que se vio sometido Garriott dejó en su antaño brillante cerebro. Y es que, según leemos en AnaitGames, Richard Garriott ha abierto la boca para hablar, y ha profecitado que EL FIN SE ACERCA.

Pero tranquilos, no es el fin del mundo, sino el fin de las consolas. No sé qué es peor, la verdad. Garriott ha declarado que es muy posible que la próxima generación de consolas sea la última, ya que estas caerán ante el implacable avance del futuro de los videojuegos, el iPhone y el iPad. Sí, Garriott ha dicho que los juegos táctiles, casuals o de cagar, como se les quiera llamar, ya le roban más tiempo que las consolas y es por eso que cree que estamos ante el principio del fin de las consolas. Es el advenimiento móvil y táctil.
Da igual que no juegues en una pantalla de 32 pulgadas a 1080p, da igual que no tengas sonido 5.1, eso no importa, es el momento de vender tus consolas y comprarte un iPad, con el cual serás testigo de la nueva era que se avecina. Ah, por cierto, pretendía ser sarcástico.

A pesar de este delirio transitorio que achaco un poco al hecho de sentirse lejos de la primera línea de actualidad videojueguil, Garriott ha matizado que los juegos móviles que podemos disfrutar hoy en día, no son exactamente ese futuro que vaticina, sino un primer paso que evolucionará con el tiempo. Yo, por mucho que evolucione, dudo que en un futuro saque una pantalla de 32 pulgadas, un sistema de sonido 5.1, un sofá, unas patatas y una manta para el invierno de mi futuro iPhone 9S.

Desafortunadamente y por falta de tiempo, no pude rendir mi humilde y particular homenaje antes de la salida del majestuoso Skyrim, tal como era mi intención, pero como no hay mal que por bien no venga y aprovechando las circunstancias, me redimo haciendo lo propio con el título que nos ocupa, que no es más que el perfeccionamiento de la fórmula anterior, la culminación y al mismo tiempo reivindicación de un estilo de juego clásico como apuesta demoledoramente sólida y perdurable frente a esas otras más dispersas y de rápido consumo que están de moda últimamente. Skyrim llega con autoridad, con solvencia, atomizando de un guantazo cualquier sombra de duda sobre la que algunos consideran una fórmula ya caduca.

Es complicado escribir sobre esta experiencia intentando arrojar una luz clara, límpida y objetiva. Y es complicado porque el propio objetivo del juego difiere bastante de consideraciones objetivas y abarcables. La finalidad del título, aquella idea que muy seguramente el equipo de desarrollo ha querido inyectar en el juego para que éste a su vez haga lo propio con el jugador, no es llegar al final de una trama o completar cierto número de misiones, sino formar parte del mundo que subyace a todo eso, habitarlo y vivirlo. Incluso cediéndote cada vez más un protagonismo que va impelido por las exigencias del guión, todo es tan desoladoramente enorme que es imposible sentirse nunca el centro de nada. En Skyrim, no se trata tanto de completar o acabar como de vivir, sentir y disfrutar.

Se suele decir que el punto fuerte de este tipo de experiencias es la libertad de acción. Yo incluso diría más, o al menos matizaría esa afirmación. El punto fuerte de Skyrim es que además de libertad de acción, te permite jugar de acuerdo a tu propia moral. Porque con esa libertad de acción bien nos podemos referir a ensartar, achicharrar y aplastar a todo bicho viviente que se cruza en nuestro camino de todas las maneras imaginables y simplemente porque podemos hacerlo, pero resulta que aquí también podemos no hacer nada de esto y respetar a todas las criaturas del bosque porque así nos lo dicte nuestra conciencia. En una gran cantidad de ocasiones tendremos una alternativa. Y las alternativas, de un modo u otro, estarán presentes hasta el punto de poder aplicarse al propósito mismo del juego, el cual puede ser directamente ignorado en pos de una vida tranquila; comprarse una casa y dedicarse a la caza, a la herrería, a recoger flores y mariposas mientras paseamos plácidamente por las montañas, o labrarse una  reputación como ladrones, camorristas o asesinos despiadados en el seno de la Hermandad Oscura. Una suerte de epic second life con magia, dragones y posibilidades casi infinitas.

