Diez, veinte, veinticinco años antes, habían muchas más franquicias, muchos más productos y muchos más inventos relacionados con el ocio electrónico. Hoy toca hablar de una maravilla japonesa de 8 bits. Hoy toca hablar de la PC Engine.

Japón. 1987. Hudson Software, los responsables de sagas como Bomberman o los Mario Party, tienen una idea para una consola. La han diseñado, la han pensado y lo tienen todo listo, solo necesitan una cosa: Pasta.

Entonces aparece NEC. ¿Se acuerdan de ella? Otra empresa japonesa (Actualmente filial de Sony) relacionada también con la tecnología. Estos señores querían entrar en el creciente mundillo de los videojuegos y ven en Hudson su puerta de entrada.

De este cóctel nipón surge un engendro de 8 bits de nombre cambiante: La llamada PC-Engine en Japón y TurboGrafx fuera de él.

Seguro que su nombre os sonaba. Seguro que habíais oído hablar de ella. Fue incluso contemporánea de la NES, ¿sabíais incluso que vendió más unidades que ella en Japón? ¿Cómo es eso posible? ¿Qué tenía por dentro ese bicho?

Así era el diseño de la TurboGrafx. En las instrucciones prometían que, si jugabas mucho y te taladrabas el cráneo, podías llegar a poner la cara del chaval de la caja (También aseguraban daños cerebrales prácticamente irreversibles).

Bien, hay que reconocer que la consola estaba muy bien pensada. Era pequeña, muy pequeña, con un interior diseñado y optimizado hasta la saciedad (Un diseño 3-chips: Procesador, Video Encoder y Video Display).

Presentaba un procesador de 8 bits, como la NES (Una modificación propia por Hudson del WDC 65C02, un bicho que, entre otras, usó la Atari Lynx y algunos Apple II). Funcionaba a 1.79 (Similar también a la NES), aunque vía software se le podía enchufar un overclock hasta 7.16 MHz.

La parte divertida, no obstante, era su GPU, que era de 16 bits: Un chip de Video Encoder y uno de Video Display, ambos de 16 bits y ambos también modificados por Hudson. Esto la convertía en una plataforma técnicamente muy avanzada, superando incluso a la todopoderosa NES a nivel gráfico.

El resto del bicho era bastante común: Nada destacable en cuanto a chips de sonido, mandos ni cosas así (Solo tenía salida RF, eso era malo). Sus cartuchos eran una especie de tarjetas llamadas HuCards, también de tamaño super-reducido (Reminiscencias de las BeeCards, un sistema parecido que Hudson desarrolló para MSX).

Varias HuCards. La de Bomberman molaba más porque si la girabas te daba dos manás en lugar de uno, y eso los jugadores avanzados lo sabían aprovechar bien.

Destaca también por ser la primera que incorporó un soporte externo para CD’s. ¡Nada de Mega CD’s! El cacharro era casi el doble de grande que la consola, se acoplaba a ella por un puerto especial y permitía jugar a los pocos juegos que salieron en ese formato. Era caro, eso si, aunque no había bloqueo de región y los usuarios americanos podían usar los juegos japoneses sin miedo (En cambio, las tarjetas eran diferentes de un modelo a otro y había que usar adaptadores, ¡ahí si que había bloqueo de región!)

Y ya habiéndonos puesto en antecedentes técnicos, la pregunta obligada: ¿Cómo es que triunfó tanto en Japón pero tan poco fuera?

El CD es el armatoste acoplable de la izquierda. Es ilegal en varios países porque convierte la consola en un arma arrojadiza de tipo J, prohibidas por la convención de Ginebra desde el 87.

Bien, antes que nada aclarar que la consola, en esencia, era la misma. Cambiaba el nombre, el diseño y alguna pieza interna para adaptarla a voltajes, tipos de pantalla y demás, pero la base era idéntica.

La PC-Engine salió en Japón, como ya hemos dicho, en 1987. En 1989 en USA y Canadá y, a partir de ahí, la cosa se desmadró, y es que no hubieron lanzamientos oficiales para Europa.

En UK salió una edición limitada de consolas yankis tuneadas, pero el grueso del pastel se lo llevaron Francia y Benelux, que se dedicaron a importar consolas japonesas a tutiplén (Que eran más fáciles de convertir a PAL/SECAM) y trampearlas alegremente de varias maneras para adaptarlas aquí.

Pero distribución oficial, lo que se dice oficial, no hubo. Por eso deducimos que en Europa la cosa no cuajó mucho.

¿Qué pasó en Estados Unidos? Pues una mezcla de todo:

1.- Mal marketing por parte de la consola.

2.- Mucha exclusividad de las third-parties para Nintendo (La mayoría de cosas eran hechas por NEC y Hudson).

3.- Al final el CD acabó por imponerse en Japón, pero los títulos que llegaban a los USA eran pocos, amén de que el dispositivo era caro y difícil de encontrar.

Una bonita mezcla que hizo que la consola fuese ampliamente superada por la NES y compañía.

Salió una consolilla portátil relacionada, aunque tampoco fue excesivamente popular. La llamada "TurboExpress" creemos que fracasó porque en la caja no salía el Tipo Sonriente(tm) de la segunda foto.

Y mientras en los USA se comía los mocos, en Japón, que salió bastante antes, triunfaba como el colacao. Más juegos, más CD’s, más compañías orientadas únicamente al mercado japonés… Les fue tan bien la cosa que entre el 87 y el 93 sacaron más de 10 versiones distintas del producto (Lo habitual: Unas mejores, otras con periféricos incorporados, versiones más pequeñas… Todas permitiendo compatibilidad de joysticks y demás periféricos). Hubo incluso, en el 90, una versión portátil llamada TurboExpress, que pasó sin apenas ruido.

Y les fue muy bien, si, hasta que llegó la Super NES. A partir de ahí empezó un declive que la llevó por el camino de la extinción. En vano fueron los intentos de añadir más potencia o promocionarla más, la consola estaba acabada (¡Aunque fueron saliendo juegos hasta 1999!).

Después de eso NEC se centró únicamente en el mercado japonés (Sacó la PC-FX y después abandonó este campo), y Hudson siguió desarrollando lo suyo.

La PC-Engine nos dejó ports arcade interesantes, un Castlevania (Rondo of Blood, la precuela del Symphony of the Night) y algunos títulos propios.

A día de hoy se pueden ver algunos de sus títulos en la Consola Virtual de la Wii, y las consolas que aún sobreviven lo hacen como joyas coleccionistas en eBay o en vitrinas privadas. Rumores infundados hablan de tarjetas fantasma que se aparecen en las curvas para asustar a los conductores de arcades de condución. Pero eso, es otra historia…

Aniquilación de monstruos infernales en su estado más puro.

¿Y para qué este cambio de franja horaria? Pues para hablar de un sistema de videojuegos propio que intenta sobrevivir como puede en uno de los países con más piratería del mundo: El iQue.

¡Yujuuu! Nos vamos a China! ¡Dejen su Democracia al cruzar el firewall, por favor!

Sin entrar mucho en la política y el status quo de China, vamos a juntar dos factores a tener en cuenta:

Uno: el hermetismo del que, poco a poco, su sociedad va saliendo (Esta apertura económica a nivel mundial).

Y dos: sus altos niveles de piratería. No solo a nivel de videojuegos, ojo, sino de falsificaciones, copias y demás productos derivados que, debido a la gran desigualdad económica aún existente en el país, han arraigado profundamente en los sectores con menos dinero pero con esa misma ansia consumista.

¿Esto qué nos da? Pues que sacar una consola (O en su defecto, un producto tecnológico similar) en China puede ser todo un suicidio: Hay un mercado negro de consolas flasheadas apabullante, e intenta venir tú a vender tu producto legal a un precio mucho mayor¹.

¿Qué ha ocurrido entonces en esta situación de mercado? Pues una de las soluciones planteadas es la llamada iQue, y no tiene nada que ver con Apple. De hecho, es una empresa híbrida creada por Nintendo y el científico chino Wei Yen. iQue es, en cierta manera, empresa oficial de Nintendo versionada para un público muy concreto como el de China.

El imperio iQue es poderoso, ¡y monta chiringuitos!

iQue fue fundada en el 2002, y su primer producto salió en 2003: Era una Nintendo 64.

Sí, sí, la primera versión iQue es una Nintendo 64 altamente remozada para la ocasión.

Repetimos que la idea era sacar un producto barato y asequible que pudiese competir con sus altos niveles de piratería, y ese iQue Player (Que es como se llama) fue su primer intento.

El aparato es una Nintendo 64 metida dentro de un mando (De un tamaño similar al de una Dreamcast, un poco más grande, quizás). Ya en 2003 la tecnología había avanzado lo suficiente como para encapsular una consola de 1996 en un chip. De hecho es técnicamente superior en algunos aspectos, como la velocidad del reloj.

Es como el hijo bastardo de un mando de XBox y uno de Dreamcast

Este mando se enchufa directamente a la tele, y presenta una ranura para introducir una tarjeta flash con los juegos precargados (Juegos propios de N64 adaptados a este iQue Player). ¿Cómo? Pues en lo que suponemos que es un intento para evitar la piratería, los juegos se descargan en las tarjetas en unos terminales de venta llamados iQue Depot.

Todo esta infraestructura, por cierto, no ha salido de China. A veces se puede leer sobre intentos de traerlo a Japón u otros amagos, pero parece que ha quedado recluido únicamente a la República Popular. Si queréis haceros con alguno de estos trastos  ya no solo tendréis que tirar de eBays o similares, sino también ingeniároslas para obtener sus juegos, ya que recordemos que van con este formato digital a tarjetas.

Terminal iQue Depot. Además de juegos, permite recargar armadura y munición

Actualmente, iQue se encarga de comercializar las portátiles de Nintendo en China (La Wii fue anunciada en el 2007 para y la saca la propia Nintendo): iQue 3DS, iQue DS e iQue GBA (En todas sus variedades).

Eso sí, esta vez si: Una portátil iQue es como una portátil de aquí. Por razones de marketing, comercialización y acuerdos varios es iQue quien la distribuye y le pone ese nombre. Pero ahora ya no hay mandos raros ni consolas encapsuladas en chips. Es solo una forma de Nintendo de delegar esto en una empresa que, en cierto modo, es nacional y sabe cómo hacer ese trabajo.

iQue DS Lite en su caja original. Apoyada por el Partido. Construida en cárceles por miembros Opositores (O no)

Y este tipo de iniciativas yo las aplaudo: El mercado en China está jodido por culpa de la cultura de la piratería general en la que viven². Pero en lugar de sentarse, llorar o esperar que alguien lo arregle, llegaron a un acuerdo con gente de allí y pensaron ¿Cómo podemos entrar aquí? ¿Cómo podemos intentar ganar cuota de mercado?. Y se pusieron manos a la obra.

No tengo cifras de ventas, pero a juzgar por el tiempo que llevan con iQue y sus múltiples iteraciones de consolas, muy mal, lo que se dice muy mal, no les va. A ver qué les depara el futuro…

¿Adivináis quien NO puede jugar con una iQue?

1. Spoiler: Se reirán en tu cara
2. Motivado seguro por otras causas político-culturales infinitamente más complejas

¿A quién le gusta el rol? ¿Quién no es fan de las katanas, los rituales satánicos y las ofrendas de vírgenes?

Hoy vamos a hablar de magia, de hechizos, de mazmorras y de tesoros ocultos. Pero no lo haremos en el presente, sino en el pasado. Y es que en la década de los 80 se crearon unos reinos de fantasía, acción y aventura. Héroes explorando territorios ignotos y peleando contra criaturas infernales. Y todo eso… en ASCII, en un puto terminal Unix.

Sangre para el dios de la Sangre. Cráneos para el trono de Cráneos. Retroinformática para el freak ochentero.

Fuaaa neeen! Sataaaan! Como molaaaa! Katanaaas! Waaaooo!

¡Los Roguelikes! ¿Qué son y qué entendemos como tal? Pues para conocer el concepto primero vamos a retroceder unos veinte años: Allá por 1980, Michael Toy, Glenn Wichman y Ken Arnold, unos señores que gustaban de la programación desarrollaron, para el Unix de la Universidad de California, en Santa Cruz, un videojuego de corte rolero. Era para los terminales de la época, y en él encarnabas a un matamonstruos que hacía lo propio: matar monstruos.

El código fue, posteriormente, pasado a los sistemas de la universidad de Berkely. Y más tarde (1984) tuvo versiones para IBM PC y Macintosh.

Ese juego, ese looteador de mazmorras, se llamaba Rogue. Y fue el que marcó el inicio de una época, el que sirvió como punto de partida para un montón de juegos que eran como Rogue. Es decir, Roguelikes.

Rogue: El juego donde tu eres esa carita sonriente y todo lo demás PODRÍA MATARTE

¿Y cómo es un Roguelike? Bien, el planteamiento del Rogue original es el siguiente: Somos un valiente aventurero que ha de ir descendiendo nivel tras nivel de una dungeon, con el objetivo de matar al malo final, coger el trofeo (El Amuleto de Yendor) y volver a la superficie.

Simple, fácil y para toda la familia. ¿Y qué mecanica sigue? Pues una con vista superior donde nuestro monigote es un carácter ASCII, el mapa otros tantos caracteres y los enemigos más de lo mismo. Mediante el teclado movemos al personaje, hacemos que ataque a los bichos y tomamos las pociones de rigor. Nada más. La complejidad reside en dónde movernos, qué objetos coger y cómo cuidar al aventurero para no morir.

Visto esto, ahora podríamos extrapolar una especie de características generales para todos los Roguelikes:

• Son juegos de puro hack n’ slash: Todo es por la experiencia, por los items para llegar más lejos en la mazmorra. La mayoría tienen un objetivo al que nadie llega.
• Aleatoriedad: El mapeado de las mazmorras se genera de forma distinta cada vez que juegas.
• Interacción: Según el nivel de complejidad del juego, pueden haber mascotas, dioses a los que hacer ofrendas y pedir favores, trampas…
• Montones de bichos: Para matar o que te maten. Just that.
• Un único protagonista.
• Muerte permanente: No se puede salvar. Si mueres, estás jodido.

Ah, ¡la muerte! Otro de los símbolos de la casa de los Roguelikes, junto con su generación procedural de escenarios. La idea principal es que si mueres, la partida acaba. Nada de savepoints, nada de recuperar estados anteriores, ¡y es que aquí solo los más bragados podrán derrotar al Mago de Yendor!

Nethack es una de las primeras variantes de Rogue y, hoy día, aún sigue evolucionando y mejorando

El juego original no va más allá en cuanto a concepto. Innovador y viciante para la época. Tuvo múltiples conversiones, críticas e incluso propició toda una creación de programas que jugaban automáticamente al título. Rogue creó una escuela, junto con otros como Beneath Apple Manor (1978, para microcomputadores y mucho más limitado). Incluso títulos posteriores, como el Diablo, tienen elementos que perfectamente podrían ser inspirados en estas joyas de terminal.

Pero aún siendo tan viejuno hoy día la comunidad sigue activa. Siguen habiendo ports para terminales, nuevos títulos y adaptaciones con gráficos. Hay desde servidores on-line hasta modos distintos de juego. Pero todo con ese regusto a lo de antaño, siempre.

Probadlo, si queréis. A no ser que seáis muy puristas de este tipo de juegos, no os va a enganchar de por vida, pero algunas versiones más modernas son ideales para partidillas de unos diez minutos para matar el tiempo. Recomiendo encarecidamente Desktop Dungeons (DR difiere, ya que ni siquiera lo considera un roguelike): Con unplanteamiento roguelike clásico y una capa gráfica bastante bien trabajada, encarnaremos a un héroe de raza y tipo concretos que se lanzará a la acción en varios modos de juego. No será, ni mucho menos, un GOTY o similares, pero para mantener el cerebro ocupado mientras se descarga algo cumple. Y de sobras.

DR es un fundamentalista en lo que a lo añejo se refiere: ni caso

Así que, como sabemos que os lanzareis a probar un roguelike nada más leer este artículo (claro, claro), hay un par de consejos que os vendrán bien.

Lo primero es elegir bien el roguelike, que aunque parezca una tontería, es lo más importante que haréis. Huid, inicialmente, de los que son en ASCII, pues suelen ser los más complejos, e id a los que usan gráficos, también llamados tiles. Esos roguelikes son a los que uno acaba jugando, pero salvo casos de mucha paciencia y perseverancia, pueden echar atrás a cualquiera.

Pero no os preocupeis, que aquí estamos para recomendaros unos cuantos, para ir abriendo boca.

Powder: Uno de los mejores para novatos. Lo tenéis para Windows, Mac, Linux, e incluso para Nintendo DS. Gráficos de tipo 8 bits y control muy sencillo. Es una apuesta segura.

Dungeon Crawl Stone Soup: un paso por delante de Powder en complejidad y cien en diversión. Es uno de los mejores roguelikes actuales, con versiones Windows y Linux. Incluso tiene un online que recuerda a Demon’s Souls, en el que vemos a los fantasmas de otros jugadores.

No hacen falta gráficos a 1080P para saber que estás jodido

100 Rogues: La clara recomendación en iOS, sin duda. Es un vicio absoluto. El control está muy bien llevado a la pantalla táctil, algo que no se puede decir de cosas como la versión de Powder.

Epic Dungeon: Disponible en XBox Live , este juego indie que cuesta 80 miserables puntos no es un nethack puro, pero sí que tiene su esencia y resulta bastante divertido u recomendable.

DoomRL: Una rareza única y uno de los más grandes. Y es eso, el Doom, en roguelike. ASCII puro, con la música del juego y el sonido de fondo. Está todo: las armas, los enemigos, los barriles que explotan, las llaves de colores. Es puro amor.

Una vez elegido el juego, es muy importante, también, el asumir que son juegos de superación: no llegareis al nivel 10 de un dungeon en la primera partida, y muy posiblemente ni en la decimoquinta. Hablamos de un tipo de diversión basada en el avanzar un poco más cada vez, llegando algo más lejos. Moriréis un número casi infinito de veces: es lo normal. Y aprovechad para picaros con los amigos. No hay nada como medirse las metafóricas… espadas.

Rogue, Rogue, Rogue... ¡Era inevitable! <3 <3

Y esto es, en definitiva, el mundillo de los Roguelikes. Puede parecer sencillo a priori, pero detrás de esto se esconde una bonita historia ochentera de gente que programaba sus propios juegos y que, aún a día de hoy, son recordados y reprogramados para las nuevas generaciones.

Dadles una oportunidad, aunque sea en versiones más modernas. Probablemente no os arrepentiréis.

¡Hablemos del homebrew! Comentar estas cosas siempre nos lleva a pensar en modchips, consolas flasheadas y juegos de dudosa procedencia. Pero esperen, porque, ¡realmente existe el homebrew! ¡Realmente existe gente que se dedica a programar cosas para un sistema y realmente existen aplicaciones y utilidades que no tienen nada que ver con la llamada piratería!

Y aún hay más, ¡porque hasta existen consolas creadas a tal efecto! Consolas pensadas para que cualquiera pueda toquetear con ellas, experimentar y desarrollar lo que la imaginación y su SDK les permitan hacer!

Relacionado con el tema, pues, hoy toca hablar de la GP32 y sus derivados.

Esto es una GP32, así, tal cual, no hay gag aquí.

Atentos porque hoy la clase de historia tiene miga. Nos trasladamos a Corea del Sur, un lugar con una política de cara a la importación cuanto menos curiosa.

Es el año 1996 y hace sol. Pero no hay videoconsolas.