Si a todo esto le sumamos un grado de implicación tal que nos lleve a vivir las aventuras de forma sobreactuada, a desarrollar nuestra propia meta-historia, el asunto se torna poco menos que inolvidable, y las diferentes aventuras a los mandos (o a sus pies) se multiplican; no hay dos partidas iguales en Skyrim. Por si fuera poco, todo cuanto es invariable en la aventura está cuidado al máximo y mucho mejor hilvanado que en Oblivion, todo para que nuestro periplo, sea cual sea la ruta escogida, transcurra de la manera más rica y trascendental posible. Relatos, crónicas, poemas, documentos, mapas, cuevas, tesoros, grutas, túmulos, fortificaciones, castillos, pueblos, posadas, campamentos, caminos, senderos, ríos y lagos, en cualquier lugar puede haber alguien con algo interesante que contar o que ofrecernos, algo que sin duda merezca la pena hacer, o algo que merezca la pena encontrar. Aquí, mucho más que en cualquier otro juego, los límites los establece el propio jugador. Es el jugador quien decide qué hacer y cómo hacerlo en cada momento, según sus apetencias. Y hace falta una considerable cantidad de talento para que resulten igual de divertidas y edificantes actividades tan diferentes entre sí como ir a coger flores para preparar pociones junto a la cálida lumbre del hogar, pasear a caballo sin rumbo fijo, o luchar contra trolls y dragones bajo la rojiza luz del atardecer.

La obra de Bethesda, pese a ser objeto de tantas alabanzas y pese a despertar nuestra faceta más literaria (otro peculiar mérito a sumarle) no está, en absoluto, exenta de defectos. De hecho los tiene. Y de hecho son muchos y son muy notorios, pero creo que en este caso (y en tantos otros) no tanto influye la existencia de estos defectos, en términos cuantitativos y cualitativos, como lo poco que nos importan a pesar de su evidencia. O al menos no deberían. Skyrim nos ofrece todo un universo condensado en un disco. Skyrim nos da la oportunidad de vivir toda una vida en un mundo fantástico; nos permite cambiar el coche por un corcel, el gris hormigón por blanquísimas montañas, y las disputas con los gilipollas cotidianos se sustituyen por épicas batallas contra criaturas asombrosas. Skyrim nos acoge y nos sonríe bajo la atenta mirada de sus ídolos de piedra, nos ofrece la cara más amable del videojuego bajo unos incuestionables criterios estéticos.

Envolvente, evocador y hermoso. Así es Skyrim. Y es que atravesar a lomos de nuestro caballo una montaña en mitad de una tormenta de nieve es un espectáculo sobrecogedor. Si mientras esto pasa, estáis mirando dientes de sierra o demás gilipolleces, deberían retiraros el juego bajo orden judicial. Y es que Skyrim es, ante todo, una experiencia bellísima.

F1 2011 / Codemasters / PC-PS3-Xbox360

La temporada pasada, los aficionados a los juegos de motor nos encontramos con una agridulce sorpresa. Por un lado, fue motivo de alegría que, por fin, la licencia F1 tuviera un juego después de tantos años. La parte mala: no estuvo ni mucho menos a la altura de lo que se esperaba de él. Un título tremendamente deseado y que vino a llenar un hueco mucho tiempo vacío, no cumplió las expectativas de los jugadores, que sintieron la llegada de F1 2010 más como una broma pesada, que por el título de primera línea que debería haber sido.

Tras la llegada de un juego mal acabado, con incontables bugs y hecho con prisas, y que provocó un aluvión de quejas y menciones a la familia de los desarrolladores, en Codemasters se han propuesto hacer de la nueva entrega de F1 aquello que la primera debería haber sido; un juego redondo. O casi.

Un juego redondo como los traseros de estas buenas mozas. Que no se diga que aquí ponemos tetas para aumentar las visitas.

Como era de esperar, hay circuitos, pilotos y normas nuevas, pero también mejora la jugabilidad y se ha dado un repaso al aspecto gráfico¹.

Pero sólo con esto no basta para que una franquicia que se presupone anual siga vendiendo y enganchando jugadores temporada tras temporada. No vale con subsanar los errores pasados y dar una mano de pintura, más aún cuando F1 2010 tuvo carencias tan importantes que nos han hecho esperar el segundo con resquemor y desconfianza.

Veamos qué cambia en F1 2011 con respecto a su predecesor, y por qué merece la pena (o no) comprarlo.

 El primer cambio importante, y se nota desde la primera carrera, es la sensación jugable. Si ya en el primer título la precisión del control y la genial ambientación nos hacían meternos de lleno en el monoplaza, la experiencia se ha mejorado cualitativamente; el rugido de los motores, la meteorología cambiante, la respuesta finísima, casi milimétrica de los controles, consiguen hacernos sentir a centímetros del asfalto como pocos juegos del género.

Y también se nota la diferencia en una conducción mucho más realista; este año, hacerlo bien sin ayudas es bastante más difícil. Mención especial al cambio, para bien, que ha sufrido la meteorología; aunque este año la elección de neumáticos tiene mucha más importancia, y ya en seco notaremos el uso de los distintos compuestos en la pista, las carreras con lluvia se convierten en batallas de estrategia, en las que hay que concentrarse y rodar mucho más fino, controlando a cada momento todos los factores que influyen en la carrera. Es increíble la precisión que hay que tener en las carreras en mojado, y una gozada ver cómo cae la lluvia desde la cámara del cockpit y se va secando la trazada del circuito con el paso de las vueltas.

Todas estas mejoras las veremos sólo en carrera, porque desgraciadamente, (y aunque desde Codemasters aseguraron que este año tendrían más importancia en el modo trayectoria) las actividades que realizamos antes y después de lanzarnos a quemar goma en el circuito, como entrevistas y ruedas de prensa, siguen teniendo una función más de “hacer bulto” que de integrarnos en el ambiente de la F1. Aunque lo hayan intentado, seguimos teniendo la misma sensación de que las ruedas de prensa y entrevistas son un añadido insustancial.

Otro punto a favor en este F1 es que se adapta perfectamente a cada tipo de jugador; desde el arcade rápido y fácil, para aquellos que prefieren carreras cortas o juego con amigos, con multitud de ayudas configurables para aquellos que no tienen mucha experiencia en este tipo de juegos o simplemente no quieren complicarse, hasta la más completa y frustrante simulación, cualquier jugador puede encontrar lo que necesita, o casi; llama la atención que en un juego de estas características, los reglajes que podemos ajustar en el box no sean demasiado precisos. De acuerdo que la mayoría de nosotros no vamos a pararnos a ajustar la inclinación en grados de la junta de la trócola y otros mil detalles, pero en un juego que se pretende simulador es casi obligado poder manejar los ajustes de forma un poco más profunda.

Siguiendo con la jugabilidad, en su aspecto más importante, las carreras, se han corregido errores de la primera entrega: ya no hay rastro de los tan traídos y llevados tiempos de vuelta “fantasmas”, y los comentarios del ingeniero son correctos. Lo que no ha quedado tan bien implementado es la IA de los rivales: aunque es infinitamente mejor que en F1 2010, donde en las primeras vueltas todos iban a lo loco, los pilotos controlados por IA a menudo parecen corderitos, evitando casi siempre meterse en situaciones arriesgadas. En el fondo, se echa de menos un Hamilton que la líe parda y haga salir el Safety Car más a menudo.

Y aunque las nuevas y celebradas incorporaciones (KERS, DRS, Safety Car) mejoran mucho la experiencia al jugar, haciendo que la carrera no sea una hartura de dar vueltas a un circuito que conocemos al milímetro, se echa mucho, mucho de menos que no haya más accidentes, situaciones peligrosas, toques, salidas de pista, banderas, penalizaciones… No ocurren casi sucesos aleatorios sin que nosotros los provoquemos, y muchas veces tendremos ganas de liarla para darle un poco de vidilla a la carrera.