Y es que resulta que desde el final de la Segunda Guerra Mundial en Corea del Sur se estableció una ley conforme no se podían importar productos electrónicos de Japón (Dicha ley se revocó en 2002). Y esto, entre otras cosas, afectaba a los videojuegos.

El mercado subsistía a base de clónicos de Saturns y Nintendos 64, pero no era lo mismo. Los surcoreanos no necesitaban clones, sino videojuegos de verdad, y fue entonces cuando el gobierno decidió sacar a concurso la posibilidad de diseñar la primera consola íntegramente surcoreana.

¿Saben quién ganó?

¡Buscar "South Korea Giant Robot" tiene sus sorpresas!

Efectivamente, gracias al dinero del gobierno se creó Game Park, la compañía de referencia de esta semana. Ese primer proyecto de consola surcoreana era la llamada GP32, que al principio fue planteada como producto patrio y no como amante ideal del joven linuxero comunista.

Tardaron cerca de cinco años en tener una versión preliminar que presentaron en el Tokio Game Show… y que les sirvió para meterse un hostión del quince, ya que no gustó nada su diseño. Eso les hizo arreglar unas cuantas cosas y upgradearlo como una Game Boy Advance más potente.

Esta Game Boy Advance más potente fue lanzada en 2001 únicamente en Corea del Sur y con una batería de juegos fruto de una mente idiota: Ports de PlayStation.

Que uno va y dice, ¿Ports de Play? No está tan mal…. No, no lo está, pero si tienes en cuenta que los programadores surcoreanos no habían visto una Playstation en su vida por culpa de las leyes de importación japonesas… tienes a un montón de picateclas intentando entender cómo funciona un sistema a contrarreloj.

Total, que según hemos visto, solo acabó saliendo un juego, una aventura conversacional japonesa llamada Princess Maker 2, with a vengeance.

FE DE ERRATAS: Según me comenta nuestro amigo Nae, la mayoría de los primeros juegos fueron coreanos (Amén de algún port de PSX, si, pero la mayoría eran de PC). ¡Molestias las perdonen por la confusión!

Así terminó para Game Park y para la GP32, esa primera consola, el año 2001. ¿Qué le depararía el 2002?

Princes Maker 2 (Lo del "with a vengeance" es licencia del abajo firmante). Parece una mezcla de simulador de princesas con un Tamagochi...

2002 fue el año en el que se abrió al mundo. En pocas palabras, mucho ruido y pocas nueces. Pactos con Infogrames, Atari… Ports y versiones de juegos, la consola lanzada en Estados Unidos por parte de los de Atari, un montón de accesorios… ¡Incluso hubo un concurso para desarrollar el mejor juego open source para la consola! ¡Pero todo esto, no sirvió para nada!

Los pocos juegos que salieron no eran muy relevantes. De las promesas que hizo Game Park, no todas llegaron a cumplirse. Con el levantamiento de la prohibición de importar electrónica de Japón y la GBA pisando fuerte, la GP32 estaba condenada a extinguirse…

¡Pero no! Porque en contra de todo pronóstico pasó de ser una consola orientada a juegos a una orientada a la comunidad de desarrolladores de software libre. Por sus especificaciones y su configuración, el cacharro era mas personalizable que el buga de un tunero, y eso gustaba mucho. Gustó tanto que incluso salieron un par de versiones un poco más overpowered: con luz trasera y mejores pantallas.

Apuesta segura: Mame. Mola y se encuentra en todas partes. Hasta en una vitrocerámica

Ahora, si esto funcionase según las reglas habituales de la Caja, tocaría diseccionar un poco el cacharro por dentro.

No obstante no lo haremos.

Por internet tenéis mogollón de información sobre eso, y aquí y ahora, para lo que vamos a tratar nosotros, no es relevante.

Y es que la gracia no era solo el hardware, sino la filosofía de Game Park: Aunque con ciertas limitaciones, los usuarios podían bajarse un kit de desarrollo para programar y desarrollar sus propias aplicaciones y juegos. Y ahí fue donde triunfaron como el colacao.

Al menos hasta 2007, donde la compañía acabó en bancarrota y quebró.

Wow.

Efectivamente, parece que la jugada no les salió bien, y el homebrew no mantenía una consola que apenas se vió en Estados Unidos y Europa (Curiosamente España es uno de los pocos países que la ha visto bastante).

Pero entonces, ¿de dónde sale tanta versión nueva? ¿Quién hizo la GP2X? ¿Y la GP2X Wiz? La respuesta se llama Game Park Holdings. Que suenan parecido pero no son los mismos.

Yo tengo una GP2X. Creo. Es decir, creo que sigue en ese cajón donde la dejé hace tiempo...

Debido a discrepancias internas, y en vista además del futuro de Game Park, un grupo de empleados decidió fundar su propia institución. Con casinos, y furcias. Game Park Holdings nació ya directamente con la idea de crear una consola para el software libre. Y es que admitámoslo, que la GP32 triunfase en las comunidades de programadores les fue bien, pero no era su idea inicial, y eso se notó.

En cambio, la GP2X, la primera máquina de GPH, fue creada específicamente para ese target, con todo lo que eso implicaba: Máxima conectividad, SDK’s gratuitos, nada de bloqueos o restricciones a la hora de programar…

La comunidad que creció alrededor fue bastante importante: En España, algunas tiendas como Hardcore Gamer fueron auténticas puntas de lanza para su desarrollo. Y webs com GP32spain o GP2xspain fueron (¡y siguen siendo!) algunas de las mejores páginas nacionales dedicadas a estas máquinas.

Actualmente Game Park Holdings sigue lanzando sus máquinas con esa misma filosofía (La GP2X Wiz en 2009 y la Caanoo en 2010): Desde correr un emulador hasta ver Divx, todo eso basado en Linux. Esta gente sabe que no podrán competir con grandes titantes como la DS o la PSP, pero tampoco lo intentan. Atrás quedan los fallidos experimentos de la GP original; GPH ha encontrado un hueco y se ha posicionado en él: El hueco del gadget para el freak, el hueco del gadget que no solo juega, sino que también programa, experimenta, hackea.

El hueco del freak. Del nerd. Del geek.

Bien, pincelada rápida para aquellos que vengan de más allá de la puerta de Tannhäuser y no sepan qué es el Kinect. Si eres uno de estos afortunados, ¡cuidado! ¡Podrías aprender algo!

Kinect es el último periférico de Microsoft para su consola, XBox 360. Es, en esencia, una cámara que detecta tu posición y tu movimiento y que usa estos datos para interactuar con la propia consola. A mi me gusta llamarlo “EyeToy Overpowered”, aunque veremos que una cosa no tiene nada que ver con la otra.

Aquí si que no voy a dar clase de historia, porque no hay historia propiamente dicha. Coja el interesado sus blogs favoritos de noticias del videojuego y proceda a ojearlos para enterarse un poco más del tema. La parte que nos ocupa, la sustancia, el cuerpo, está en el mecanismo, en lo de dentro, en la tecnología, ¡en las enumeraciones de sinónimos!

http://www.ifixit.com para más info sobre Kinects desmontados!

El Kinect, en si, no es una cámara. Al menos no solo una cámara. Tiene ciertas funcionalidades que le permiten no solo “ver” una imagen, sino detectar profundidad, siluetas y movimientos humanos.

Vamos a compararlo con un EyeToy para verlo más claro.

El EyeToy, esa cámara para la PS2, era una webcam. Grababa lo que veía, lo reproducía en pantalla y el software de la consola detectaba el movimiento simplemente viendo qué píxeles “se movían” más y cómo evolucionaba la imagen. Un fondo estático y una persona dando tumbos era exactamente lo mismo que enfocar una calle con tráfico: Píxeles y zonas moviéndose a gran velocidad: Ergo hay movimiento.

Esto era rudimentario pero funcionaba, solo se necesitaba una cámara y un software que procesase esas imágenes.

Pero si ahora queremos añadirle los susodichos avances de detección de esqueletos, ¿cómo nos lo montamos? ¿qué hemos de añadir? La respuesta tiene nombre molón y es invisible al ojo humano: Infrarrojos.

¿Sabías que hay drivers para usar tu EyeToy como webcam?

Nuestro amigo mexicano favorito no solo tiene una cámara, sino que también tiene un emisor de infrarrojos. Cuando el Kinect está encendido, este emisor dispara continuamente un montón de puntitos infrarrojos en forma de arco, a una distancia determinada (La famosa distancia mínima que ha causado tanta polémica).

Estos infrarrojos (no visibles por el ojo humano) rebotan en la superficie que encuentran y vuelven a la cámara, y ésta si puede detectarlos. ¿Dónde está la gracia? Que en función de la distancia a la que se encuentre el objeto con el que choque uno de esos puntos infrarrojos, la onda que devuelve será de una forma o de otra (Telecos, perdónenme).

Así pues, en función de cómo es esa onda, podemos inferir que esa parte de la realidad está a una distancia u otra, y cuantos más puntitos tengamos, más precisión habrá a la hora de recrear figuras y sofás varios.

Hasta aquí está la parte de hardware. Incorpora también unos micrófonos para la recepción de voz y un pequeño motor para rotar ligeramente el ángulo de cámara, pero como pueden ver, no tiene mucho más misterio. No hay tecnología revolucionaria estrictamente hablando, todo esto era viable hace mucho tiempo a nivel técnico. Tal vez no a nivel económico, pero físicamente, si.

Distancia mínima para el Kinect

Bien, ahora que nuestro Kinect ha captado y distinguido nuestra figura de nuestro sofá, llega el momento de identificar “el esqueleto”. ¿Cómo sabe mi consola que esa mancha fea y desgarbada es en realidad un apuesto y también desgarbado tío? Es ahí donde entran en juego todos los softwares de reconocimiento de imagen y de patrones. Busca, analiza y compara. Incluye además una base de datos con mogollón de posiciones predefinidas para afinar más, así que a no ser que tengas graves mutaciones y/o mutilaciones, pasar de una imagen a un esqueleto es algo relativamente trivial que solo requiere potencia bruta de cálculo.

Dato curioso: Podrían reconocerse tantas personas como siluetas de personas hubiesen, el cuello de botella no está en el hardware, sino en la capacidad de procesamiento para hacerlo suficientemente rápido. Actualmente ese límite está en dos jugadores a la vez

Una vez tiene el esqueleto, lo mueve, lo gira o lo pone donde le plazca. Hace mover un objeto o le clava ese cortapizzas a Milo, lo que sea. Para los comandos verbales usa hasta cuatro micros para aislar distintos sonidos y distinguir entre las conversaciones ambiente y las que van dirigidas a su persona. O a su carcasa.

Este es el esqueleto que reconoce el Kinect

Y ya está. No tiene mucho más misterio. Fíjense como lo más novedoso a veces es lo más sencillo de entender. ¿Recuerdan las pantallas de cristal líquido? Oh, yo lo encontré más divertido, la verdad.

Pero en fin, ahora pueden salir y contarlo a sus amigos, o al menos darle un buen uso a esas gafas de visión nocturna que tienen criando polvo en el trastero. ¡Y todo gracias al Kinect!

Hoy vamos a hablar de uno de los sistemas más utilizados para simularla. En concreto, para simular su existencia a un nivel físico. Estamos hablando de colisiones, gravedad, movimientos… Y para ello contaremos con el invitado de esta semana: El motor Havok.

Seguramente muchos habéis oído hablar de Havok. “Este juego usa el motor Havok”, “las físicas son de Havok” o cosas así, pero, ¿qué significa exactamente eso? ¿Quiere decir que el señor Havok ha hecho el juego? ¿Es el Havok una especie de Lego gigante con el que diseñar?

Bien, vayamos por partes. Primero, un esbozo de la compañía, para situar. Luego ya entraremos en qué es o deja de ser este motor.

El motor Havok forma parte de la compañía homónima, Havok Inc. Fue fundada en 1998 por los señores Hugh Reynolds y Dr. Steven Collins, en Dublin. Este último señor está en la School of Computer Science and Statistics [SCSS], del Trinity College Dublin [TCD], Ireland, concretamente en un grupo encargado de imágenes, visualizaciones y demás cosicas gráficas para ordenadores.

El caso es que estos dos tipos se lanzaron a crear esta compañía con su software. Y la cosa les ha ido tan bien que sus simuladores físicos no solo se han usado en más de cien títulos, sino que también han aparecido en películas como Matrix, Harry Potter y la Orden del Fénix, el remake de la de Poseidón o la nueva de Charlie y la Fábrica de Chocolate.

Comentamos también que en 2007 fue vendida a Intel por un pastón, y de momento se ha posicionado como uno de los engines más usados para desarrollar cualquier tipo de videojuego.

Y ahora si, ¿engine? ¿Motor? ¿Físicas? ¿Qué es todo esto?

Técnicamente él es el señor Havok...

Bien, para entender esto vamos a ponernos en el papel de un señor que quiera hacer un juego, llamado, no se, Orphan’s Rage: Ultimate Killing Weapon. Hablamos de un juego mínimamente complejo, así que igual ya no es un señor, sino una compañía más o menos grande. Tiene a sus empleados: Sus programadores, sus grafistas, sus diseñadores, sus compositores de música… Y se ponen a trabajar.

El juego que está desarrollando esta gente es violento. Muy violento. Hay sangre y miembros amputados por doquier. La historia es, en el fondo, un pretexto para que el protagonista utilice su Magnum de bisturís para acribillar orfanato tras orfanato.

Todo esto, obviamente, ha sido creado por los diseñadores del juego y sus respectivos alijos de drogas. Es entonces cuando los programadores se ponen a trabajar.

El juego tendrá una serie de elementos, una serie de objetos y todo estará en un mundo que los currantes crearán a tal efecto. Esto ya no solo implica diseñar las misiones, los niveles o la variedad de munición para la pistola de bisturís, sino que también hay que crear todo un mundo tridimensional. ¡Hay que diseñar una realidad! Que palo, ¿no?

El orfanato del juego no será así. De hecho el juego ni existe. Es como un homenaje a Sucker Punch, nada más

Efectivamente, empezar a trabajar desde “tan abajo”, creando un motor 3D para mostrar los hígados de los pobres huérfanos del juego igual es un poco coñazo. ¿Qué pueden hacer? Usar un motor y un entorno ya existentes para moldearlos a su modo.

¿Qué significa esto? Una buena analogía sería mirar los ordenadores del estudio de los programadores: Esta gente ha encargado al departamento de IT unos equipos con unos sistemas operativos concretos y unas prestaciones en red determinadas, para así hacer mejor su trabajo. “Pero, esta gente sabe de informática, ¿por qué no lo hacen ellos en lugar de contratar trabajadores?”.

Pues porque del mismo modo que aunque seas físicamente capaz de cortar un árbol y sacar lápices de él, puedes obtener resultados mucho más eficientes si los compras baratitos en la tienda de la esquina.

En todos estos casos lo importante no es hacer un motor concreto, o programarte tu sistema operativo, o tallar el mejor lápiz del mundo. Lo que te importa es tener un buen motor sobre el que trabajar,  un buen ordenador sobre el que picar código o un buen lápiz para hacer con él cosas nunca vistas.

Entonces, el equipo de programadores del Orphan’s Rage ya ha ido a la tienda a por la suite Havok. Ya tiene ahora una caja con herramientas ya construidas sobre las que edificar su juego hiperviolento. Abren la bolsa de la compra y, ¿qué tienen?

Todas esas clases de geometría y matemáticas espaciales que tanto odiabas les sirven a esa gente para crear entornos que luego tú destruyes con armamento pesado (O eso, o hacen teteras Utah sin parar)

Bien, Havok no es un único programa. No es una aplicación para exportar gráficos o tripas saliendo volando. Havok, que en sus últimas versiones corre por entero en la GPU, es una suite con varias utilidades, todas ellas distintas y todas ellas orientadas al motor físico.

Cada producto de la Havok Family es un conjunto de recursos y SDK’s varios que se integran con el código del programador para ahorrarle el trabajo de escribir todas las cosas que comentábamos antes del Motor de Realidad. En el fondo, Havok sería como una gran biblioteca de código cerrado con soluciones físicas ya hechas listas para implementar en un juego (En realidad no es solo eso, consta también de todo el enorme aparato logístico y de documentación que lo acompaña, que conste).

Y la susodicha Havok Family cuenta con la presencia de varios integrantes: Havok AI, Havok Animation, Havok Behavior, Havok Cloth, Havok Destruction, Havok Physics y Havok Script.

El nombre es ya bastante orientativo, y aquí solo vamos a hacer un pequeño inciso en un par, quedando como ejercicio para el lector valiente el empaparse de las funcionalidades más concretas de cada especialidad.

El Havok Physics es una de las piedras angulares de la compañía. Se encarga de calcular colisiones en tiempo real. Simula la física, la gravedad… En la propia página de la compañía hay videos e imágenes de cosas moviéndose y chocando entre sí. Importantísimo porque se integra con los demás módulos (Que concretan cosas como la animación de ropajes -El Cloth-, la IA aplicada a terrenos -El AI-…) y porque es donde está realmente la miga de todo esto.

Si alguna vez has querido enamorarte de una compañía y no sabías como hacerlo biológicamente posible, seguro que tu nivel de endorfinas se dispara cuando te diga que Havok tiene su propio motor de destrucción, el Havok Destruction. Pensado, ideado y desarrollado únicamente para simular destrucciones de objetos y cuerpos, Havok Destruction se integra con el Physics para poder destruir fácilmente lo que has ideado con  ese otro motor.

BUM! Aunque el Havok Destruction lo haría con más partículas

En resumen, Havok es, como decíamos, un fabricante de ladrillos: Hace bloques bien hechos y superguays pero que necesitan que un constructor les de un bueno uso. Y ahora por ahora, visto su éxito en múltiples campos, parece que el negocio les va viento en popa. Veremos si algún día pueden  recrear por completo toda la realidad (Pregunta trampa, en realidad no podrían)…

Si, cierto, cosas como el HDMI vendrán a sustituirlo, y con mejores prestaciones y mejor calidad. Y eso siempre está bien. Y, qué coño, se va solo el puerto, no olvidamos la tecnología en si. Pero antes que llegue ese 2015 parémonos un momento y reflexionemos: ¿Qué es el VGA? ¿De dónde viene? ¿Qué hace?

A un extremo, un VGA, al otro, un cable de corriente. Esto es un VGAkiller, señoras y señores

La cronología de adaptadores y estándares de pantalla hasta llegar al VGA no es muy extensa.

El primero de nuestra lista data de 1956, y es la salida de vídeo compuesta: Típica de las teles, de los primeros computadores domésticos, de las primeras consolas. Era un formato analógico que soportaba PAL, NTSC o SECAM.

En el 79 se dio el salto al S-Video (Separate Video), un pequeño conector redondo de cuatro pines que también tenía unos usos similares al anterior, aunque con mejor calidad (Principalmente enviaba señales de brillo y color por canales separados, la cual cosa daba mayor efectividad y molaridad a la hora de mostrar las imágenes). Ambos seguro que podéis verlos todavía hoy rondando por vuestras casas, en algún cacharro más o menos viejo.

El amarillo es vídeo compuesto (Los otros dos son canales de audio). El negro de la derecha es S-Video. Más a la derecha aún (No se ve en el encuadre) un yeti

Y ya desde ahí pegamos un pequeño salto hasta 1987. Hasta la fecha, lo que teníamos eran un puñado de conectores y estándares propios de cada compañía de ordenadores, todo conectores digitales: CGA, MDA, HGC… o incluso el Amiga Video (Propio del Amiga). Todos eran de máquinas anteriores a las 386 de IBM (1985).

Y es que fue precisamente en esa gama de procesadores cuando se introdujo el VGA. Un conector analógico para transmitir imagen que, sin comerlo ni beberlo llegó a dominar el cotarro convirtiéndose en un estándar respetado por todos. Pasando, eso si, por varias mutaciones y cambios.