Es una pena que esto no se aproveche más, y, por contra, las penalizaciones cuando se nos va la mano son muchísimo más estrictas, llegando a veces a rozar el ridículo. Si la precisión es la tónica general del juego, y manda hasta el punto de tener que conocer cada curva y cada trazada, no deberíamos ver anulada una vuelta por pisar correctamente un piano, y pasa más de lo que debería.

Así que, en resumen, F1 2011 es un juego con muchas luces y alguna sombra. Presumiblemente, no llegará a las grandes cifras de venta de la primera entrega, en gran parte por culpa de esta misma; no somos pocos los que hemos esperado con recelo el título de este año tras el chasco del anterior. Y, por tanto, aquí llega la madre de todas las preguntas. ¿Merece la pena comprar F1 2011?

Si no tienes el primero, sí. Y si te gusta el género, sí en mayúsculas. F1 2011 consigue recrear el ambiente de la F1 hasta casi hacerte oler la goma quemada; pocos juegos del género consiguen tal grado de inmersión, y este es uno de ellos. 

¿Y si tienes el primero? También. Definitivamente, el título de este año no es un simple lavado de cara para añadir las novedades². Es un juego más preciso, más completo, más cuidado y de muchísima más calidad que su antecesor.

1. En teoría, porque en la práctica casi no lo notaremos
2. Como ocurre con todas las franquicias deportivas anuales

Bienvenidos al programa 440, temporada 12.

Sumario:

- Noticias.
- Famosas Ultimas Palabras
- El Juego de la Semana: Sonic Generations (PS3, PC, Xbox360).
- Comiqueando.

Podéis opinar en el foro, en el blog, vía Facebook o en Twitter con el hashtag #RetardsGO.

Descarga el programa.

¡Edición Chula! ¡Edición Chula! Una vez más, gracias a Namco Bandai, tenemos otra de esas ediciones de prensa tan molonas para agasajar a la prensa. Y una vez más somos tan idiotas como para regalarla entre nuestra audiencia.

Antes de nada, vamos a ver que contiene la edición:

• Ace Combat ASSAULT HORIZON, versión Xbox360.
• Gafas de sol modelo Maverick, para poder imitar a Tom y uníos a la cienciologia.
• Parche con el nombre en clave del prota y su unidad, para lucirlo en vuestras cazadoras.
• Pastillas para el mareo. O eso pone en la caja, a saber que tipo de droga es¹.
• Pendrive USB con forma de supositorio hardcore misil.

Ahí va la foto reglamentaria para babear:

¿Y qué hacer para ganar semejante lote? Fácil, nos pondremos en plan Hollywood y en los comentarios de esta entrada soltaremos una de esas frases que quedan grabadas a fuego en la memoria, por ejemplo:

“Tu ego extiende cheques que tu cuerpo no puede canjear”

O algo parecido, que se que no dais para más².

Tenéis hasta el día 9 para participar, así que suerte a todos, y recordad:

“Siempre estaré a tu cola, amigo”

1. Creo que son caramelos, pero lo de la droga vende más
2. Sí, las frases pueden ser inventadas.

Call of Duty: World at War / Treyarch-Activision / PC - PS3 - Xbox 360

No deja de ser curioso que una serie que desde sus inicios vende inmersión (basta ver las carátulas de sus juegos), siga a estas alturas alimentándose con avidez de una jugabilidad tan scripteada y, por tanto, tan tiránica con el jugador. Aquí no puedes desviarte ni un milímetro de una línea preestablecida y has de obedecer en todo momento lo que te va dictando el juego: ve por allí, ordena un bombardeo aéreo por allá, monta en un tanque, ahora usa el lanzamisiles… La acumulación de imposiciones y el grado de encorsetamiento son tales que automáticamente te sientes fuera del juego y la pretendida inmersión se va al garete.

Call of Duty resulta, por tanto, una saga hasta cierto punto fallida, puesto que no logra lo que pretende: ofrece inmersión, pero tan solo da espectáculo y en este sentido su planteamiento obedece a motivaciones cinematográficas más que jugables. Evidentemente existe interacción: manejas a un soldado y disparas sobre los enemigos, pero en ningún momento el juego consigue crear la ilusión de libertad o, al menos, de que exista la posibilidad de improvisar para sobrevivir. Si tienes una buena idea durante una refriega podrás desecharla al instante porque casi con toda seguridad no funcionará, ya que probablemente el programador no la contempló cuando escribió el código. Aquí no está el juego a tu servicio, sino al revés.

La conducción de vehículos, fases aéreas, etc. contribuyen a aportar variedad a la acción, pero a estas alturas ya se han convertido en un estándar de este tipo de juegos

Las ventajas de esta propuesta para el estudio de desarrollo son incalculables. Por un lado simplifica considerablemente el trabajo de programación. El jugador se limita a progresar por un pasillo activando a su paso los scripts que el desarrollador ha sembrado por el camino y, al ser mínimo su margen de actuación, las variables sobre las que ha de trabajar el estudio también lo son.

Por otro lado facilita la inclusión in game de espectaculares escenas de guerra, las cuales se activan en el momento en que alcanzas una posición determinada que has de atravesar forzosamente. Este sistema “sobre raíles” también ofrece la posibilidad de concentrar el trabajo de programación en determinados aspectos y de liberar de carga a la plataforma: el programador puede permitirse el lujo de meter más carga gráfica en el pasillo que has de recorrer, destinando menos recursos a lo que hay más allá. Al fin y al cabo en ningún momento podrás abandonar ese corredor por el que transita el juego.

Por desgracia un planteamiento tan ventajoso para el estudio no se muestra igual de benévolo con el jugador, al que le toca lidiar con una serie de inconvenientes que lastran enormemente la inmersión y, por tanto, la experiencia de juego:

1.- Linealidad: Los escenarios son completamente cerrados y el camino a seguir es único. Si en algún momento tratas de tomar la ruta equivocada automáticamente algún soldado nazi corregirá tus pasos, bien con un tiro en la cabeza, bien lanzándote una granada. A veces esta circunstancia afecta incluso a tus acciones en combate. En ocasiones, morir repetidamente en un mismo lugar no significa necesariamente que estés jugando mal, sino que no estás haciendo lo que el programador había previsto. En tales casos cambiar de posición probablemente te permita alzarte con la victoria sin dificultad alguna, a pesar de que la nueva ubicación no ofrezca ningún tipo de ventaja aparente sobre la primera. Simplemente es la correcta.

2.- Respawn: Sin duda alguna este es uno de los aspectos más criticables. Si no avanzas verás que tras liquidar a un enemigo otro aparece rápidamente para ocupar su lugar, y así hasta el infinito y más allá. Al instante percibes que en realidad no estás luchando contra un soldado alemán que te dispara desde una trinchera, sino contra un trozo de código y la única manera de vencerlo no es con tu habilidad o puntería, sino alcanzando el punto del escenario que pone fin a esa rutina de programación.

3.- Scripts: El juego sólo progresa a medida que avanzas, de manera que si decides pararte, la acción quedará en punto muerto, bien alimentándose del mencionado respawn de enemigos, bien completamente detenida hasta que decidas reemprender la marcha y, así, activar de forma burda y nada disimulada el siguiente script.

Las espectaculares y cinematográficas escenas de guerra vuelven a ser de lejos lo mejor del título

El problema radica en que en ningún momento se aprecia un intento por matizar estos mecanismos y en este sentido el trato que dispensa el juego no deja de ser un tanto grosero para con el jugador. Decía Ron Gilbert, creador de Maniac Mansion y padre del motor SCUMM, que un videojuego implica colocar al jugador en un mundo cerrado cuyas reglas ha de acatar y la mejor forma de suavizar esa imposición es a través del humor. En Call of Duty, en cambio, la manera que tienen de decirte que no vayas por la dirección equivocada es volándote la cabeza.