Típica targeta que soporta VGA. Se dice, se rumorea, que son siete veces más fuertes que tú

VGA significa Video Graphics Array, Vector de Gráficos de Video, vamos. Es un sistema de representación de imágenes en una pantalla, y tiene la particularidad de que debido a su sencillez y molonidad del momento (Lo redujeron a un chip y cosas de esas de hardware), acabó siendo una especie de estándar imitado por todos los fabricantes.

Es tal su popularidad que, aún hoy día, el sistema VGA (Que no los puertos, ojo, no confundamos) es la opción gráfica mas baja que se carga por defecto en la mayoría de ordenadores. ¿Sabéis la pantalla esa de “Cargando Windows” que aparece cuando se enciende un ordenador? ¿Esa que está en baja resolución y pocos colores? Bien, eso ocurre porque mientras se va cargando el sistema, el único método gráfico que dispone por el momento es un rudimentario VGA.

Pero, ¿se aguantó tanto tiempo con esto? ¿Tal cual? Pues no señor, porque el VGA como tal evolucionó, fue clonado, modificado y redistribuido alegremente por multitud de gente. Pero siempre usando el mismo conector. ¡Esta es la historia del S-VGA!

Uno busca "SVGA Rocket Propelled Grenade" y se encuentra con esto. Textual

Aunque se hicieron algunos amagos de forma contemporánea al propio VGA, no fue hasta 1989 que podemos hablar del Super VGA con propiedad. En ese año, la VESA (Que suena a nombre de diosa griega pero significa “Video Electronics Standards Association”), que defiende los estándares, definió el concepto tal y como se conoce.

¿Y cómo se conoce? Básicamente el S-VGA es una ampliación tecnológica del VGA de acuerdo con una serie de especificaciones concretas. La principal diferencia es que no es algo propio de IBM y no fueron pocas las variaciones hechas por varias compañías que, eso si, mantenían los criterios fijados por la sacrosanta VESA. Con esta apertura a los estándares se llegaron a los 800×600 con 16 colores y se pasó a los 1024×768 a 8 bits. Mas rápido, más grande, más brillante, más molón.

Curiosidad: Al ser todo analógico, tanto VGA como S-VGA, los colores dependían del voltaje enchufado al monitor, con lo que 1.- teóricamente no había límite de colores posibles y 2.- por eso a veces se ven diferentes los colores de un monitor a la realidad.

Precaución: Ni VGA ni S-VGA son compatibles con disparos

¡Hablemos ahora del conector! Esta es la parte mas conocida, al menos físicamente. ¿Quién no ha tocado un VGA alguna vez? Conector de quince pines distribuidos en 3 líneas. Ese es el más habitual, se llama DE-15. Existe, no obstante, una versión de “Alta densidad” que lo condensa todo en dos líneas. Y antes del DDC2 existió un DE-9, también de dos hileras y menos pines. Como ejercicio de arqueología os digo que este lo encontraréis en placas base viejunas.

Aquí ya no hay mucho más misterio, aunque si que es cierto que a veces uno puede pensar “Coño, es una imagen, ¿Por qué TANTOS pines?” Bien, vamos a ver algunas de estas clavijas y veremos que todo tiene una razón de ser:

Pines

Pin-up

1,2,3 6,7,8 para colores

4, 11 no conectados

5 tierra para sinc. Horizontal

10 tierra para sinc. Vertical

9 voltaje de entrada, +5 voltios

13 sinc. Horizontal

14 sinc. Vertical

12 datos para el I2C

15 reloj para el I2C

Así que entre una cosa y otra, menos dos, se usan todos (Lo de apuntar a lo alto y dejar cosas sin usar por si acaso no es nuevo, aunque visto lo visto parece que hoy día mucha utilidad no tendrán los pines 4 y 11…).

Y hasta aquí hemos llegado. Hemos visto cuando surgieron, una muy pequeña pincelada de su interior y cómo se convirtieron en estándar. Hemos hecho memoria para rendir un homenaje a un formato que muy pronto perderá sus conectores. Todo en favor del HD, de la evolución, ¡de las nuevas tecnologías!

(Por cierto, lo del VGAkiller del principio del post es real y puede encontrarse aquí).

Ball fue el primero, ¡luego vinieron más!

Datamos su origen en los ochenta. Literalmente. Fue en 1980 cuando al señor Gunpei Yokoi, grande entre los grandes, se le ocurrió todo este tinglado. La leyenda dice que andaba el hombre jugueteando en un tren con una calculadora cuando pensó algo como “¿Vaya, y si se programase algo para hacer mover estas siluetas negras que aparecen en los dígitos?”.

Y el resto, como suele decirse, es historia. No ahondaremos más y dejaremos el tema para un Lo Que Nunca, donde el amigo Funso seguro que nos relata una buena historia sobre Yokoi.

Pasa la susodicha historia y las Game & Watch se convierten en una realidad. Ya con los primeros modelos en circulación, el comprador medio podía encontrarse con varios tipos de maquinitas. Ya no solo por la variedad de juegos (Consistentes la mayoría en evitar objetos o atrapar cosas a una velocidad cada vez mayor) sino también por la complejidad técnica, que fue creciendo a cada iteración de los dispositivos.

Y es que si Ball, la primera máquina, era de la serie silver y tenía dos botones para ir manteniendo en constante movimiento las bolas de un malabarista; Donkey Kong, de la serie Multi Screen, presentaba un pseudo-plataformas donde tenías que esquivar barriles y moverte entre dos pantallas.

Pero eso si, insistimos, la base era siempre la misma: Con apenas dos o tres botones teníamos que hacer mover unas siluetas negras por una pantalla estática para acumular puntos. ¿Cómo iba eso? Bien, ¡pues vamos a meternos hoy de cabeza al apasionante mundo de los microcontroladores y las pantallas de cristal líquido para entenderlo!

La DS no inventó nada

La mejor analogía que podríamos hacer, ya no solo a nivel visual, sino también a nivel interno, es con una calculadora: Una calculadora es un dispositivo con un circuito dentro que espera una serie de entradas (Mediante teclas). Realiza una serie de operaciones internas con esas entradas (Operar números). Y devuelve un resultado que envía a un dispositivo de salida (Habitualmente una pantalla).

Sustitúyase el operar números por mover figura, sumar puntos, mirar si ha habido alguna colisión y cosas así, y tendrá una Game & Watch. Añadid también un reloj, que es lo que servía para controlar el timming entre eventos y movimientos, y el cacharro ya está hecho.

(Obviamente a nivel de especificaciones técnicas eso tenía placas propias distintas a una calculadora, si, pero insistimos en que esto es una pincelada de “culturilla general”, no una master class sobre circuitos empotrados en Game & Watch…).

Bien, ya tenemos el hardware, con su pequeño speaker, sus dos modos de juego y su pegatina molona de Helmet (Ese es mi favorito). Punto número uno superado. Punto número dos, y tal vez el más interesante: ¡La pantalla!

Una Game&Watch era como eso. En serio. Con figuras graciosas, pero era eso

Ahora, olvidad todo lo aprendido sobre monitores tradicionales. Si vuestra primera portátil fue una Game Boy, olvidad su pantalla. Deshaceros de la idea que dicta que se pinta punto a punto una matriz con píxeles luminosos. Imaginad, por un momento, que esa tecnología es inviable para incrustarla en un dispositivo portátil. Pensad, solo un instante, en cómo representaríais movimiento de sprites o cosas en pantalla si no pudieseis tener una pantalla de esas características.

Aunque a priori esto pueda parecer difícil, descorazonador o simplemente peligroso, la papeleta se salva bastante bien con el llamado Cristal Líquido.

La idea de las Game & Watch era representar todos los estados posibles de los objetos que salían en el juego como sprites fijos en una posición de la pantalla. Dicha pantalla, de hecho, era una lámina de plástico transparente. Mediante el mismo método que usan las calculadoras, se fijaban unos dibujos en esas zonas determinadas y, ¡tachán! Todo estaba a la vez en la consola. Cada salto, cada enemigo, cada colisión. Pero apagado, como los números del calculador de bolsillo.

El quid de la cuestión es, por supuesto, cómo funciona el LCD para, sea una calculadora o una Game & Watch, “encender” o “apagar” estas imágenes. El principio, que comentaremos brevemente para no provocar explosiones neuronales, y sobre el que se sustentan no solo las calculadoras, sino también los modernos monitores LCD, es el siguiente:

1. Tenemos dos capas de electrodos. Son dos láminas finas y transparentes por las cuales pasa una corriente eléctrica. En medio de este sándwich es donde colocamos nuestro material: Una lámina de un cristal líquido. Es un tipo de material que reacciona de determinadas maneras en función de la diferencia de potencial que le apliquemos. Su origen es de bastante antes que estas pantallitas, que simplemente aprovecharon esta propiedad.
2. Vale, ahora atentos porque viene el meollo gordo, y para eso será necesario que recordéis las nociones de polarización que se comentaron aquí en el especial de las 3D y la Estereoscopía que hicimos con el amigo Volcano: Entre los dos electrodos se colocan dos capas, también transparentes, de filtros polarizadores (Esto es: dejan pasar la luz en un solo “sentido”): Un polarizador vertical y otro horizontal.
3. El juego, entonces, lo dan las moléculas del cristal líquido: Si no reciben ningún estímulo, la luz pasa a través del primer polarizador, se “gira” debido al estado natural de esas moléculas y pasa a través del segundo polarizador. Eso hace que el cristal sea “transparente” y que la imagen esté “apagada” (Cómo es exactamente el estado de esas moléculas que giran y cómo lo hace la luz para pasar son temas avanzados que no trataremos aquí, miren la página correspondiente de la Wikipedia, que lo explica muy bien y tiene una imagen muy aclaradora, o consulten a su físico más cercano).
4. Pero entonces, ay, entonces! Entonces aplicamos corriente por los electrodos, ¿qué ocurre? Pues que debido a la descarga, las moléculas que están en contacto con los electrodos alteran esa estructura que permitía el “giro”. Al ser ahora el LCD distinto, la luz es incapaz de torcerse y pasar a través de los dos polarizadores, por lo que el segundo la bloqueará (Ya que recordemos que estaba en un sentido distinto al primero) y veremos, en su lugar, un pegote negro.
5. Si ahora se recortan los electrodos con forma de personas, objetos o de palitos que forman dígitos, aplicando corriente sobre esas zonas se pueden oscurecer y hacer aparecer un sinfín de posibilidades en ese rectángulo gris mate.

¡Y ya está! ¡Ya tenemos la pantallaca de nuestra calculadora o de nuestra versión de Zelda portable!

Desde un punto de vista social está aceptado tener orgasmos mirando estas cosas sin que se atribuya ninguna "fília peligrosa" por ello

Este es el vistazo rápido de una de las tecnologías más singulares y destacables que usaban. Pero aún hay más. Y no solo desde un punto de vista técnico. La historia de estas maquinitas y el impacto que tuvieron en las vidas de mucha gente harán que estos toscos aparatos de soniditos repetitivos vuelvan. Aquí mismo. En este programa. Algún día. En un futuro no muy lejano…

Mentira.

Han sido muchos los amagos de aportar cosas nuevas a esta experiencia, sea de un modo guay, como el Power Glove (Eh, no me peguéis) o de un modo más cutre, véase el Activator.

Pero una de las cosas tal vez más interesantes a nivel técnico, es la Virtual Boy. La roja, la estereoscópica, la epiléptica, la carta de despido de Gunpei Yokoi.

Visor modelo LaForge

Este es otro de los casos en los que ciertas historias se solapan con la sección de “Lo que nunca…” del amigo Funso. En un ejercicio de referenciación de punteros os animo a escuchar, a los que no lo hayan hecho aún, el especial sobre Gunpei Yokoi, donde se trata a fondo la vida de este hombre y se hace una pequeña parada dedicada a este aparato.

El punto concreto alrededor de la Virtual se centra en un Yokoi erigido como Tipo Guay en Nintendo. Él era el diseñador de las Game & Watch, el creador de la Game Boy; ¡era una maldita fábrica de hacer dinero! Y eso en Nintendo Japón lo sabían, y como no eran tontos, le dieron a este hombre todas las facilidades para que desarrollase, con total libertad, lo que quisiese. “Si lo hace el Yokoi, yo digo Okey” podría haber sido una de las frases favoritas de Yamauchi.

Era la primera década de los noventa, en pleno boom de la Super Nintendo. La gran N vendía como churros, asumiendo que los churros fuesen cosas sintéticas, eléctricas y que se vendiesen a un nivel casi pornográfico. Pero Mister Yokoi, de natural inquieto y previsor, ya tenía la cabeza puesta en el siguiente paso de la compañía. Y es que por muy bien que te vaya con un sistema, a la larga la gente se aburrirá de él. Hay que estar innovando continuamente.

Esa innovación que movía al Señor Game Boy se tradujo en una nueva experiencia de juego: La gente se puede llegar a cansar de la pantalla clásica en 2D, ¿qué ocurriría si les aportamos 3D reales?

Pues con esa premisa, en julio de 1995, salía en Japón la Virtual Boy. Las gafas de la discordia. El vendedor de gotas oculares.

Creo que no exagero si digo que la mayoría de los de por aquí le debemos gran parte de nuestra infancia a este señor, Gunpei Yokoi

Pero, ¿qué es la Virtual Boy? ¿Es una sobremesa? ¿Es una portátil? ¿Se conecta a la pantalla? ¿Qué títulos salieron? Dudas, dudas…

Pues… Es algo raro de explicar. Primero vayamos con la forma, luego con el contenido.

Imaginaos un trípode. De esos para poner la cámara, pero pequeño, de los que normalmente se usan para poner encima de una mesa y hacer fotos de grupo. Bien, ahora colocad una caja de zapatos en el trípode. Haced un par de agujeros para poner los ojos como si fuesen unas gafas de buceo y, ¡voilá!

ESO era la Virtual Boy. Detrás habían los agujericos para los ojos que actuaban a modo de pantalla

Se suponía que era portátil, porque podía funcionar a pilas (6 AA’s o un adaptador de corriente) pero era tan grande, pesada y frágil que mas que eso era “portable”.

Su corazón era un NEC V810 (P/N uPD70732), un pequeño procesador RISC de 32 bits que además también utilizaba la PC-FX (De la misma compañía NEC). Para situarnos y poder comparar, comentar que la PSX tenía también un RISC de 32 bits, aunque eso si, mucho más rápido y con unos cuantos añadidos de cara a la renderización de gráficos y descompresión de juegos. Así que no, no era exactamente el mismo nivel técnico, ¡ni mucho menos!

Gozaba de 128k’s de RAM para video, 128 de DRAM y 64 de WRAM. Ya solo la PSX tenía 512 para el sonido, así que imagínense el resto. La SNES tenía mucho mas parecido con sus 128.

Canal estereofónico de 16 bits. ¡Fuaaaah neeen!

Tenía un mando del montón. Dos crucetas made in Nintendo, botón A, botón B, Start, Select y un par de gatillos. Internamente he leído que usaba el mismo protocolo de control de la NES.

Hasta aquí todo normal, ¿no? Mandos, memoria, circuitería… Vayamos ahora a lo raro, a lo extraño, a lo que marea. ¡Pasemos a la pantalla!

En serio, esto es una captura de pantalla de la Virtual Boy. No se trata de ningún juego tradicional Predator

Como hemos dicho, la consola incorporaba su propia pantalla. Y de hecho, era tan guay, que incorporaba más bien dos. Dos proyectores, uno para cada ojo, que se encargaban de hacer el 3D.

¿Recordáis aquél día que hablamos de imágenes en 3D? ¿Recordáis que las 3D se basan en la sensación de profundidad que percibimos al ver imágenes ligeramente distintas con cada ojo? Bien, pues las gafas-de-buzo de la Virtual Boy también sabían esto. Y para cada ojo se enviaba una imagen diferente que proporcionaba esa sensación de volumen.

El sistema usaba unos pequeños diodos luminiscentes que enviaban los puntos de luz de tal forma que el jugador viese una imagen grande en ese espacio tan reducido. Y el color, eso si, era siempre rojo. Era exactamente lo mismo que la Game Boy con su paleta verde: Los chicos de Yokoi habían experimentado con varios colores, incluso con mezclas de ellos para hacerlo más similar a la realidad, y era posible desde un nivel técnico, aunque tenían ciertos problemas como visión doble o el siempre presente precio.

Y es que eso también era exactamente igual que con la Game Boy: Caro. Muy caro. Y prefirieron dejarlo en monocromo, ya que el efecto 3D estaba igualmente conseguido y eso era lo que querían.

Está apunto de entrar en una dimensión alternativa. Una dimensión alejada del tiempo, el espacio o la pizza cuatro quesos. Entre y contemple... ¡EL INFIERNO ROJO!

Entonces, ¿Eso es todo? Pues si. La idea básica era ponerse unas gafas que te bombardeaban con leds rojos para creer que jugabas con profundidad. Ahora igual lo vemos muy tonto, incluso estúpido; pero en su momento fue algo revolucionario.

Revolucionario y que se pegó un castañazo como muchos otros sistemas de por aquí… y eso que era de Gunpei Yokoi, ¡un hombre que sabía lo que hacía!

Y si, sabría mucho, pero había varios factores que jugaban en contra de la Virtual, y eso pesaba bastante.

• Para empezar, el precio: 179,95 dólares y 15000 yenes de 1995. Daba igual que hubiesen ahorrado en cosas como los colores, seguía siendo horriblemente cara.
• También se suponía que iba a ser portátil, pero como decíamos, eso era un engorro de transporte, así que quedaba relegada a casa. Y claro, por mucha experiencia 3D que quisieses, clavarse unas gafas en los ojos para ver una pantalla roja no era el mejor exponente de profundiad que uno querría por 180 dólares…
• ¡Por no hablar de los mareos! El  aparato llevaba un pequeño disclaimer para que los menores de 7 años no lo usasen, y si a eso le sumas que cada 20 minutos era aconsejable parar para descansar la vista… La paranoia ocular está servida. Cuanta diversión, ¿no?

Hay que reconocer que, por muchos avances visuales que tuviese –aprovechados luego o no-, estos fallos eran insalvables. Y es que fue tan grave la situación, que no se tardó ni un año en cesar la producción de Virtual Boys…

Hábleme de su madre... Y de esas convulsiones que ha tenido por mirar fijamente esa pantalla durante tres meses...

Así pues, esta consola deberá ser recordada más como “prueba de concepto” sobre gráficos que como consola exitosa. Pocos juegos, periféricos no desarrollados, multiplayers no implementados… Y un Gunpei Yokoi jodido porque la había cagado.

Aún así, creo que es un aparato para recordar. Porque tuvo huevos. Fue un aparato que vio un objetivo a batir y decidió intentarlo. Aunque se lo llevasen por delante sus múltiples carencias y puntos oscuros.

No lo logró, pero lo intentó. Y eso, al menos, es digno de un renglón en el libro de los elegidos para la gloria eterna consolera.

Sea lo que sea lo que eso signifique.

Por supuesto, también hablaremos de Symbian.

Cuando digo que me gusta meterle mano a los teléfonos y llevarlos por encima de sus posibilidades me refiero a esto

Empezaremos primero hablando de Android, el SO para móviles de Google. Basado en Linux y con una profunda filosofía de código abierto, software libre y demás cosillas comunistas.

La historia empieza con Google, si, pero no con el buscador como desarrollador inicial, sino como comprador. Antes existía en Palo Alto, California, la Android Inc., una compañía que empezó a desarrollar un SO para celulares basado en Linux.

Fue en Julio del 2005 cuando Google, conocedora de la situación, decide asimilar la empresa y seguir con esa idea del software libre aplicado a teléfonos. El gran buscador, junto a la Open Handset Alliance (Un conjunto de compañías dedicadas a desarrollar estándares para dispositivos móviles), se dedicarán entonces a andar ese camino hasta llegar a la primera versión del SO del robotejo verde.

Como el Sol cuando amanece, él es libre.

Fue en Septiembre del 2008 cuando la versión 1.0 fue anunciada. Antes de eso se destapó una rumorología sobre Google en el mercado de la telefonía, probablemente os acordéis. Junto a eso le han ido acompañando todo el tinglado de los Nexus One y varias patentes al respecto.

A la 1.0 le han seguido una 1.1, una 1.5 (Cupcake, con nombres de postres), 1.6 (Donut), 2.0 (Eclair), 2.2 (Froyo), 2.3 (Gingerbread), y finalmente la 3.0 (Honeycomb, aún no lanzada).

Oficinas principales de Android en España

Las diferencias, como os podéis imaginar, pasan por mejorar bugs, añadir funcionalidades y adaptarse al hardware cambiante de cada momento. Si queréis mirar las especificaciones concretas buscad por ahí, que aquí no haremos hincapié en cosas como que la Froyo se basa en el kernel 2.6.32 y la Gingerbread en el 2.6.35.7.

Lo que si que vamos a comentar, un poco por encima son varias de las características más peculiares y curiosas sobre el tema. Los que tengan una profunda y visceral repulsión a la informática, por favor que se peguen un tiro. Los demás, ¡sigan leyendo!

Android, como sistema, soporta mogollón de cosas: Conectividad wifi, bluetooth, redes GSM, UMTS y muchas más siglas.

Tiene soporte para SMS y MMS, y desde la 2.2 hay la posibilidad de hacer Push de notificaciones (Esto es, que el servidor en la nube de Android te avisa cuando hay una actualización en X datos).

Su navegador está basado en WebKit, que es un motor de renderizado de webs de código abierto (creado a partir del KHTML de Konqueror y usado por Safari, Chrome, Epiphany…); y tiene añadidos propios de Google Chrome, como el motorcete de Javascript.

Soporta un montonazo de hardware propio de teléfonos: Desde cámaras hasta comportamiento de pantallas multitáctil (Hay teorías que hablan de un hipotético control de Cañones de Iones Suborbitales).

Es multitarea de forma nativa.

Dato curioso: No soporta videollamadas. A no ser que el firmware tuneao del fabricante del móvil lo permita, el Android per se no lo tiene implementado.

Y finalmente, una de sus guindas es el soporte para Java. En el mundo estándar del desarrollo de aplicaciones se usa Java para escribirlas. Un hijo de vecino normal pensaría “Ya está, el Android tiene una máquina virtual Java que ejecuta mi código”. Pues no. Android soporta Java, si, pero lo hace con algo llamado Máquina Virtual Dalvik.

Quien no haya asociado "Dalvik" con "Nombre de yogur con fibra" tiene un CLARO PROBLEMA

La idea es que el código de la aplicación no funciona sobre una JM normal, sino que trabaja sobre Dalvik. Dalvik sería, saltándonos MUCHOS tecnicismos, el equivalente de la máquina Java para Android. Pensada para aprovechar sus pocos recursos en comparación con un PC grandote, fue desarrollada por Google y se llama así por un fiordo de Islandia, el Eyjafjörður. ¡Toma ya palabreja!

En este pueblecito está el fiordo y también hacen yogures

Bien, ya tengo mi Android en mi busón, grasias de hantebraso. ¿Qué puedo haser ahora, hoygan?

La gran ventaja frente a sus competidores es que Android es totalmente libre. Es decir, el sistema en si, ojo que no nos confundamos: por temas de licencia (Es una Apache 2.0), hay posibilidades de que parte del código modificado por la empresa que fabrica el teléfono (drivers para controladores, interacción con el propio hardware, etc. etc.) sea cerrado. Pero aparte de estas exclusividades de la licencia, que están en manos de otros fabricantes, el código que publica el señor Android está íntegro en sus repositorios.

¿Qué me aporta el hecho que sea software libre? Muchas cosas. Probablemente un linuxero recalcitrante te diría más de las que creo yo, pero la idea es que eso permite que muchas compañías metan mano al Sistema Operativo base y lo modifiquen, lo redistribuyan e incluso a veces permitan que esos mismos cambios también sean abiertos (Hay incluso particulares que hacen eso mismo). Eso le da una vida y un movimiento que ríete tú de un pastillero en Chasis.

Esa misma filosofía que se aplica al SO se traslada también a la comunidad de desarrolladores: La única cuota es en el caso de que queramos colgar la aplicación en su Android Market (Un único pago de 25$ de por vida, y sino siempre podemos distribuirlo por otros canales). Si a uno le pica el gusanillo puede leer una de las tropocientas guías de programación para Android que hay por la red (Recordemos que al ser todo de filosofía Open Source es facilísimo encontrar info), instalar una suite de programación con cosas como Eclipse y empezar a desarrollar la enésima tontería que correrá sin problemas en el emulador del terminal.

Una vez haces una plegaria al Dios-Máquina la verdad es que no acojona TANTO

Y esto es, a grandes rasgos, Android. Un sistema polivalente que rivaliza con el otro grande, el iOS, con su mayor virtud como bandera: La flexibilidad. Flexibilidad de un código abierto en el sistema y flexibilidad de cara a la comunidad, a quien le da todas las facilidades para que cualquier hijo de vecino programe el nuevo Angry Birds y triunfe como el ColaCao.

Hablemos ahora de iOS.

Para el iOS íbamos a poner un hígado humano, pero para no herir sensibilidades en su lugar ponemos una lata de paté de avestruz

¿Qué es el iOS? Una buena definición sería “El Sistema Operativo de Apple ideado para smartphones y tablets”.

Mientras Google compraba la compañía Android y hacia sus pinitos con la creación de un SO, Apple adaptaba su Mac OS X (Ideado para ordenadores grandotes) a un formato mas pequeño y manejable. iOS, al igual que su hermano mayor, es un sistema operativo basado en Unix con un montón de código propio de Apple por ahí metido.

Y ahora, maticemos: Técnicamente no es un Unix “puro”, sino que bebe de la herencia de Darwin BSD, que es el sistema base que se encuentra en el propio Mac OS X. Es de código abierto (Licencia Apple Open Source) y está basado en FreeBSD (Que este a su vez si que está basado en Unix, ya que aunque no lo es, tiene todas sus compatibilidades propias). Fue desarrollado por la compañía Next, que igual no suene mucho a la gente, pero como dato interesante diremos que fue fundada por el propio Steve Jobs cuando su compañía lo echó amablemente allá por el 85 . El propio Jobs, aún fuera de su empresa, ¡asentaría las bases de lo que hoy es su el SO insignia!

Recuerda hermano, se tolerante

Bien, no vamos a comentar punto por punto sus características para el usuario, que supongo que son de sobras conocidas: Interfaz tremendamente agradable, funcionalidades bien pensadas, una multitarea que no se activó hasta hace relativamente poco… La idea principal de Apple se basa en implementar lo que yo llamo “Interfaz para idiotas”: Sin ánimo de menospreciar a nadie (En cuyo caso yo sería el primero, ya que me quito el sombrero ante muchas de sus ocurrencias de cara a la interacción con el usuario) la compañía de la manzana encuentra navegabilidades y modos de uso pensados para minimizar los quebraderos de cabeza para con la máquina. “Lo quiero usar para hacer X cosa, y esa X cosa se hace de un modo intuitivo de la hostia”. Y punto (Que luego llueva mierda cuando intentes hacer Y y no X es otro tema y será objetivo de mi furia asesina algún otro día. Tal vez. O no).

Pero no solo de esas interfaces que rezuman perfume de rosas vive el iOS. Si hay algo que ha hecho triunfar, ya no solo al propio sistema, sino a la familia iPhone/iPod, es su mercado de aplicaciones. Que es un éxito es algo que también es de sobras conocido por todos, y aquí tampoco entraremos en más detalles. Pero pongámonos ahora en la piel del programador: Quiero hacer una aplicación y no se por dónde empezar. En Android hemos visto que es fácil y totalmente gratuito, ¿Qué pasa con Apple? ¿Cómo puedo desarrollar una aplicación para el iPhone o el iPod Touch?

Bien, el SDK, el conjunto de utilidades para programar, es gratuito. Uno puede descargarlo igual que el SDK de Android. Gratis, rápido, fácil y para toda la familia (Incluye un módulo para tricotar a ganchillo y parsear clases). Desde ahí puedo programar (No en Java, como el caso anterior, sino en Object C, un lenguaje que popularizó Next) y correr mi programa en su emulador.

La parte divertida es que solo funciona en la última versión de su SO

Pero el punto divergente está en si quiero ejecutar mi aplicación en un iPhone. Vale, tanto el Market de Android como el de Apple exigen un pago para colgar las aplicaciones en los markets (esos 25$ que comentábamos en un único pago por parte de Android y los 99 por parte de Apple de manera ANUAL, ¡ojito!), pero si yo quiero instalarme la mía en mi teléfono, o distribuirla por otros medios, o hacer cualquier cosa que no implique iTunes, también he de pagar.

Mientras que con Android no.

Ah, y no puedo liberar mi aplicación con una GPL si la cuelgo en la tienda, porque claro, las claves de firmado son privadas y no puedo distribuirlas con el código fuente.

¡Soy invencible! ¡Pero dame los códigos de firmado, Natalya!

En este aspecto es mucho más cerrado que la filosofía open source de Android. Aunque reconocemos que, dada su popularidad, iTunes lo está partiendo mucho más que el Market. Podría extenderme sobre todo esto pero, en lugar de soltar un monólogo ético sobre uno u otro sistema, vamos a animar el cotarro proponiendo un debate e intercambio de opiniones en los comentarios sobre Android e iOS.

Yo personalmente utilizo Android porque soy un freak al que le gusta tocar, experimentar y programar con toda esta tecnología, aunque reconozco que tampoco soy el público objetivo de iPhone (Gente que quiere que las cosas funcionen y que no quiere ni necesita manipular cosas “entre bastidores”); cosa que no significa que, para mí, iOS sea peor, claro, sino simplemente distinto a mis necesidades.

Y vosotros, ¿qué preferís?

Hablar del Hombre Que Anda nos lleva a 1979, a Japón, a Sony, concretamente. La creadora de la Playstation fue quien patentó esta marca y desarrolló el cacharro de marras.

Se dice que un buen día al señor Masura Ibuka, uno de los fundadores de Sony, le entró un mono brutal de poder escuchar su música favorita mientras hacía footing. Y dado que las opciones de la época pasaban por radios pequeñicas o loros enormes en el hombro, este señor tuvo la brillante idea de coger un magnetofón y desmontarlo.
De la sangría de piezas que hizo decidió que podía usar los componentes que reproducían la cinta y acoplarlos a unos pequeños auriculares. Dicho y hecho, junto con Akio Morita, otro de los señores Sony, sentaron las bases de un pequeño dispositivo que iba a revolucionar el mundo.

El overclocking de walkmans se hace así. En serio. Me lo dijo mi tío Kenji

Claro que aunque fuese a incios de los ochenta, esto no estaba exento de las clásicas riñas de patentes que vemos hoy día, que va… Y es que mientras los nipos enredaban con la electrónica miniaturizada, en 1972 un hombre medio alemán-medio brasileño llamado Andreas Pavel quería añadir “una banda sonora a su vida”. Puede sonar raro, pero este hombre, siete años antes, había desarrollado un producto que él llamaba Stereobelt, que como su nombre puede sugerir, era un reproductor para llevar en el cinturón.

Así que el tipo, tan feliz, se lanzó a patentar su trasto, pero no fue hasta 1977 donde pudo completar su gestión. Y en Italia. Y para cuando pudo extender esa patente a lugares como Japón, la propia Sony ya había empezado a comercializar sus dispositivos.

Eso, como podréis imaginar, no le hizo mucha gracia al señor Pavel, y sirvió como detonante para una serie de procesos judiciales sobre pagos por uso de patentes que, tras mogollón de litigios, acabó finalmente en 2004. El resultado, un pacto al margen de los juicios, fue un pago de una cantidad pornográfica de dinero al hombre del Cinturón de Poder.

Hay que reconocer que parece una mezcla entre cinturón de castidad y juguete de tortura de Saw

Y modelo a modelo, año tras año, Sony fue evolucionando sus dispositivos. Nuevas prestaciones, nuevos formatos, discmans, emepetreses… La evolución siguió hasta que en octubre del presente año se anunció el cese de producción de estos aparatos.
Ooooh… ¿Tristes? Bueno, pensad que en ciertos sitios de China seguirán teniendo licencias para fabricarlos, así que si alguien tiene morriña siempre puede pedirse alguno de ahí…

Los asesinos a sueldo low-cost usan esto en lugar de cuerdas de piano

Bien, hecha la pequeña pincelada histórica, centrémonos en su principio básico: Los casettes. ¿Qué eran? ¿Cómo funcionaban?

Para situarnos, vamos a coger el TPS-L2, el primer modelo de walkman, y le enchufaremos nuestro casette de Pimpinela. ¿Por qué al darle al Play se oye a unas personas discutir con música de fondo?

Un casette es una cinta magnética. Es un largo hilo de un material resistente forrado con una substancia ferromagnética. Esto es, relativamente bastante sensible a los campos magnéticos.
Inicialmente –Y no hablamos de casettes, sino de las cintas viejunas- tenían un recubrimiento de óxido ferroso, eran las tipo I.
Posteriormente, y después de investigaciones varias, se sacó el tipo IV, preparado para casettes y con el nombre de CINTA DE METAL PURO –No porque grabase uno de los mejores géneros musicales del mundo, sino porque tenía partículas de hierro puro en el papel ferromagnético-.

Metal en Estado Puro. Y no admito discusión

El plastiquete con la tira oscura ya lo tenemos, pero, ¿qué ocurre cuando grabamos en un magnetofón? ¡Aún no hemos contestado la pregunta de Pimpinela!

La palabra clave es Electromagnetismo. La otra palabra clave es Electroimán.

Mediante las leyes de la física que rigen el bonito y divertido mundo del susodicho electromagnetismo, supongamos un electroimán. Si aplicamos una determinada corriente, el imán funcionará de un determinado modo. Todo eso variando los parámetros de la corriente que le apliquemos, claro.

Entonces, ahora cogemos un micrófono, que convierte la voz en una diferencia de potencial variable en el tiempo y enchufamos esa salida al electroimán. ¿Qué tenemos? Un imán que se va magnetizando de acuerdo a los parámetros del micro.

¡Pero aún hay más! ¿Y si mientras todo eso ocurre vamos desplazando una banda ferromagnética por el electroimán, de tal manera que a cada instante de tiempo una parte de ese plástico METALERO se magnetice según la voz que llega por el cable que a su vez pasa al imán?

Pues que estamos grabando, ¡señores! ¡Estamos imprimendo un sonido a una banda magnética!

I've got youuuu... Under my skiiin...

De ahí podemos inferir que el proceso para escuchar lo grabado circula a la inversa: Mediante los campos magnéticos generados en la cinta, se induce un corriente que varía según esos propios campos, que a su vez son tan variables como el sonido que hay grabado en ellos. Y una serie de amplificadores y circuitos posteriores se encarga de hacernos llegar a Pimpinela a nuestro tímpano favorito.

Estos campos, por cierto, son tan divertidos como frágiles y puñeteros: Si acercamos un imán nos cepillamos todo el campo magnético, provocando el borrado de esa zona de la cinta y eliminando todo el sonido.

El principio es ese, el del magnetismo, y con eso no solo funcionaban los casettes tanto de walkmans como de Commodores, Spectrums y MSX’s. También había las largas bobinas que se usaban en laboratorios de cálculo (Y que aún hoy día se usan de un modo similar para según que copias de seguridad…), o los magnetofones grandotes. Esto tuvo una tirada muy bestia hasta la entrada del sonido digital, y aún así hoy día sigue dando bastante guerra.

Siete de estos tienen la misma potencia sónica que un caza de tamaño medio al romper la barrera del sonido

Lo que está claro es que aunque el walkman desaparezca, su formato, el casette, seguirá presente en todos nosotros. Tanto por los juegos en ese soporte como por las canciones. Tanto porque lo vivimos, como porque nos lo contaron. ¡Larga vida a las dobles platinas!

Personalmente me quedo con Manowar, que conste.

Hablamos de una técnica de la que hoy día beben los diseños 3D, pero esta vez aplicada a las dos dimensiones. Hablamos de los gráficos vectoriales en videojuegos 2D.

Cielo Santo, ¡contiene Hiperespacio!

Aunque para mucha gente Asteroids será el exponente de juego hecho con vectores, recordemos que el primero fue Space Wars. Tal vez lo recordéis del Lo Que Nunca del amigo Funs, donde acabó en una posición privilegiada de los inicios del videojuego (Dicho título se basaba en el original Spacewar! y fue programado con vectores en 1977).

El concepto, para que lo tengamos claro, es el que cualquier hijo de vecino puede ver en estas máquinas (Asteroids, Space Wars, Star Trek del 82, Battlezone, Lunar Lander…): Lo que vendrían a ser los “gráficos” son una serie de palitos. Eso, se podría pensar, no parecen los típicos sprites tradicionales… ¡Y no lo son!

Porque mientras un sprite es una imagen per se, un gráfico vectorial es… MATEMÁTICA PURA!

Son tres planos, ¡y van a matarnos!

Si hay algún diseñador gráfico escuchando esto, algún experto en imagen, en algoritmos de esos de compresión de fotos… Que me perdone, voy a volver a meterme alegremente en una comparativa de cosas sobre las que podríamos dedicar libros y posts larguísimos.

El quid de la cuestión es el siguiente, ¿qué diferencia un sprite/fondo/whatever -vulgarmente una imagen que está flotando por ahí- de un gráfico vectorial?
Responder a esto es hablar primero de las imágenes rasterizadas y luego de las vectoriales. Pero tranquilos, que es menos pesado que la última sección (Aunque no habrá Sasha Grey ni nada parecido…)
Un gráfico rasterizado es un BMP, un JPG, un PNG… La mayoría de formatos de imagen que usa habitualmente el usuario doméstico siguen el mismo principio: Una matriz de puntos donde cada uno de ellos -llamados píxeles- tiene un color. La visión en conjunto de este colorido entramado es lo que da la propia imagen.

Lectores, aquí una imagen rasterizada. Imagen rasterizada, aquí los lectores

(Luego ya los distintos formatos tienen que ver con el tipo de compresión que se aplica sobre esa malla para que pese más o menos en función de su resolución. -¿Queréis haceros ricos? Inventad un nuevo algoritmo de compresión de imagen más eficiente que la mayoría de estándares y triunfareis como la CocaCola-).
El archivo rasterizado, pues, no deja de ser una lista enoooorme de instrucciones que dicen cosas como La coordenada 1,1 píntamela azul cian, la 1,2 de azul celeste, la 1,3 de azul cielo, y así con todos los puntitos. Y eso que un servidor solo percibe la gamma de colores Citadel, pero bueno…

Y ahora, a los vectoriales. Para ello, recordaremos por un momento ciertos estudios de la secundaria: Geometría matemática. Con ciertas ecuaciones se podían representar figuras geométricas. Dando un punto centras y un radio, sacábamos una ecuación de una circunferencia y cosas así…
Pues mientras la información de una imagen rasterizada es una tabla píxel a píxel, una imagen vectorizada contiene todas esas ecuaciones que no pintan el lienzo, sino que dibujan figuras.