Tampoco se trata de que un soldado nazi te cuente un chiste cada vez que intentas sacar los pies del tiesto, pero sí al menos de tomarse la molestia de camuflar mínimamente la falta de libertad que preside esta saga y que, por otro lado, es inherente en mayor o menor medida a cualquier videojuego. De lo contrario los engranajes no dejan de chirriar: cuando echas una partida y ves que algo no funciona, sabes con certeza que no estás haciendo lo que el programador espera que hagas, con lo que comienzas a barajar alternativas para tratar de averiguarlo. En ese momento ya no piensas como un soldado, sino como un usuario de software, es decir, estás completamente fuera del juego.

Dejando aparte estas limitaciones que son inherentes a todos los Call of Duty, World at War resulta en sí mismo un juego pobre en el sentido de que no aporta nada sustancial a la saga. Técnicamente reutiliza el motor gráfico de Modern Warfare ligeramente mejorado con efectos de Iuces, partículas, etc., y argumentalmente supone el regreso de la serie a la ya manoseada Segunda Guerra Mundial. En este sentido el título se limita a acumular lugares comunes y situaciones ya vividas: el aturdimiento provocado por una explosión cercana, primeros planos de compañeros arengándote o ayudando a levantarte, desembarco en una zona costera, fases aéreas, etc.

La decisión por parte de Treyarch de retomar la Segunda Guerra Mundial tras el éxito del conflicto bélico moderno propuesto por Call of Duty 4, sorprendió en su momento a más de uno

Únicamente cabe destacar la inclusión del escenario del Pacífico, inédito hasta ahora en la serie, y con él de la tercera potencia del Eje: Japón. Así, al hecho de combatir en una jungla en lugar de hacerlo por las arruinadas calles de una ciudad europea, que también están presentes, se añade el comportamiento algo más variado de las tropas japonesas, que lo mismo se ocultan en zanjas buscando el ataque cuerpo a cuerpo, como se suben a los árboles para dispararte desde la distancia.

También llama la atención el componente gore que incorpora el juego, que no escatima detalle alguno a la hora de mostrar sangre, amputaciones y desmembramientos, resaltando así la crudeza que entraña un conflicto bélico. La presencia del devastador lanzallamas, unida a la posibilidad de apuñalar al enemigo, contribuyen también a acentuar esa sensación de mayor visceralidad que al parecer se ha querido imprimir al título.

El lanzallamas es especialmente efectivo en distancias cortas y te permitirá contemplar la agonía de los enemigos antes de morir

Pese a todo, la inclusión de un nuevo escenario y de mayores litros de hemoglobina no parecen constituir novedades demasiado significativas y, desde luego, apenas modifican la experiencia de juego con relación a anteriores entregas, lo que lleva a plantearse si realmente para este viaje hacían falta tantas alforjas. Por otro lado World at War incorpora una serie de defectos que son de cosecha propia y que contribuyen a empequeñecerlo aún más:

1.- El comportamiento de los enemigos resulta a veces lamentable: algunos te dan la espalda, otros apuntan a la nada y no faltan los que se quedan parados sin saber qué hacer.

2.- En ocasiones el propio diseño del juego ignora por completo el planteamiento que le sirve de base, dando lugar a incoherencias que constituyen una monumental tomadura de pelo. Un ejemplo ilustrativo lo constituye la fase El Corazón del Reich. En esta misión has de asaltar el Reichstag, cuyo acceso se encuentra fuertemente protegido por tropas alemanas. Frente a él hay un edificio de dos pisos abandonado y medio derruido. Si subes a su planta superior encontrarás un rifle francotirador con abundante munición y una posición inmejorable para despachar desde allí a los soldados nazis. Te frotas las manos y comienzas a eliminar limpiamente a los alemanes situados en las ventanas y escaleras del Reichstag. Pronto compruebas, sin embargo, que todo es inútil, ya que el respawn continúa haciendo de las suyas y cada enemigo abatido es rápidamente sustituido por otro. Al final lo único que has conseguido es quedarte sin munición.

3.- El tono general del juego desprende un tufillo patriótico que se hace bastante incómodo y que deja en pañales a publicaciones del tipo Barras y Estrellas. Si echas una partida a World at War aprenderás que en el bando aliado unos luchaban por un mundo libre mientras que otros lo hacían sólo por venganza. Resulta especialmente desafortunado, en este sentido, el personaje que te acompaña en la campaña europea: Reznov, un ruso que no podrás quitarte de encima y que no se calla ni debajo del agua, por lo que deberás soportar con estoicismo sus constantes monsergas acerca del patriotismo, la Madre Rusia y la exterminación del enemigo. En un momento habla incluso de aniquilar a todas y cada una de las ratas. El colmo del ridículo llega en la fase El anillo de Acero: tras una serie de intensos combates en las calles de la ciudad accedes al interior de un manicomio abandonado. Aunque la paz y la tranquilidad que reinan en el interior del edificio son absolutas y contrastan con el caos de disparos y explosiones de afuera, ello no impide al sargento ruso hacer la siguiente observación: “Este sitio está lleno de pesadillas y locura”. En ese momento sentirás que se apoderan de ti unas ganas irrefrenables de pegarle un tiro, pero por desgracia no es posible. Sabiamente los chicos de Treyarch, previendo sin duda la reacción del jugador, vetaron el fuego amigo, al menos fuera del combate.

El escenario del Pacífico supuso un soplo de aire fresco necesario, pero sus novedades jugables resultan un tanto discretas

Al final lo que queda es un juego mediocre, que no sólo no aporta solución alguna a los problemas inherentes a la serie sino que incorpora otros que son exclusivos de él. Cabe plantearse incluso si el término videojuego no le vendrá algo grande, ya que constituye más bien un mod de Modern Warfare, al que copia con alevosía y sin rubor alguno, antes que un producto con entidad propia.

Si te ajustas las anteojeras y asumes sus limitaciones hasta puedes llegar a pasar un buen rato. Al fin y al cabo se trata de un FPS y siempre es divertido eso de pegar tiros, sobre todo después de un día duro en la oficina. Además es espectacular, corto y trae multijugador, si es que te interesa la vida social a través de una consola. Pero si lo que quieres es sentirte inmerso en un gran conflicto bélico mejor será que busques en otra parte, porque la guerra manufacturada, enlatada y lista para consumir que propone World at War no conseguirá transmitirte en ningún momento esas sensaciones, por mucho gore que pongan como guarnición.

Nota: tanto el contenido del análisis como la valoración final se refieren única y exclusivamente a la campaña individual.

Tiny Tower / Mobage / iOS, Android

En aquel momento mi timeline de Twitter se vio invadido por gente que hablaba de pisos, bitizens y una competición a sangre y fuego por ver quién construía la torre más alta. Y claro, yo, en mi fértil imaginación, me imaginaba algo como Sim Tower pero con amigos. 

Así pues, cuando, recientemente, fue publicado Tiny Tower para Android, me abalancé sobre él y me dispuse a jugarlo a capullo remangado, porque yo también quería ser parte de ese mundo maravilloso y mágico, hecho de ladrillo, del que todos hablaban.

El juego no puede ser más simple: debemos ir construyendo un rascacielos, piso a piso. Éstos pueden ser de dos tipos: residenciales o comerciales. En los primeros ubicaremos a la gente que trabajará en los segundos, siendo más caro y tardando más tiempo cada vez que construimos uno.
Ah, dinero. El vil metal. Todo en el juego, gira en realidad alrededor del dinero. No, no es el edificio y sus habitantes, los bitizens¹; todo es dinero y la mecánica del juego se basa en conseguirlo.

Hasta aquí nada raro: un Tycoon más, o eso parece. ¿Verdad?
Sólo en la superficie.

13 Rue del Hippie Asambleario

Cualquier juego de gestión se basa en la construcción de una infraestructura que acomodamos al gusto de nuestros clientes: si está bien construida, vendrán más y se dejarán más dinero. Si es al contrario, nos arruinaremos.

En Tiny Tower no podemos decidir nada más allá de la clase de locales y de si éstos producen o no y en lo que a ellos concierne, toda decisión se limita al tipo de productos que producimos de una serie de tres: el que se produce más rápido es el que menos beneficio produce y el que más tarda nos reportará más dinero. Y lo normal es producir los tres a la vez.