¡Y hete aquí la diferencia! Una tiene la superficie dibujada, la otra crea lo que necesita en función de parámetros matemáticos!

Una circunferencia en un plano, con sus coordenadas y su radio. Si le echas imaginación es mejor que el Quake

Esto explica varias cosas, como por ejemplo, que una tipografía con un tamaño enorme nunca se verá pixelada: No se amplía una imagen, sino que se cambian los valores de las ecuaciones que dibujan las letras y éstas quedan más grandes. Hacer zoom sobre una imagen así da un resultado mucho más nítido, aunque obviamente, consume muchos más recursos que tener un único tablero con información del color.

Dicho esto, ahora vamos a volver al Asteroids.

Quiero una mesa de te ASÍ

Con todo lo explicado, entendemos por qué, en esa época, podíamos ver rotar las rocas y girar la nave: No eran imágenes en movimiento, sino ecuaciones de polígonos simples recalculándose a toda velocidad. Y de hecho, como los recursos eran los que eran, solo eran líneas blancas sobre fondo negro. ¡Nada de backgrounds o efectos complejos!

La pantalla de la máquina, por cierto, estaba concebida a tal efecto. No era un monitor de tubo normal, era un Vector Monitor que a nivel interno funcionaba como un osciloscopio magnético: Estaba especializado en dibujar líneas entre puntos concretos a toda velocidad. Aunque era eso, un monitor de vectores, Atari lo llamaba QuadraScan, que suena más molón.

Como dato anecdótico, ese mismo principio se usaba también en los HUD’s de los aviones.

Pero no olvidemos que no todo acaba ni empieza con Asteroids. Tenemos la Vectrex, una consola -sobremesa, con pantalla de vector propia- orientada a este tipo de representaciones (Y que podía generar un primitivo 3D debido precisamente a la magia de las ecuaciones matemáticas), juegos actuales hechos de nuevo con este principio, el propio Space Wars… ¡Hasta el 3D de hoy día se basa en esta idea de representar objetos como posiciones matemáticas!

Amén de que, obviamente, en el terreno de diseño gráfico, ilustración y demás, el tener imágenes en el ordenador hechas por vectores ayuda un montón a la hora de hacer según que trabajos.

Pero eso, amigos, es otra historia…

Y donde cabía más porno.

Porno que no era en ASCII, obviamente.

Son el dispositivo de almacenamiento extraíble favorito de los niños de hoy en día: Las tarjetas de memoria y los pendrives. ¡Y arrancamos la nueva temporada de La Caja de LOS Fusibles viendo qué son, y de dónde vienen!

Vamos a empezar con la reflexión de “¿Cuántos tipos unidades de almacenamiento puedo distingir?”. Cometiendo un montón de anacronismos y violando alegremente la memoria colectiva de un puñado de nerds, concluiremos en que podemos catalogar estos dispositivos en dos: Los discos y las memorias de estado sólido.
Insisto, me dejo algunas cosas y no entro en según que otras. Colleja al primero que mande un mail quejándose de que no hablo de las tarjetas perforadas o de los cassettes.

Una vez hecho esto, el avispado oyente será capaz de mirar su PC y distinguir un disco duro de un pendrive. El primero es físicamente un disco, con sus platos, sus agujas y su DJ electromagnetismo ordenando el cotarro a golpe de aguja. Pero el segundo… ay, ¡el segundo! Si bien es relativamente fácil tener una idea del funcionamiento de un HD (A grandes rasgos es como un tocadiscos pero substituyendo los surcos por campos magnéticos), es posible que el miniaturizado tamaño del pendrive desconcierte.

Y es que, no hace ruido! No gira nada ahí dentro! No requiere de electricidad para conservar los datos! ¿Cómo funciona, pues, ese pendrive, ese… DISPOSITIVO DE ALMACENAMIENTO SÓLIDO?

Se dice que los primeros pendrives ocupaban una habitación entera y se movían en trailers

Contestar a esa pregunta nos lleva por los caminos de la historia. Simplificando un poco otra vez, han habido DOS tecnologías relevantes que han permitido la creación de estos dispositivos. Obviamente no todo servía para generar pendrives de bolsillo, como veremos más adelante, pero todo era ponerse…

Sobre los 50, época en que los ordenadores eran literalmente cafeteras a reacción y tenían más válvulas que una caldera gigante, se experimentaba con condensadores de gran tamaño y tubos de vacío para crear algún tipo de memoria auxiliar que ayudase en los grandes y tediosos ciclos que tenían que llevarse a cabo para resolver algo tan brutal e inhumano como una ecuación de segundo grado.

El desayuno de los campeones. ¡Quiero ese discriminante!

Todo esto era muy caro, eso sí. Solamente había que imaginar lo que ocupaba físicamente un computador. Sumadle que eran los primeros coletazos de la informática, desconocimiento, todo muy experimental… Aquí no hay nombres, no hay procesos concretos, no hay estándares a aplicar. Y es que para ver los primeros resultados relativamente tangibles, hay que avanzar hasta 1978, cuando Texas Memory Systems saca un sistema de almacenaje de estado sólido basado en RAM.

Dicho sistema, por cierto, se usaba en plataformas petrolíferas (Nada de llevarlo en el llavero para pasarse cosas bajadas del eMule) y tenía la friolera de 16k’s de capacidad. Ah, ¡y tenía que estar permanentemente conectado a la corriente!

No quiero ni imaginarme lo que ocuparía…

Se estropea la refrigeración líquida y pasa lo que pasa...

Y ahora se preguntarán “Koopa, ¿en qué se basa una memoria de esas basada en RAM?”, “¿no son nuestras memorias actuales de tipo flash?”. Son preguntas que, para ser contestadas, requieren de un pequeño boceto sobre tipos de memoria:

Vayamos a lo bruto: Una memoria es un chip superguapoquetecagas que podemos conectar a nuestro ordenador que es aún más superguapoquetecagas. Desde nuestro clúster de veintiocho quadcores conectados en serie y paralelo a la vez podemos hacer DOS cosas sobre ese chip de memoria:
1.- Podemos LEER su contenido. Esto es, bajarnos todo el porno de Sasha Grey que hay en él.
2.- O ESCRIBIR su contenido, y meter dentro del chip nuestros gigacos de Faith Leon y sus apariciones con gafas de pasta.

Sasha Grey, una chica ELEGANTE

Faith Leon, otra chica ELEGANTE y gracias a la cual descubrí la categoría de Actrices Porno de Carolina del Norte en la Wikipedia

Entonces, dependiendo del tipo de memoria que sea, podremos hacer una cosa o hacer ambas. Podremos hacer estos procesos una vez o varias. Todo depende de la clase de chip.

- Memorias solo de lectura: No podemos escribir en ellas. Es un chip con un circuito previamente impreso durante su fabricación (O a posteriori de manera eléctrica pero perdurable, como las PROM). Hemos hablado alguna vez de ellos, hacen referencia a los cartuchos de las videoconsolas –sin contar con la pequeña RAM con una pila donde se guarda la partida.
Siguiendo la analogía de antes, con una memoria ROM podríamos ver el contenido que la productora de porno ha metido ahí dentro. Pero nada más.

- Memorias de lectura y escritura: Ahí entra la RAM, la memoria que utiliza nuestro megaordenador para hacer cosas tan triviales como factorizar en primos números de 500 dígitos mientras ejecuta el SETI en background. Son rápidas, relativamente baratas, y permiten que el ordenador que las controla escriba y lea lo que hay en ellas.
En nuestro ejemplo para adultos, un chip de RAM con porno nos permitiría leerlo y también subir aquel vídeo privado de cuando nos enrollamos con la vecina del séptimo en una noche de lujuria, alcohol y posturas rompe-clavículas.

¿Significa eso que las memorias flash también están basadas en esto?

Nope. Esta es la PRIMERA TECNOLOGÍA de almacenamiento sólido que veíamos antes, cuando lo delmodelo del 78 de la petrolífera que tenía que estar siempre enchufado. ¿Y por qué? Pues resulta que para que una RAM mantenga la información ha de tener constantemente una corriente eléctrica (Esto ocurre porque los elementos encargados de guardar los bits requieren de electricidad para estar correctamente polarizados y mantener así los 1’s y los 0’s). Estos modelos podemos encontrarlos en los discos duros SSD de muchos portátiles que ahora empiezan a popularizarse.

Disco SSD basado en SDRAM DDR

Una RAM, internamente, es así. En serio. True story. Bueno, no

Es decir, que la vecina del séptimo no tiene que preocuparse de que ese vídeo vea la luz. En cuando sacásemos nuestro chip de RAM la información desaparecería. A no ser que le enchufásemos una pila, claro.

Y la tercera y última categoría que tenemos –recordemos, esto es una simplificación, no entramos en casos concretos ni en monstruos de la ciencia que seguramente existan y que ni yo conozco- es, ahora si, aquella en la que se basan las memorias flash, la SEGUNDA TECNOLOGÍA DE ALMACENAMIENTO SÓLIDO: ¡Las memorias reescribibles!

He puesto "Memoria reescribible" en Google y me ha salido eso. True story, esta vez si

Las podríamos situar a medio camino entre las dos de antes: Por un lado, mantienen sus datos sin electricidad, como las ROM. Pero por otro, permiten ser modificadas un número muy elevado de veces –del orden del millón-, como las RAM. Las hay de varios tipos, de acuerdo a sus técnicas de fabricación y sus procesos de borrado. Starring:

- Las EPROM: Erasable Programmable Read-Only Memory (ROM programable borrable). Debido a sus propiedades, para borrarla y volverla a programar debían ser expuestas a RAYOS ULTRAVIOLETAS. A lo 4 Fantásticos pero en cutre y sin poderes.
- Las EEPROM: Electrically-Erasable Programmable Read-Only Memory (ROM programable y borrable eléctricamente). Permitían borrar las celdas de memoria mediante impulsos eléctricos.
- Y finalmente, las Flash, que vendrían a ser un tipo de EEPROM en la que los pulsos eléctricos de borrado afectan a varias posiciones de memoria a la vez, con lo que es más rápido que el anterior (Si alguien siente curiosidad por saber cómo funciona internamente un cacharro de estos, la respuesta es TRANSISTORES: Transistores de nombres tan guays como FAMOS o NMOS).

Se MASCABA este chiste desde el principio...

Esta última tecnología fue presentada en 1995 por unos señores de M-Systems en discos de almacenamiento sólido y es su evolución a nivel técnico lo que estamos viendo hoy día.

Hay además, y que conste solo como pequeño apunte, algo llamado Enterprise Flash Drives (EFDs) que es un flash super-dopado, pero no se trata de ningún estándar, sino del resultado de optimizar alegremente con mejores especificaciones memorias flash para tareas concretas.

Y a grandes rasgos, de ahí es donde salen las tarjetas de memoria y los pendrives en cuestión. Cada modelo usa sus propias implementaciones, unas más cerradas que otras, algunas con unos estándares distintos a los demás… Pero el principio que siguen es el mismo: Memorias flash creadas con transistores que a cada día que pasan son más pequeñas debido a la miniaturización de los componentes.

Y pensar que hace dos días aún tirábamos de carretes…

Y para saber más…

Unidad de estado sólido en la Wikipedia
Memoria Flash en la Wikipedia
Memoria de acceso aleatorio en la Wikipedia
Sasha Grey en la Wikipedia
Faith Leon en la Wikipedia (Hay que ver lo mona que es la chica y la de cosas raras que seguro que hará con su cuerpo… qué cosas, oiga…)

Y atentos hoy porque la clase de historia es importante, no solo por cuándo o cómo se fabricó el trasto en cuestión, sino porque el señor que estaba detrás de todo eso hizo mucho. Tanto, que se podría dedicar un “Lo que nunca se atrevió a preguntar”. Hablamos, como no, de Sir Clive Sinclair.

Sir Clive Sinclair. El hombre. The man.

Bien, nos trasladamos al año 1961. Clive Sinclair, nuestro hombre, que aún no es Sir ni nada, tiene una pequeña compañía de productos electrónicos. Sinclair Radionics se ocupa de hacer radios, calculadoras, y demás menesteres a pilas. Son tiempos en los que la palabra “computador” se reduce a un laboratorio del MIT o el PARC, y Sinclair encaja más en el prototipo de nerd fan de los circuitos que en el del empresario de los microordenadores.

Pero tras unos altibajos empresariales, y con una empresa que en el 77 rebautizó como Science of Cambridge, Sinclair decide apostar por el proyecto que le presenta uno de los empleados en nómina.
Ese tipo, un hombre llamado Ian Williamson, estaba trabajando en un microcomputador, y dicho esfuerzo se convirtió en el primer kit de monte-usted-su-propio-ordenador que lanzó la compañía.

Estamos en 1977, y Science of Cambridge ha dado su primer paso hacia el éxito.

Un anuncio del Mk14, el antepasado del Z80, primer éxito de Williamson y Sinclair.

Al MK14, el rudimentario ordenador de Williamson, le siguieron dos modelos también vendibles en kits: El ZX80 y, posteriormente, el ZX81.
Los más avispados igual recuerdan esos nombres, y es que el MSX del cual hablamos también se basaba en el mismo procesador que estos: El Zilog Z80.

Pero que nadie piense que el ZX80 o el 81 eran formalmente “las computadoras de mi infancia”. Blanco y negro, un sencillo modo texto y unas especificaciones de risa lo convertían en algo casi exclusivo del fanático de la electrónica.

Pero eso si, no costaba mucho hacerse con uno, la filosofía de Sinclair del “hazlo barato” estuvo siempre presente: El ZX80 costaba 80 libras en el kit de montaje, 100 preensamblado, y a lo largo de sus modelos no dudaron en reducir costes de las maneras más originales posibles (Cosas como “para qué poner una pantalla si puede verse en una tele doméstica?” o “para qué discos extraíbles si puedo almacenar en un casette?”).

A finales de los 80, y con ese ZX en el mercado, Science of Cambridge cambiaría su nombre a Sinclair Computers.
Para luego, en el 81, pasar a ser definitivamente Sinclair Research.

Si, Clive no se estaba quieto y cambiaba cada dos por tres de nombre.

Sinclaircon uno de sus más recientes inventos; no solo de ordenadores vive el hombre.

Hagamos ahora un paréntesis. Hemos contextualizado y nos quedamos con una empresa Sinclair apunto de sacar su joya de la corona: El ZX Spectrum.

Planteémonos ahora la pregunta, ¿por qué debería importarme Sir Clive Marles Sinclair?

Británico nacido en 1940, este señor cuenta en su palmarés con proezas tan importantes como la de haber fabricado la primera calculadora de bolsillo realmente “de-bolsillo”, un modelo de bici plegable bastante famosilla en sus tierras o incluso un coche plegable. Estamos delante del típico inventor que supo hacer cosas realmente inventivas. Prueba de ello es, obviamente, todo el tinglado de los Spectrums en los cuales se vió metido.

Participó -y ganó- en un programa/concurso de famosos jugando al póker, y es miembro de la MENSA (Asociación de gente con un alto coeficiente intelectual), así que aunque muchos de sus inventos fracasasen, no hay que tomar a la ligera a este geek de casi setenta años.

Sinclair con uno de sus más recientes inventos; no solo de ordenadores vive el hombre.

Ya hemos hecho el tributo de rigor a este señor, volvamos con lo nuestro.
1982, Sinclair Research lanza el que sería su máquina estrella, el archiconocido ZX Spectrum.

De características modestas, este microodenador se basaba en la máxima que comentábamos antes: Económico y barato. Con 16KB de memoria y ningún dispositivo de almacenamiento integrado, este aparatito que necesitaba una televisión a modo de monitor revolucionó el mundo. Y si no me fallan las cifras y fechas, fue el primero en venderse masivamente.

Destacamos el denominador común de la casa que se mantuvo hasta el 128 +2: El teclado de goma.
¿Qué era más barato, un teclado de los comunes o un par de planchas de goma con circuitos que se activasen al presionarlos? La respuesta era lo segundo, y seguro que los oyentes que tuvieron uno recuerdan la facilidad con la que había que reemplazar la membrana, en comparación con un teclado de teclas normales de toda la vida.

Inolvidable. ZX Spectrum y su característica imagen de marca.

A este primer modelo le siguieron posteriores versiones, algunas de las cuales con curiosidades realmente interesantes:

La primera que salió lo hizo dos años después (84), el ZX Spectrum+ que, como su nombre indicaba, era una versión ligeramente modificada a nivel visual, conservando su electrónica igual.

La particularidad del modelo siguiente, el ZX Spectrum 128, es que fue desarrollado por una empresa ESPAÑOLA. Pero oh, amigos, aquí no acaba la cosa, dicha empresa era una filial de El Corte Inglés: INVESTRÓNICA, también conocida como Inves.
Aparte del trabajo conjunto, Inves desarrolló también un sistema propio de disco, que comercializó Timex Portugal.
Ah, y al estar el centro de operaciones en España, sale primero en la Península.

Y aún hay más, pero no son made-in-Sinclair 100%, puesto que en 1986 la mala racha por la que pasaba la compañía hizo venderla a su competidor: Amstrad.

Bajo esa fusión vimos el 128 +2 (Con lector de casettes y teclado que no era de goma) el 128 +3 (Con disquetera) y el 128 +A/B (Caracasa del 2, características del 3 y un sistema operativo +3DOS incorporado, un SO de disco propio para el sistema).

Y ya. Hasta aquí la lista de modelos, puesto que en 1991 Amstrad decidió retirarlos del mercado, debido a la llegada de los sistemas de 16 y 32 bits, donde un microordenador como era el Spectrum, lamentablemente no podía competir.

ZX Spectrum +2, la primera experiencia electrónica para Funs en los ochenta.

Eso si, hubieron más cacharros, concretamente los CLÓNICOS. En Estados Unidos se llegó a un acuerdo con la empresa Timex, exportando ésta el ordenador bajo el nombre Timex Sinclair.

E incluso Inves sacó un modelo propio, el Inves Spectrum +, basado en el ZX original, pero sin estar licenciado.

Amén de multitud de empresas que rediseñaron la placa y sacaron sus propias versiones con mayor o menos compatibildiad. Peeeero los únicos con licencia oficial (De cara a los USA) fueron los de Timex.

Timex Sinclair 1000, uno de los clónicos de Spctrum.

Actualmente, Sinclair como compañía no es la brillante corporación de hace unos años. Fracaso en el coche eléctrico, fracaso en la bicicleta eléctrica, lograron en 1999 la radio más pequeña del mundo y sacaron en 2003 una silla de ruedas manufacturada en Hong-Kong. Está claro que no pasan por su mejor momento, y el señor Sinclair y sus inventos tiran más por cuenta propia que no a través de la empresa.

¿Qué hemos aprendido hoy?

- Al igual que MSX, Sinclair fue una de las compañías más importantes de computadoras domésticas ochenteras.
- Su presidente/fundador, Sir Clive Sinclair, es un geek fanático de la invención de cosas.
- A pesar de su éxito, acabó siendo vendida a Amstrad, y los Spectrum no aguantaron el paso a sistemas de 16 bits.
- La scene, al igual que con la mayoría de computadoras antiguas famosas, sigue muy activa hoy en día, y un emulador es la mejor forma para probar estos cacharros.

Bibliografia

http://en.wikipedia.org/wiki/Clive_Sinclair
http://es.wikipedia.org/wiki/Clive_Sinclair
http://es.wikipedia.org/wiki/Sinclair_ZX_Spectrum
http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_ZX_Spectrum_clones#Inves_Spectrum_48k_plus
http://en.wikipedia.org/wiki/Zx80
http://zonaforo.meristation.com/foros/viewtopic.php?t=562773&m=
http://en.wikipedia.org/wiki/Sinclair_Research
http://en.wikipedia.org/wiki/MK14
http://en.wikipedia.org/wiki/Zilog_Z80
http://en.wikipedia.org/wiki/A-bike
http://en.wikipedia.org/wiki/Celebrity_Poker_Club
http://en.wikipedia.org/wiki/Sinclair_ZX_Spectrum
http://www.worldofspectrum.org/ZXSpectrum128+3Manual/chapter8pt27.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Investronica_Inves_Spectrum_%2B
http://www.zonadepruebas.com/modules/smartsection/item.php?itemid=905

http://zxgoldenyears.net/1962.html

Amigos, estamos en 1840, siglo XIX, Gran Bretaña, en una de esas casetas regentadas por personajes a medio camino entre marchantes de feria y pseudocientíficos amantes de las propiedades ocultas del saber.

Soy Sir Charles Wheatstone, y tal vez me recuerden por alguno de mis inventos como la Concertina o el Cifrado Playfar. Hoy estoy aquí para hablarles de la ESTEREOSCOPÍA, una técnica que me ha dicho mi DeLorean que se usará en un futuro en sitios como el IMAX o en aparatos de ocio electrónico.

Ajustad vuestras gramolas, y vamos allá!

¡Hey, mirad, es Charles Wheatstone!

Aunque pueda parecer que no tiene relación alguna con el futuro, y que esto es un tema from the past, lo cierto es que la técnica de la estereoscopía sigue vigente hoy en día, e incluso se llegó a aplicar a videojuegos domésticos.

Pero lo primero es lo primero, ¿en qué consiste el efecto llamado ESTEREOSCOPÍA?

Que nadie se alarme antes de tiempo, aunque su nombre pueda asustar, el concepto se entenderá en seguida: Gafas de visión 3D.

Seguro que todos vosotros habéis usado alguna vez esas gafas de cartón con celofán rojo en un lado y verde en el otro. O esas gafas polarizadas que permiten ver el apasionante documental sobre delfines albinos del IMAX.

O las imágenes en 3D de las revistas, que has de ponerte medio bizco a riesgo de perder un globo ocular para ver un dibujo oculto con profundidad.

Todos esos efectos de “ver una cosa con apariencia de tres dimensiones en un entorno de dos” se llama ESTEREOSCOPÍA.

Pero, ¿cómo puedo percibir algo con profundidad si solo estoy mirando un papel plano de una revista? La respuesta viene dada por el número de ojos que tenemos: Dos.

Gafas 3D, haciendonos parecer idiotas desde 1853.

Esta bonita técnica toma como referencia el funcionamiento normal de los ojos: Por mucho que miremos al mismo sitio, pongamos por ejemplo, desde una ventana, cada ojo ve las cosas desde una posición ligeramente distina a la de su hermano. Esto es así porque tenemos los ojos separados y no uno dentro del otro cual muñecas rusas.

Esta variación de posición es lo que crea el efecto de profundidad. Es una triangulación.

Al mirar una imagen normal plana, por muy separados que estén los ojos, la imagen es la misma, con lo que dicho efecto no se consigue.

Ahora bien, si en lugar de una imagen cogemos dos, una ligeramente movida respecto a la otra, y hacemos que cada ojo vea por separado una imagen, ¿Qué tenemos? ¡Pues un falso efecto de profundidad!

Et voilà, ya tenemos una base teórica sobre la cual construir cosas más divertidas!

Clásica Imagen 3D

Con el principio de Sir Charles en el bolsillo han surgido muchas cosas ya de sobras conocidas, pero quizá la más relevante en nuestro mundillo es la de las gafas LCD.

En efecto, la Estereoscopía se usó para crear hardware específico que aportase esa sensación de profundidad.

Existen unas tarjetas gráficas específicas que, en lugar de escupir una imagen que nuestro ojo ve, escupen dos, una para cada uno.

Curioso, no? Bien, pues esto plantea un problema: Requiere de un refresco de pantalla muy rápido, porque cada ojo lo percibirá a la mitad del refresco real. Es decir, si en un segundo veía X imágenes, ahora en un segundo mi ojo derecho verá la mitad de X y mi ojo izquierdo la otra mitad.

Y ahora os preguntaréis, “Pero Koopa, si la tarjeta va mostrando alternadamente y muy rápido imágenes correspondientes a cada ojo, ¿cómo separamos lo que ha de ver cada uno? ¿Guiñamos alternadamente los ojos muy rápido?”

Y aquí es donde entra en juego la segunda parte del hardware específico: Las gafas.

Las gafas de cristal líquido 3D de Nvidia

En lugar de parpadear como epilépticos, juntamente con esa tarjeta venían unas gafas de CRISTAL LÍQUIDO (el mismo que el de las calculadoras) que se conectaba al PC. Dichas gafas oscurecían un crital y aclaraban el otro, de forma muy rápida, para que así cada ojo percibiese la imagen que debía percibir.

Es decir, que combinando el hecho de mostrar intercaladamente las imágenes de cada ojo con un sistema para que cada uno viese “lo que tenía que ver”, se lograba un efecto estereoscópico en un monitor normal.

Bibliografía:

http://en.wikipedia.org/wiki/Stereoscopy

http://es.wikipedia.org/wiki/Estereoscop%C3%ADa

http://www.bit-tech.net/hardware/graphics/2009/01/09/nvidia-geforce-3dvision-review/1

http://en.wikipedia.org/wiki/LCD_shutter_glasses

http://www.stereo3d.com/shutter.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Polarized_3D_glasses

http://www.iua.upf.es/~gvirtual/master/apunts/tecno/lcdglass.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Sir_Charles_Wheatstone

Pero, ¿qué ocurre con los nuestros oyentes más jovencitos? ¿Nadie piensa en aquellos que por X o por Y no sepan de qué hablamos? ¿MSX, Spectrum, Commodore? Si eso os suena a chino a alguno de vosotros, ¡estáis de suerte!

Bienvenidos a MSX para novatos.

MSX

Bien, empecemos. ¿Qué entendemos por MSX? Cuando yo digo “en mi juventud sacaba el MSX y cargaba unos juegos”, ¿qué estoy diciendo? ¿Era una consola? ¿Un ordenador?
El MSX es una arquitectura. Una arquitectura de microordenadores de 8 bits. ¿Qué entendemos por arquitectura? Vendría a ser un compendio de estándares a la hora de crear un computador. No existe el concepto de “un MSX”, sino más bien “el MSX desarrollado por X compañía”, en referencia a que fueron muchas las compañías que desarrollaron sistemas MSX.

Porque si, amigos, este compendio de configuraciones para computadora no fue obra de una sola empresa. Este proyecto nace en 1983 y, como ya es habitual en estos lares, nos catapulta a una clase de historia…

El MSX HitBit de Sony, uno de los MSX más memorables.

En los primeros años de los 80 Japón se encontraba ante un panorama optimista para con sus empresas de electrónica, el futuro prometía y su tecnología amenazaba con comerse el mundo. Claro que, hay que decirlo, quería comerse un mundo que no era el doméstico sino el empresarial.

La cosa cambió cuando, en el susodicho ’83, se presentó en rueda de prensa un nuevo estándar para las computadoras personales. Ese estándar era el MSX.
El significado de sus siglas es disperso, hay quien dice que es Machine Standard eXchangeability, otros que Matsushita Sony X y algunos apuestan por Microsoft Super eXtended.
Ouyeah, nena, hablamos de Microsoft, si. Entre otras compañías desarrolladoras, Microsoft fue una de las creadoras del sistema. De hecho, Kazuhiko Nishi, de Microsoft Japón, puede ser considerado el “padre” del MSX.

¿Y quién es el señor Nishi? Kazuhiko Nishi, cincuentón nativo de Kobe, fue el vicepresidente de Microsuave en tierras orientales allá por los ochenta, y en 1986 se marchó a la ASCII Corporation (Que no tiene nada que ver con el estándar de caracteres) para desarrollar el estándar MSX junto a un ejecutivo de NEC, Kazuya Watanabe (NEC es una compañía de servicios tecnológicos japonesa muy famosa por esos lares. Proporciona soporte técnico, soluciones a telecomunicaciones, está en proyectos de superordenadores… Vamos, una especie de Umbrella pero en tecnología).

Nishi con... otro famosillo de la industria.

(Actualmente, por cierto, Nishi es presidente la MSX Association, una organización privada que gira entorno al estándar que él mismo creó).

Y bien, una vez anunciado todo el tinglado y con varias empresas interesadas en esas tres letras, empieza la era del primer MSX, el MSX1.

El árbol genealógico del MSX está compuesto de solo cuatro generaciones, si bien sus hijos son dispersos debido al mogollón de compañías que metieron mano en esta orgía de promiscuidad del sistema, amén de clónicos y derivados.

Empezó en el ’83 con el MSX1. Llevaba un procesador Z80 (Quedaos con el nombre de este procesador: Es el mismo que el Spectrum o el Amstrad, y que dará para una Caja en el futuro), 8KB de Ram y cuatro tontadas más.
Era sencillote para su época. El concepto de periférico externo de almacenaje se traducía en lectores de casettes que, si bien eran baratos, eran bastante problemáticos.

MSX fue un fenómeno tal en Japón, que hasta las colegialas querían uno.

El SO base, por cierto, era de Microsoft, el MSX-Basic. Versiones posteriores con disquetera admitían también el MSX-DOS, versión de MS-DOS para MSX.

¿Qué es el MSX-Basic? Una versión del lenguaje BASIC, concretamente una versión tuneada de la versión original de Basic hecha por Microsoft. Está preparado para soportar gráficos, vídeos y varios periféricos, puesto que su uso está únicamente destinado al MSX, sistema que trabaja con, obviamente, gráficos, vídeos y varios periféricos.
En definitiva, un lenguaje ya existente remozado para ser efectivo en un microcomputador.

Al 1 le siguió el MSX2 (En el ’86). Versión upgradeada con más pijadas gráficas, nuevo chip de sonido y la disquetera como elemento común.

Esta segunda versión tuvo también una actualizada, el MSX2+ (’88), que solo se comercializó en Japón (En Europa y Brasil vía packs de actualizaciones), que metía también cambios sustanciosos.

Y finalmente, y con exclusividad también japonesa, el MSXturboR (En 1990).
Fabricado únicamente por Panasonic, este monstruo no usaba el Z80, sino otro distinto, uno llamado R800 compatible con el primero pero con mejoras a nivel de hardware, como una segunda CPU.

Clásicos actuales, como Metal Gear, se iniciaron en MSX

Y esta es la historia de la familia. Una familia con grandes juegos como Bomberman, Eggerland, Metal Gear, Parodius o Puyo Puyo. Una familia que vió versiones como Gradius, Castlevania, Contra, Dragon Quest o FF…
La cuestión es, ¿logró el estándar japonés fabricado por más de veinte marcas desbancar a rivales como Commodore o Spectrum?

Canon, Casio, Daewoo, Fujitsu, Hitachi, JVC, Mitsubishi, Panasonic, Philips, Pioneer, Sanyo, Samsung, Sharp, Sony, Toshiba, Yamaha… y la lista de fabricantes sigue. Todas estas marcas y compañías distintas entre si tenían algo en común: Fabricaban ordenadores distintos pero que, sin embargo, seguían los estándares del MSX.
De este modo, podríamos encontrar un MSX de Mitsubishi, un MSX de Sony, uno de Toshiba…

Y, a pesar de todo, no lograron hacerse un hueco ni en Europa ni en Estados Unidos.

De hecho, en Estados Unidos solo dos marcas lanzaron MSX’s, y en Europa, que era la cuna de los juegos de computadora de los ochenta, había un mercado demasiado grande dominado ampliamente por el Comodoro y la empresa de Clive. MSX no llegó al otro lado del charco y aquí llegó tarde.

Pero aún así, tuvo gran éxito en Japón y Corea del Sur, y tuvo un reducto de fieles en España, Holanda, Brasil, algunos Países Árabes y la URSS.

Cada año, cientos de aficionados españoles al MSX se reúnen gracias a la Asociación de Amigos del MSX.

¿Fue un fracaso si tomamos la idea inicial de “un sistema para unirlos a todos”? Bueno, lo que está claro es que hoy en día se sigue recordando, y la prueba es una comunidad muy activa y comprometida. Eso si, no sabemos si los ejecutivos japoneses de esos inicios de los ochenta pensaban que su sistema sería una obra de culto por un grupo de fanáticos de la retroinformática…

Actualmente tenemos tropecientos emuladores de MSX, incluyendo uno oficial mantenido por la propia MSX Association, y la scene está más viva que nunca, destacando aquí en España la Asociació d’Amics del MSX, así como también mención especial a varios gurús que han desarrollados cosas wonderfulosas:
- Leonardo Padial es un señor que fabrica hardware para MSX. Desde su página web tenemos acceso a controladoras SCSI, expansores de slots, expansiones de memoria, interfaces de teclado, tarjetas PS2 para mouse y unos cuantos cacharros más que él mismo fabrica y distribuye.
- Nestor Soriano, alias Konamiman, desarrolló la pila TCP/IP para MSX, permitiendo así enchufar los MSX a la red de redes. También tiene en sus hazañas un compilador Basic mejorado y utilidades de esas que hace que te quites el sombrero.

Paréntesis también para los juegos de aquél entonces parece que están viviendo un segundo renacer gracias a la iniciativa de la Consola Virtual de Wii, permitiendo acceder a gente que nunca los jugó.

Y una de las cosas más molonas jamás hechas, es el One-chip-MSX, que viene a ser un MSX2 encapsulado en una pequeña cajita lista para conectar a la tele. Incluye salidas USB para teclado y conectores de cartuchos. El colmo de la miniaturización, solo apto para freaks del MSX o gente que quiere sentirse más cerca de uno de estos sistemas sin pasar por un emulador.

El fabuloso OneChip en acción

¿Qué hemos aprendido hoy?

- El MSX fue un estándar de computadoras personales nacido en el 83 y que tuvo más de una veintena de marcas fabricándolo.
- Cuatro “versiones” distintas del MSX salieron, cada una mejorando a la anterior.
- A pesar de su esfuerzo, pasó desapercibido en Estados Unidos, y en Europa no causó tanto ruido como sus competidores.
- Actualmente, la scene del MSX sigue viva. La retrocomputación vuelve. O es que nunca se llegó a marchar…

Bibliografía:

http://es.wikipedia.org/wiki/MSX
http://en.wikipedia.org/wiki/MSX
http://en.wikipedia.org/wiki/Kazuhiko_Nishi
http://es.wikipedia.org/wiki/Z80
http://en.wikipedia.org/wiki/R800_(CPU)
http://en.wikipedia.org/wiki/List_of_MSX_compatible_computers
http://www.aamsx.com/
http://es.msx.org/
http://en.wikipedia.org/wiki/1chipMSX

http://www.msxa.org/

http://www.geocities.com/TimesSquare/Tower/7418/padial

http://www.konamiman.com
http://en.wikipedia.org/wiki/MSX_BASIC
http://en.wikipedia.org/wiki/ASCII_Corporation
http://www.museo8bits.com/

Periférico chorra número 1: El Power Glove

Solo diré una cosa: Sale en la película El Campeón Del Videojuego. Lo usa Lucas, un gurú de la NES que guarda este aparato en una caja bonita cual Holmes con sus jeringuillas de cocaína al 7%.

Películas aparte, el Power Glove era un periférico con forma de guante. Dicho guante estaba cableado con fibra óptica y, mediante una patente de detección de movimiento, era capaz de detectar 256 posiciones de los dedos (Es decir, ocho bits). Incluía un teclado para programar esos movimientos.

¿Por qué fracasó? ¿Qué salió mal?
Vale, ahora mis compañeros me matarán, pero para mí el Power Glove fue un invento cojonudo. Por dios, que un tío con Parkinson pulverizaría records en el Track and Field! Ya solo por eso vale la pena darle una oportunidad.
Eso si, es una realidad que, pese a ser algo innovador, no era precisamente algo cómodo. Y es que por mucha tecnología estrafalaria y supuestamente futurista que metas a una consola, si no es cómodo de usar, la gente no lo usa.
Ah, y encima no era preciso, perdía sensibilidad, no respondía bien… Vamos, todo un atentado a la ergonomía y al sistema circulatorio al mantener la mano levantada largos períodos de tiempo.

It's so bad

Periférico chorra número 2: El Activator

Venga, ahora seamos buenos y démosle una alegría al Funso.
Amigo mío, Sega inventó el Stargate.
Se llamaba Activator, y atentos porque la cosa tenía su gracia.
El periférico en cuestión consistía en un octógono regular de plástico. Ocho piezas alargadas que se unían, permitiendo que el jugador se situase dentro de dicho octógono para, a continuación, controlar el mando de la Mega Drive mediante los movimientos de su cuerpo.

Gracias a la detección láser, cada arista del octógono detectaba cuando pasábamos la mano por encima suyo y accionaba el botón correspondiente. Ah, requería de alimentación propia y había que calibrarse a cada reinicio de la consola.

¿Por qué fracasó? ¿Qué salió mal?
¿Estáis de coña? Si ya considero algunos juegos de la Wii un atentado al concepto tradicional de “videojuego”, mover los brazos histéricamente alrededor de un anillo que no está hecho de n’qada no es demencial, es estúpido.
A no ser que no hablemos de “juegos de video”, sino de otro concepto más laxo y abierto. Si, soy un purista de los controles y me encanta.

Funs también fue igual de patético

Periférico chorra número 3: Game Boy Camera y Game Boy Printer

Y cuando creíamos que la cosa no podía sorprendernos más, en el 98 Nintendo sacó la cámara fotográfica más pequeña de ese año (Record Guinnes oficial, amigos). Era un cartucho con un ojo incrustado en la parte superior, como Cracko, la nube malvada de los juegos de Chirby.

Básicamente, hacia lo que hace una cámara, es decir, fotos, pero sin lo mínimo que se espera de una cámara: Calidad. Pero eh, estaba diseñado para la Game Boy, ¡usar más de cuatro colores sería imposible!

A parte de sacar de nuestro interior al fotógrafo que llevamos dentro para darle una paliza, el cartucho incluía opciones de -abre muchas comillas- retoque fotográfico -cierra muchas comillas- e incluso algún que otro juego. Destaco el Ball, un port del juego homónimo para Game & Watch, que permitía substituir la cabeza de Mr. Game & Watch por la del jugador.

Y por si eso fuera poco, si tenías pasta por tirar y seis pilas AAA, podías comprar la Game Boy Printer, una impresora termal (Esto es, como las de tiquets de los súpers) y escandalizar al mundo convirtiendo tus píxelotes fotografiados en bonitas pegatinas. Apasionante.

Dos datos anecdóticos:
La Game Boy Camera fue desarrollada por Game Freaks, los creadores y desarrolladores de la saga Pokémon.
Fue usada para sacar la portada del disco “Silver & Gold” del cantante Neil Young.

¿Por qué fracasó? ¿Qué salió mal?
Recuerdo que cuando era joven y acababa de salir, un compañero del colegio la tenía y pensábamos que era la hostia, que era el mejor invento del mundo mundial después de la propia Game Boy.

La verdad, no se si ir al pasado a darme una paliza o hacer que mi yo-del-pasado venga a dármela a mí por haber perdido la fe con los años.

¿Idea original o sacacuartos ridículo? Que el público decida, mi propio conflicto generacional interno me impide discernir con claridad.

Solo para los elegidos

Periférico chorra número 4: El Power Pad

Conocéis la regla 34 de Internet, ¿no? Es una norma no escrita que postula que existe porno de CUALQUIER cosa imaginable. Bien, esto nos vendrá bien para ilustrar el siguiente artefacto para la NES.
El Power Pad vendría a ser el hijo bastardo entre el Twister y una alfombra del DDR.
Superficie blandita con sensores de presión distribuidos en unos 12 pulsadores numerados.