Pero venderlos tampoco aporta interés, porque se hace de forma automática y sin que tengamos que hacer nada. Sólo dar la orden de producir más cuando se agoten.

Un minigolf en el piso de arriba son los nuevos gitanos rumanos

Y todo, amigos, en tiempo real. Cada media hora comprobando el móvil para abastecer al restaurante, o comprobar el Facebook de los bitizens². Si nos despistamos una tarde entera, ¡perderemos cantidades de dinero!

Jamás olvidaré cuando un amigo, hace años, se empeñó en tener un Tamagochi por aquello de “conocer la experiencia” y como aquello estuvo a punto de costarle un par de ostias por ponerse a limpiar las cacas al bicharraco en medio de las partidas de cartas.
Pero es que en eso nos convierte Tiny Tower: en adolescentes con mascota virtual, por si no teníamos bastante con Twitter, Facebook, Gmail, Foursquare y, en menos casos, la vida real.

Eso es todo: esa es la mecánica de Tiny Tower, no hay más. Ah, que sí la hay: la competición con los amigos por medirse las… torres.

Bueno, supongo que eso es en iOS y su Gamecenter, porque en Android nos comemos un mojón y nos vemos obligados a crearos una cuenta en la red social Mobage, que viene a ser otra de esas redes como Openfeint y derivadas a las que nadie hace caso.

El primer problema de Mobage es que si no tenemos conexión, no podemos arrancar el juego. No sé vosotros, pero no poder jugar a un juego de móvil en sitios como el metro, hace que pierda todo su sentido. Espero que vuestro retrete tenga buena cobertura.³

Subir a alguien 30 pisos en ascensor: Sacarino Simulator

El segundo problema es que al obligarnos a pasar por Mobage, tenemos que añadir a mano a nuestros amigos: ¿alguien más está pensando en los códigos amigo de Nintendo?
Pero bueno, en el fondo no es culpa de Mobage, si no de Android por no implementar una especie de Gamecenter⁴, máxime cuando cada vez van apareciendo más juegos.

Adicionalmente a todo lo dicho, al menos en mi caso, me afecta un bug bastante molesto: en ocasiones el juego no mide el tiempo correctamente y se me ha dado el caso de abrir el juego por la mañana y, tres horas más tarde, al abrirlo de nuevo (sin haber apagado ni reiniciado el móvil) todo está en el mismo punto.

O el más gracioso y confirmado por varias personas: añades a un amigo y ¡ZASCA! tu torre se cambia por la suya, echando por tierra todo el trabajo y atención vertidas en este juego.

Este sí es un buen juego con pisos y ascensores

Y finalizando, también están presentes la opción de acelerar las cosas, tanto construcción como fabricación y venta de productos, mediante micropagos, a través de unos billetes llamados Bucks. Éstos se nos otorgan cuando hacemos cosas tan importantes como subir a alguien en el ascensor⁵ o construir un piso nuevo. Cada Buck nos acelera las cosas en una hora, y si bien al inicio se nota su efecto, en cuanto pasamos del piso diez empezamos a necesitarlos en cantidades industriales; cantidades que sólo podemos adquirir pagando.
No adquirimos nuevos objetos o habilidades: simplemente compramos tiempo.
Triste en un juego cuyo único interés es competir con amigos.

Resumiendo, Tiny Tower ha arrasado en iOS y no puedo evitar notar que la poca diversión que aporta el título es por su factor social. Y eso, en Android, no funciona, sin más, porque el juego es una combinación de factores y si uno de ellos falla, todo se viene abajo.

Que es, exactamente, lo que pasa con este Tiny Tower de Android.

Valoración:

Ni con un palo

1. espero que alguien haya muerto por ese nombre
2. en serio, muerte al menos
3. En el momento de escribir ésto se habla de un parche para poder jugar offline
4. ¿no dicen los maqueros que les copiamos? Pues arreando, coño
5. una forma de matar el rato mientras no-jugamos