¿Cosas guays de este invento? Bueno, jugar a los machacabotones de olimpiadas nunca fue tan divertido.
No, espera, de hecho, jugar a los machacabotones de olimpiadas NUNCA fue divertido.
Ahora al menos te cansas. Y dices que haces ejercicio. Y por eso mola. O algo. Joder, ¡que hasta tenía un maldito juego de aeróbic! ¡Esto es demasiado! ¡Es cruel! ¡Esto no se hace!

¿Por qué fracasó? ¿Qué salió mal?
Joder, es una puta alfombra del DDR sin DDR! Y SOLO se salva por tener dos juegos basados en el concurso Takeshi’s Castle. Los demás títulos de los once que sacaron eran tan divertidos como hacer jogging o capturar criminales saltando encima suyo.

Antes esto era patético; ahora es de casuals guays.

Y ale, aquí termina mi periplo autodestructivo sobre lo peor de cada casa. Pero no están todos los que son, faltaría más, así que este tema quedará abierto a sempiternas secuelas sobre todos aquellos accesorios dignos de recibir grandes cantidades de napalm.

Bibliografía

http://www.pixfans.com/los-perifericos-mas-inutiles-de-la-historia/
http://en.wikipedia.org/wiki/Power_Glove
http://en.wikipedia.org/wiki/Game_Boy_Camera
http://en.wikipedia.org/wiki/Power_Pad

El scrolling, por definición, es la técnica usada en soportes visuales consistente en mover texto o imágenes respecto un fondo fijo. Esto no es obra exclusiva de los videojuegos, encontramos casos tanto en el cine (véanse las clásicas letras desfilantes de Star Wars como ejemplo) como incluso en los ordenadores, donde podemos realizar un “scroll manual” cuando usamos alguna barra de desplazamiento para abarcar la totalidad de un contenido demasiado grande para caber en la pantalla de golpe.

No obstante, y como aquí somos un programa de videojuegos, vamos a hablar del efecto en los mismos, y para ello, va a ser necesaria otra CLASE DE HISTORIA.

El Efecto de Scrolling en WonderBoy

Corría el año 1977, uno antes de la aparición del mítico Space Invaders, y Atari ideó una recreativa llamada Super Bug. No se trataba de un juego para programadores del Zune, sino que era un juego de conducción de vista aérea en la que controlábamos un coche modelo escarabajo. Para hacer el símil, era un Micromachines muy micro. Misma cámara y un control parecido con volante incluido en la propia recre.

La novedad residía en que cuando el coche avanzaba, el escenario se movía. Es decir, se producía ese llamado efecto de scrolling. Naturalmente era un efecto primitivo, y la cantidad de cosas a desplazar era simplemente una hila de marcas blancas sobre fondo negro que hacían las veces de carretera. Pero la idea estaba allí.

Super Bug había dado un paso.

Super Bug, con el que Atari ideó las raíces del Scrolling en 1977

Desde entonces, el scrolling se fue asentando más o menos como aquello que conocemos hoy día: Mediante esta técnica se podían crear entornos que se desplazaban cuando el jugador se movía por ellos. Un claro ejemplo está en los juegos de plataformas, que a medida que nos movemos por el mundo, éste se va moviendo también, imprimiendo así esta sensación de avance.

Eso si, Super Bug no fue el único pionero en este tema. Situémonos ahora en 1982, cinco años después de que el juego de los cochecitos nos abriese las puertas al scroll. Irem, una empresa japonesa, se saca de la manga un juego llamado Moon Patrol. En él, un vehículo lunar recorre un terreno de izquierda a derecha esquivando obstáculos y aniquilando aliens. Para ello, usaba la mencionada técnica.

Pero como hemos dicho, no fue “uno más”, sino que usó una técnica nueva que ha sobrevivido hasta nuestros días. El PARALLAX SCROLLING.

Con Moon Patrol, Irem introdujo el Parallax Scrolling en 1982

Hagamos el siguiente ejercicio mental: En nuestro Moon Patrol tenemos al cochecito en su suelo lunar, y detrás, un fondo con montañas. Cuando nos desplazamos, el fondo también se desplaza para imprimir esta sensación de “eh, me estoy moviendo por la luna y su gravedad es igual a la de la tierra”. Vale, eso es el scrolling normal. Un claro ejemplo de esto lo podemos ver en el Mario Bros original de la NES. Tanto las nubecitas con ojos como los arbusto se movian a la vez que el suelo. Todo formaba un único background que se desplazaba a la misma velocidad.

Pero, ¿y si cojo mi Moon Patrol y en lugar de una hilera de montañas, pongo otra detrás moviéndose más lentamente? Pues que obtengo algo llamado scroll parallax: Varias “capas” de fondos transparentes moviéndose a distintas velocidades.

Las montañas de detrás, al estar más lejos, se mueven más lentamente. Y las que están más cerca, más rápido. Esto aumenta la sensación de movimiento al aportar este enfoque de profundidad. Y Moon Patrol, como decimos, fue el primero en implementarlo.

Un ejemplo básico de Parallax Scrolling. Cada capa del fondo se mueve independientemente.

La base, pues, ya estaba hecha. Múltiples fondos que ayudaban a ese movimiento. Hablar de ejemplos parece casi innecesario, pues seguro que a todos nos vienen en mente un montón de juegos 2D que usasen esta técnica. Conforme más avanzamos en el tiempo, más virguerías con los backgrounds se podían hacer, y salían cosas más chulas.

Claro que, ¿y si el aparato en cuestión no era capaz de hacer scrolling? ¿Y si sus limitaciones técnicas hacían necesario un overclockeo a nivel industrial para mover un fondo?  Tenemos el Sabre Wulf de Spectrum, o el Abu-Simbel Profanation, o incluso el Prince of Persia. Todos estos juegos tenían un mapeado grande, pero para pasar de una “sala” a otra no había un desplazamiento, sino que simplemente desaparecía una y aparecía otra, cual teletransporte instantáneo.

Esto era conocido como efecto de FLIP-SCREEN, ya que la pantalla actual se borraba y daba paso a otra nueva, eso era el FLIP.

Cuando la máquina era incapaz de hacer un scroll, esta solución era ideal. Pero incluso pudiendo hacerlo, algunos títulos optaban por mezclar ambos conceptos. Tal es el caso de The Legend of Zelda, puesto que cuando pasábamos de un cuadradito del mapa a otro, la acción se congelaba y había un scroll rapidísimo que se encargaba de cambiar el fondo.

¿Qué hemos aprendido hoy?

• El scrolling es una técnica usada no solo en los videojuegos que consiste en el movimiento de texto o imágenes respecto a un fondo fijo.
• El scrolling en los videojuegos fue implementado por primera vez en el juego de atari Super Bug.
• En 1982 el título Moon Patrol fue más allá del scroll típico hasta el momento. Usando varios fondos a varias velocidades de movimiento, creó el llamado parallax scrolling, que hasta la fecha aún se sigue usando en títulos 2D.
• Otra técnica para dar esta sensación de movimiento o avance es el flip-screen, consistente en sustituir lo que hay en pantalla actualmente por la “habitación contigua” sin ningún tipo de efecto de transición.

Bibliografia

http://www.atarimuseum.com/videogames/arcade/arcade77.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Parallax_scrolling
http://en.wikipedia.org/wiki/Scrolling
http://www.coinop.org/g.aspx/100643/Super_Bug.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Side-scrolling_video_game
http://en.wikipedia.org/wiki/Moon_Patrol

http://en.wikipedia.org/wiki/Defender_(arcade_game)

http://en.wikipedia.org/wiki/Flip-screen
http://en.wikipedia.org/wiki/Sabre_Wulf

Chip Super FX

Nos remontamos a 1993, año en el cual una empresa llamada Argonaut Games presenta a los señores de Nintendo una especie de demo de un juego de naves. Este juego era una versión del futuro Star Fox pero limitada por las posibilidades técnicas de la consola. Pero Jezz San, el SEÑOR ARGONAUTS, habló con el señor Nintendo para decirles que si les dejaban cacharrear y crear hardware para la consola, la cosa mejoraría.

Nintendo aceptó, y fruto del trabajo de esta compañía británica surgió el llamado chip Super FX, aunque inicialmente su nombre era MARIO: Mathematical, Argonaut, Rotation & I/O. Por cierto, el diseñador del chip fue el ya difunto Ben Cheese, señor que trabajó anteriormente en Sinclair, donde fue el principal desarrollador del ZX Microdrive, un sistema de cintas magnéticas para el Spectrum parecido a un slot externo para cartuchos.

Vale, ahora ya sabemos de donde viene el aparato en cuestión pero, ¿qué hace?

La primera versión del Chip Super FX, inicialmente conocido como Mario Chip

La misión del chip es, básicamente, mostrar gráficos mejores, moverlos de forma guay y hacer otras virguerías visuales. ¿De qué cosas hablamos? De todo tipo dependiendo del juego.

En Star Fox (juego que convirtió al FX en el chip RISC más vendido de su época), por ejemplo, renderizaba las naves tratándolas como polígonos. Los pocos que movía en aquella época no son nada contra los miles que se manejan hoy en día, pero para su momento, supuso todo un avance.

Eso si, para lo que no eran naves, Star Fox renderizaba imágenes (lásers, asteroides y otros obstáculos). Esto es, que calculaba el tamaño y posición de una imagen plana para dar sensación de profundidad.

Star Fox, el primer título en explotar el Chip Super FX

Otro ejemplo lo encontramos en el wonderfuloso Yoshi’s Island. Ahí no trataba con las tres dimensiones, sino que escalaba y estiraba sprites. Más o menos lo mismo que se podía hacer con el modo 7 que comentamos hace ya unas cuantas semanas, pero multiplicando su eficiencia al ser un chip empotrado en el cartucho dedicado exclusivamente a esto.

Ejemplos, haylos tantos como juegos salieron con el Super FX, pero situémonos dentro de nuestro amigo de silicio y preguntémonos, ¿cómo funciona?

En Yoshi's Island, el chip Super FX permitía virguerias como ésta

Se trata de un procesador de arquitectura RISC que cuenta con su propia memoria RAM. El chip, que está dentro del cartucho del juego, recibe de éste una serie de instrucciones a nivel gráfico, las procesa de manera independiente al desarrollo del juego, y las envía directamente a que sean mostradas por pantalla. Para hacerlo, usa un procedimiento llamado DMA: Direct Memory Acces, en la cual un periférico (en este caso el chip) accede a la memoria (donde dejará la orden de mostrar gráficos) sin pasar por la CPU.

Para comunicarse con la consola, el Super FX usa una serie de patillas que los cartuchos normales no usaban, impidiendo por cierto el uso con conectores tipo Game Genie, que aprovechaban esos pines libres para sus fechorías.

Bien, y eso es lo que hace el FX, claro que su paso por la industria no dejó a nadie indiferente, y es que tuvo sus consecuencias…

Argonaut Games, desarrolladores del Chip Super FX

¿Murió el Super FX con la extinción de la SuperNES?

Bien, no, no murió. Estrictamente hablando falleció y lo revivieron con otro nombre y para otro proyecto. El ARC (Argonaut RISC Core) fue lo que surgió de ese proyecto.

En 1998, el departamento que llevaba estos temas, el Argonaut Technology Limited, se separó y se consolidó como una empresa independiente, la ARC.

Actualmente, la ARC sigue viva, ha comprado varias compañías más y hace microprocesadores, sistemas multimedia y un porrón de cosas. Vamos, que la jugada con el FX les salió bien, cosa que les podría haber salido también mal teniendo en cuenta el precedente de tres chips para tres consolas que fueron canceladas, la GreenPiece de Philips, la VeggieMagic de Apple y una de Hasbro de Realidad Virtual.

Sega, ante la llegada de semejante monstruo, contraatacó con el SVP, el Sega Virtua Processor, que era una idea similar al de la Super para la Mega Drive, pero que solo llegó a usarse en un solo juego: El simulador de F1 Virtua Racing, encareciendo por cierto su precio en bastantes dólares.

SVP y Virtua Racing, la respuesta de Sega a Super FX

Como curiosidad, inicialmente Mario 64 habitaba en la mente de Miyamoto como un juego de SuperNES llamado Super Mario FX, pero debido a sus limitaciones técnicas, esperaron y lo sacaron en Nintendo 64.

Juegos que usaron el chip Super FX:

Dirt Trax FX

Star Fox (EE.UU./Japón) / Star Wing (Europa)

Stunt Race FX (EE.UU./Europa) / Wild Trax (Japón)

Vortex

Juegos que usaron el chip Super FX 2:

Doom

Super Mario World 2: Yoshi's Island

Winter Gold

Dirt Racer

Bibliografia:
http://es.wikipedia.org/wiki/Super_FX
http://es.wikipedia.org/wiki/Acceso_directo_a_memoria
http://es.wikipedia.org/wiki/Argonaut_Games
http://en.wikipedia.org/wiki/Super_FX
http://wapedia.mobi/es/Super_FX
http://en.wikipedia.org/wiki/ARC_International
http://en.wikipedia.org/wiki/Sega_Virtua_Processor

Y es que todos las hemos visto alguna vez. Pistolas de luz. Apuntas, disparas, y lo que hay en pantalla se volatiliza y queda reducido a cenizas. O si tienes mala puntería un perro pixelado se ríe en tu jeta.
Las conocemos, llevan tiempo entre nosotros, e incluso una de las consolas de next-gen usa un principio muy similar. Pero, ¿Qué sabemos de estos periféricos?
El uso de pistolas de luz se remonta a los tiempos analógicos. Corría 1930 cuando había algo llamado válvula de vacío, un chisme que, aparte de hacer cosas guays con la física y los campos eléctricos, era sensible a la luz. Dichas válvulas tenían usos variados, como actuar de puertas lógicas para los antiguos computadores, pero fue en 1936 cuando se le dió un uso lúdico basado en esa sensibilidad.

Se llamaba Seeburg Ray-O-Lite, y era un aparato en el cual el jugador empuñaba un rifle que lanzaba haces de luz. Si el haz de luz disparado alcanzaba un objetivo, la válvula sensible a la luz que tenía reaccionaba y se producía la “colisión”.

Dicho aparato sentó las bases de una técnica que luego veríamos en varias consolas y ordenadores: El uso de detectores de luz para ofrecer una nueva experiencia de juego.

La primera pistola de luz se usó en el ordenador MIT Whirlwind, y como comentaba el amigo Funso en su sección de Lo que nunca se atrevió a preguntar…, la Magnavox Odyssey fue la primera consola que contó en su haber con la idea de un periférico de estas características.

Algunos nombres más conocidos son la Zapper, de la NES, y contrariamente a la máquina de recreo del 36, en estos aparatos no es la pistola quién “dispara algo al televisor”, sino al revés: La pistola detecta lo que emite la pantalla.

El funcionamiento es muy simple, así que pongámonos en situación: Tenemos una Zapper, tenemos al perro pesadito del Duck Hunt y queremos dispararle. Presionamos el gatillo. Bien, ¿qué ocurre?

Durante una fracción de segundo, la pantalla se vuelve negra, totalmente. Y en las zonas donde se supone que hay un enemigo o un objetivo abatible, se vuelven blancas. Pongamos en nuestro ejemplo que la silueta del perro aparece en blanco en ese fondo negro (Si, no se podía dispararle, pero suponedlo).

Entonces, en ese instante, si la pistola está apuntando al perro, solamente esa zona de la pantalla emitirá luz, ya que el resto está en negro, y un diodo detector en la punta de la Zapper detectará esta luz y hará el siguiente razonamiento: “Si me llega la luz proveniente del perro, es que el perro y la pistola están alineados, por tanto, he acertado mi disparo”.

Problema: Si hay varios objetivos hay varias siluetas blancas. ¿Cómo le decimos a nuestro diodo detector que la luz que ha detectado es del primer o segundo pato?

La respuesta es que no podemos. Lo que haremos para representar X objetivos será hacer varios barridos con varias siluetas, de forma que la consola piense “Ahora estoy representando la silueta del primer pato”, “Ahora estoy representando la silueta del segundo pato”. Y en cuanto la Zapper haga impacto, se produzca una situación de “Vale, ha habido una colisión, ¿a qué pato le tocaba estar en ese momento?”.

Esto significa que, teóricamente, no podríamos acertar a dos objetivos a la vez. Pero como la velocidad a la que se refresca la pantalla es relativamente rápida, el jugador ni se da cuenta de esos cambios en negro, así que a efectos prácticos es algo inmediato.

Pero esta no es la única técnica usada, hay más, hay más…

En el caso de pistolas como la Super Scope, ya más modernitas, la cosa cambia.

Para este ejemplo consideremos la misma Super Scope. Tenemos un bicho feo en pantalla y queremos matarlo. Dicho bicho ocupa una región con unos determinados píxeles, y la consola sabe cuales son, es decir, conoce su posición.

Entonces nosotros, que somos más chulos que un ocho, disparamos nuestra flamante Super Scope. ¿Qué sucede en esos milisegundos de tensión?

Para entenderlo hay que tener en cuenta que esto solo funciona en las teles de tubo. Dichos televisores usan un haz de electrones para representar la imagen. Dicho haz hace barridos horitzontales y va dibujando línea por línea la imagen que vemos.

Cuando hemos disparado, hemos transmitido una orden de “Píntame toda la pantalla de blanco”. Y lo que en realidad ocurre es “un barrido que vaya blanqueando la pantalla”. Aunque todo esto ocurra a gran velocidad y el jugador no lo note, lo cierto es que es posible cronometrar el tiempo que se tarda. Lo que hacemos en este caso es contar el tiempo que pasa entre que el barrido empieza y el diodo de la Super Scope detecta esa luz blanca.

Una vez tenemos ese tiempo podemos saber en qué posición hemos disparado y, en función de eso, saber si esa región de la pantalla estaba ocupada por ese bicho feo o no.

Protip: Para ajustar bien ese crono, hay que calibrar la pistola en cada pantalla, ya que mi tele no puede ser igual que la del vecino, su refresco puede ser ligeramente distinto, o tener más o menos líneas.

¿Por qué decíamos que solo funciona en teles de tubo? Pues porque son las únicas que usan este barrido de electrones. Las modernas de hoy tienen los píxeles siempre “encendidos”, no los borran, así que la detección por este modo se hace imposible.

Esta técnica es más precisa que la otra, y a veces se usa una técnica mixta que consiste en mezclar ambas para crear un super híbrido destructor detector de luces y monstruos que quieren atacarnos. Pero oh, aún hay más!

Ahora olvidemos los televisores en si. Olvidemos lo de la luz blanca y olvidemos lo de los diodos de detección.

Ahora usaremos los infrarrojos.

Para seguir con la franquicia Nintendo y para coger algo representativo, usemos el mando de la Wii, el Wiimote. ¿Cómo se lo monta para estar continuamente detectando la posición?

Para ello se usa la barra de leds que viene con la Wii. La idea genérica (Usada tanto en esta consola como en muchas recreativas) es la de un emisor de luz infrarroja: Esos leds generan unas luces infrarrojas que luego el mando detecta.

Dicha detección se hace a nivel de intensidad y ángulo, lo cual nos da un sistema de referencia para , mediante trigonometría, calcular la posición donde se apunta.

¿Problemas? Cualquier fuente de luz infrarroja, como algunas bombillas o las velas, puede interferir en el funcionamiento. De hecho salió en Youtube hace un tiempo la épica historia de un tipo que había hecho funcionar el Wiimote que con velas, ya que a efectos prácticos era lo mismo.

Anécdota curiosa: Juegos de recreativa como el Operation Wolf o el Terminator 2: Judgement Day no usaban ninguna de estas técnicas. Tenían la pistola fijada en una base que rotaba, lo que significaba que el jugador estaba moviendo un joystick gigante.

Resumiendo, ¿qué hemos aprendido hoy?

• Que las pistolas de luz se desarrollaron usando un método de detección de luz, allá por los años 30.
• Que las pistolas más conocidas: La Zapper, la Super Scope… usan ese mismo principio pero al revés de lo que uno puede esperar: Es la pantalla la que “emite” y la pistola la que “detecta”.
• Que los modelos más actuales, o incluso la Wii, usan un sistema parecido, aunque no solo mira la posición, sino también el ángulo y la distancia, gracias a sus detectores de infrarrojos

Bonus Track. Galería de pistolas:

La Nintendo Zapper Gun para la NES es probablemente la más famosa.

Light Phaser para Master System.

Super Scope para Super Nintedo, con la forma de un bazooka.

Menacer para Mega Drive.

Las GCon de Namco, las primeras en necesitar leer directamente la señal de vídeo y tenidas en cuenta como dispositivos muy exactos; para los sistemas Playstation.
Dreamcast Light Gun para Dreamcast.

Bibliografía:
Pistola de Luz
Válvula de Vacio
Magnavox Odyssey
Especial Controles de Videojuegos en Xataka

Pero para entender esta diferencia, primero nos remontaremos a dos formatos de imagen que seguro que le suenan al jugón medio: PAL y NTSC.

El NTSC fue creado a finales de los años treinta por la cadena de televisión americana CBS. Era un sistema que, a grandes rasgos, ofrecía tele en color. Allá por los cincuenta empezó a funcionar oficialmente. Sus siglas, por cierto, significaban National Television System Committee.

Cosa importante del NTSC para la clase de hoy: La velocidad de refresco de una pantalla en este modo era de 60 cuadros por segundo, o lo que es lo mismo, los famosos 60 hertzios.

Guay, tenemos nuestra tele NTSC. ¿Por qué surge el PAL? La versión larga de la historia es, efectivamente, larga (Consulten la bibliografía para horas y horas de diversión). La versión corta, por otro lado, simplemente nos dice que el dr. Walter Bruch, currante de Telefunken, desarrolló en 1963 otro modo para intentar paliar los problemas que encontraba en el sistema de América.

Básicamente, el NTSC era la bomba sobre el papel, pero a la hora de enviar la señal habían unas pérdidas (Lógico si tenemos en cuenta que no hay ningún sistema ideal), y parece ser que este buen doctor encontró otra forma de transmitir la imagen con otro tipo de tratamiento sobre esas mismas pérdidas. Dicho modo funcionaba a 50 hertzios.

Tenemos ya los dos modos, el NTSC se extendió por los USA y Japón, y en Europa gozamos del PAL (Menos en Francia, que tenían el SECAM, aunque a efectos prácticos era “como un PAL”). ¿Cómo afectaba esto a la industria del ocio electrónico?

En esa época (Para ver “esa época” lo que haremos será coger la SNES, la Megadrive y toda la tropa y a partir de ahí, tirar para abajo en las arenas del tiempo) los procesadores de los sistemas gestionaban tanto el tema gráfico como el tema procesar-datos-del-juego. Y no eran multitarea, lo que significa que mientras dibujaba monigotes en la pantalla no podía calcular cosas. Y viceversa.

¿Qué pasa entonces si la velocidad de refresco de una pantalla es mayor o menor? El procesador usaba el tiempo entre barrido y barrido (Las teles hacían barridos para representar píxeles, línea a línea) para calcular lo que no tenía que dibujar. Entonces, si una pantalla se refresca con más frecuencia (NTSC), el procesador dispone de más “pausas” entre barridos para dedicarse a procesar el resto de datos.

Por eso existía esa diferencia de velocidad entre PAL (Que refrescaba a 50) y NTSC (Que refrescaba a 60), ya que una tenía más tiempo entre dibujo y dibujo.

Siguiendo el hilo de la historia, entramos en esa franja de tiempo en la que abundan expresiones como “Jo, como chana la pley dos” o “Fuah, el Pro en la pley mola mazo”. También hay una Cube por ahí, una Dreamcast que intenta no asfixiarse, etcétera.

El avance técnico era importante: Procesadores multitarea, GPU’s dedicadas solo a hacer las cosas que hacen las GPU’s, mayor velocidad en todo, transformadores más grandes… Más chatarrería que dentro del capó del batmovil.

Esto significó que el tema del refresco ya no influía a la hora de chequear otros datos, puesto que eran procesos completamente independientes.

¿Había acabado, pues, esta pugna entre modos? ¿Podíamos todos vivir unidos bajo el mismo estándar?

No.

Las teles seguían teniendo dos modos distintos. Vale, los datos se procesaban a igual, pero el refresco de pantalla no era el mismo, con lo cual ahí había un cuello de botella: Puedo tenerlo todo listo, pero si la imagen solo saca 50 cuadros por segundo, no irá “tan rápido” como otra que también lo tiene todo preparado pero saca 60. ¡La dualidad 50-60 seguía presente!

Y conforme avanzamos a nuestros tiempos, nos encontramos con modos de imagen digital, que no analógico, y teles que soportan ambos modos. Ahora ya si que hay una uniformidad: Casi todo el mundo tiene un televisor más o menos moderno al cual estas distinciones ya no afectan, y la demostración es obvia: La famosa Next Gen no presenta estas diferencias. Ya no. Es cosa del pasado. Una historia interesante para contar a los nietos…

No obstante, la frontera que rodeó al cambio está llena de anécdotas interesantes…

Playstation 2 decidió sacar en Europa todos sus juegos a 50 (Menos tres o cuatro mal contados, necesitando además un cable especial para sacar bien la imagen). Aunque tuvieses una tele chachiguaydelamuerte el juego venía preparado para un “ritmo” de 50 hertzios. Mal para la gente que ya empezaba a cambiar.
Caso concreto: FFX, también llamado “No nos caben ambos modos porque al haber muchos videos y tener que ponerlos en ambos formatos a la vez no nos cabe la cosa en un solo DVD”.

GameCube en cambio, decidió, a partir del Metroid Prime 2, lanzar todos sus títulos a 60. Consideraba que sus usuarios ya se habrían “actualizado”, y si no poseías un televisor compatible la imagen no se veía, ya que tus cincuenta eran incapaces de abarcar los sesenta que pedía el juego.

Dreamcast incluyó un selector, que lo que hacía era coger la salida a 60 y quitarle frames. Tosco pero efectivo, aunque de allí salieron algunos gazapos para recordar, como el “Es que a mi Sonic le faltan animaciones al hacer el salto-bolita…”.

Pero esperad, actualmente la Consola Virtual está sufriendo muchas quejas porque sus juegos están siendo portados a 50 hz, pudiendo ya hacerlos funcionar a 60. Esto si que es progreso, ¡bravo!

Resumiendo, ¿Qué hemos aprendido hoy?

• Que antes la diferencia de refresco entre PAL y NTSC se traducía en mayor o menor velocidad a la hora de procesar, ya que el procesador aprovechaba el tiempo entre refresco y refresco para calcular sus menesteres.
• Que más tarde, cuando las consolas podían hacer ambas cosas independientemente, el conflicto estaba en los modos de vídeo en si, que creaban ese “cuello de botella” que los dejaba más o menos como antes.
• Que ahora, con las teles digitales, esto último ya no es un problema, ahora todos funcionamos full power.
• Que los de la Consola Virtual son unos vagos que traen cosas a 50 pudiéndolas traer a 60.

Bibliografía variada:

• Artículo de Meristation sobre este mismo tema.
• PAL en la Wikipedia.
• NTSC en la Wikipedia.
• SECAM (Menos popular, usado en Francia) en la Wikipedia.

Y esto es todo por hoy, ¡gracias por su atención y vuelvan otro día!

Volvemos, pues, otra semana más destripando los misterios más ignotos de las recónditas técnicas usadas en el fascinante mundo de los prosopopéyicos videojuegos.

En esta ocasión hablaremos del Modo 7 de Super Nintendo. Modo que tal vez algunos ya conozcáis. Otros, igual los más yogurines, puede que no hayáis oído hablar nunca. En cualquier caso, vamos a repasarlo todo desde el principio.

Hablamos de la Super Nintendo, amigos. La única cosa por la cual pierdo el culo, juntamente con Alisson Hannigan y su pelo, que tiene una frecuencia de 250 nanómetros.

Dicha consola dispone en su interior de dos chips de 8 bits destinados al procesamiento de imágenes. Para ello, tiene lo que se conoce como Modos. Concretamente nuestra amiguita gasta 8 modos numerados del 0 al 7. Realizando cada uno distintas acciones de distintas maneras.

La combinación de estas modalidades da lugar a distintas situaciones según lo que desease el programador, siendo el séptimo modo uno de los más famosos y conocidos al realizar cosas que, para su época, eran revolucionarias.

Mientras otros modos tenían más o menos scrolls, más o menos colores por pantalla y admitían más o menos sprites, el modo 7 era una única capa de 256 colores EXCLUSIVAMENTE de fondo. ¿Qué significa eso? Que no podía usarse ese modo en el plano de los sprites, sino solo en el del background.

Pero claro, un modo que representaba un fondo no pasa a la historia solo por eso. Su principal virtud es que el background era rotable y escalable. Y además rotaba y escalaba directamente antes de dibujar un frame mediante hardware, que no software. Porque vale, aunque por soft no es algo difícil de implementar, se consumen demasiados recursos de la CPU, y acaba no saliendo a cuenta.

Esto a priori puede no significar mucho, y más viviendo hoy en día en un mundo de tres dimensiones, donde cualquier hijo de vecino se curra un motor gráfico que ríete tú del Asteroids, pero hay que verlo con la perspectiva de las 2D.

A grandes rasgos, lo que hace el modo 7 con el fondo es pasarlo por un mogollón de ecuaciones de rotación y escalabilidad. Insisto en que puede parecer sencillo, pero bien realizado podía llegar a crear superfícies 2D aspecto de algo remotamente parecido a una profundidad típica de las 3D.

Intentar explicar con palabras un efecto de este tipo es, cuanto menos, difícil, así que imaginad cosas como una figura plana pegada en una ventada, estirada y moldeada de tal manera que, en su misma superfície de dos dimensiones, pueda llegar a crear efectos similares a los que tendría si existiese en un mundo con profundidad.

Si os falta imaginación o sois unos vagos, aquí está el “antes y después”.

Ejemplos de ello los tenemos a porrillo, véase el mapa del mundo del Terranigma, los circuitos del Mario Kart y el F-Zero o las pistas del mítico Pilotwings: ESO es el modo 7.

Esta profundidad que se lograba puede entenderse fácilmente en la carretera del Mario Kart: cada vez que dibujaba una recta del suelo, hacía cambiar los valores del tamaño y del giro, provocando así el efecto de “acercamiento” propio de la prespectiva.

Eso si, que nadie piense que dicho modo servía solo para dar esta sensación de fondo. Ya que su virtud era ese reescalado se aprovechó también para cosas menos evidentes pero bastante prácticas. Como representar enemigos.

Super Castlevania IV es nuestro ejemplo.

Este vídeo puede verse en el artículo de Pixfans sobre el modo 7, a consultar en la bibliografía

Pongámonos en situación: Quinto jefe final. Un gólem de piedra gigante llamado Koranot. Conforme se le ataca se va haciendo cada vez más pequeño, perdiendo fragmentos de arcilla, hasta que finalmente se hincha hasta ocupar toda la pantalla y da vueltas sobre si mismo hasta que desaparece en una explosión.

Una cosa está clara: Representar a Koranot mediante un sprite habría sido difícil. Demasiado grande, demasiados cambios y un final dónde se expande y acaba dando vueltas por ahí.

Pero, ¿Y si en su lugar cogemos el fondo, representamos ahí un enemigo y manipulamos su tamaño y los giros que puede dar? El resultado es el modo 7 aplicado de tal forma que nos parece que es un sprite lo que se mueve, cuando en realidad es el background. Uno de esos trucos usados por los programadores, demostrando que cuando tus herramientas son limitadas, agudizas el ingenio hasta límites insospechados.

Resumiendo:

• La Super Nintendo usaba hasta ocho modos de representación de gráficos, cada uno características propias cual Pokémon.
• El modo 7 es el modo más destacado, puesto que empleó efectos de escalado y rotación para dar a los fondos nuevos atributos, como sensación de profundidad. Encontramos ejemplos en los títulos de carreras como Mario Kart, o en los mapas del mundo de varios RPG’s, como Secret of Maná 2.
• No obstante, este modo no se centra únicamente en “dar prespectiva” a las cosas, su capacidad de manipular la imagen sería usada para más menesteres, como el enemigo que hemos visto en el Super Castlevania IV.

Bibliografía variada:

• Gran artículo de Pixfans sobre el modo 7.
• El modo 7 en la Wikipedia (Y también en castellano).
• Tecnicismos técnicos del modo 7.
• Características técnicas de la SNES vía Wikipedia.

En el próximo capítulo, ¿50 hz o 60 hz? ¡La mejor polémica desde la dualidad partícula-onda!

En efecto, yo soy Koopa, como indica el nombre del autor del post, situado al final de toda esta parrafada.

Bien, ¿qué encontraremos por aquí? Básicamente será el guión de la correspondiente sección convenientemente editado y ampliado, añadiendo imágenes, bibliografía y demás complementos molones que ayuden a mejorar esta “experiencia multimedia” que es Game Over: No sólo de podcast vive el aficionado.

Puestos en materia, dejo paso al tema tratado el sábado pasado, el antialiasing. ¡Disfrútenlo hamygos!

Llegados a este punto, hay que imaginarse a Koopa subiendo a lo alto de un estrado, lleva un traje elegantísimo, porta un micro y sostiene unas tarjetas, cual mezcla entre monologuista y maestro de ceremonias en la fiesta de graduación de un instituto americano.

Empezamos esta sección divulgativa hablando del antialiasing. Es un término que oímos muchas veces, aunque seguro que más de uno nos hemos preguntado alguna vez qué es exactamente. Al menos yo me lo he preguntado, pero al acabar la sección ya tenía mis dudas despejadas.

El antialiasing, pues, es una técnica que permite evitar el aliasing. Obvio, ¿no? Cualquiera con un mínimo de luces y conocimiento de prefijos puede saberlo.

Bien, el mencionado aliasing, en gráficos generados por ordenador (Hay todo un mundillo alrededor de este efecto, no solo en imágenes, es una comunidad muy viva y con cientos de seguidores y varios clubs de fans), es un efecto producido cuando intentamos representar en una superfície finita (Que vendrían a ser los píxeles) algo con una cantidad infinita de puntos.

Hagamos matemáticas para ejemplificarlo: Si recordáis la secundaria, una curva tiene infinitos puntos, aunque no la podemos representar con esos infinitos puntos. Para ello, hacemos una cosa que se llama “discretizar”, que vendría a ser coger valores lo suficientemente pequeños como para que, grosso modo, la cosa que representamos parezca una curva. Aunque lo que tenemos en realidad es un montón de líneas rectas que una al lado de otra, crean ese efecto.

Obviamente, a más rectas usadas para representar esa curva, más curva parecerá. Imaginad la gráfica de una parábola representada con tres rectas y luego representadla con tres mil, la diferencia salta a la vista.

Véase el ejemplo en esta imagen. Aparentemente es una parábola, pero si nos acercamos vemos que solo son un montón de líneas rectas “pegadas” una al lado de otra. Puesto que no hay suficientes puntos para representar una curva, al discretizarlo lo representamos “como buenamente podemos”.

Si ahora cogemos un polígono y lo empotramos en un mundo 3D, dicha figura pasa por un proceso llamado rasterización. Lo que hace la rasterización es, a partir de las líneas que lo delimitan, convertirlo en cuadros de una rejilla en dos dimensiones. Los llamados Dientes de sierra ocurren cuando la discretización no es tan discreta como querríamos, y eso es el aliasing, que la rasterización nos convierta nuestro triángulo en un horrible ser deforme surgido de las pesadillas de Lovecraft.

Los puntos del espacio van a parar a la rejilla, que detecta los cuadraditos con o sin puntos, marcándolos así como “llenos” o “vacíos”. El problema surge cuando un cuadrado está totalmente marcado, ¡y la recta que lo cruza indica que solo debería estarlo parcialmente!

Llegados a este extremo, tenemos nuestro entorno gráfico representado y allí en medio un polígono con más sierras que el taller de Bricomanía, ¿Qué hacemos? Obviamente eso da un aspecto irreal al juego. Pues invocamos al antialiasing para que haga su magia.

Lo que haremos será reducir y suavizar esos bordes. Ya que por limitaciones tanto de hardware como de que alcanzar una cifra de puntos infinitos es imposible, pues no podemos quitar ese aliasing, echaremos mano entonces de distintas artimañas para “engañar” al jugador y que crea que eso es tan realista como Matrix.

Existen varias técnicas en lo que a antialiasing se refiere, aunque para no comeros el tarro con verborrea sobre gráficos y empezando porque yo no soy ningún experto y un poco más y me pierdo en un mundo de píxels de octarino, comentaré algo sencillo, fácil, y rápido, la técnica del Supersampling.

Si cogemos nuestro triángulo y lo rasterizamos, lo que estamos haciendo es ponerlo en una cuadrícula y decir “Este cuadradito forma parte del triángulo, píntalo del color del triángulo”. Cuando más pequeños son los cuadraditos, mejor representada está la figura, así que si tuviésemos infinitos cuadraditos, el triángulo tendría realmente tres lados. Pero no nos sobran los cuadrados, así que lo que haremos será hacer los cuadrados el doble de pequeños.

¿Qué ganamos con eso? Un triángulo no presentará el mismo color en un cuadradito del borde que en uno del centro. Aunque sea de un color plano y las sombras se hayan tomado el día libre. Si un cuadradito prácticamente no está dentro del triángulo pero ha sido marcado como tal, lo lógico es que sea de un color más claro. (El patrón para establecer si un cuadrado está dentro o no del triángulo también puede variar, creando así supersamplings de todas las formas, colores y sabores).

Pues al hacer cuadrados más pequeños lo que conseguimos, al fin y al cabo, es tener una gamma de colores más amplia para crear el efecto “Aquí se acaba el triángulo”. Eso es el supersampling: Haciendo la rejilla más grande y “encogiendo” luego la figura se consigue un efecto mejor que haciéndola directamente a su tamaño final.

Hay que decir que el rendimiento no es el punto fuerte de esta técnica. Existe, por ejemplo, el llamado Multisampling, que en lugar de tratar subpíxeles se centra en píxeles enteros, mejorando así el rendimiento.

Resumiendo:

• El aliasing es el producto de meter algo con puntos infinitos en un mundo de píxeles finitos.
• El antialiasing es el compendio de técnicas usadas para mermar esta situación de cara al observador.E
• El supersampling es un tipo de técnica que hace menos brusco el ver unos bordes de sierra que harían emmudecer a un fakir.

O como dijo el amigo Volcano: El antialiasing es la LIMA para las sierras de los bordes.

Bibliografía variada:

• El antialiasing. Recomendado artículo que me sirvió como base para la sección. Incluye ejemplos con imágenes varias de “los cuadraditos” y “la parrilla de rasterización”.

• Multisampling y supersampling. Varias imágenes de varios juegos con y sin estos filtros.

• El Multisampling en la Wikipedia(EN).

• La Rasterización en la Wikipedia(ES).

Y esto es todo por hoy, queridos conciudadanos y colegas del pad. El próximo día hablaremos del Modo 7, también llamado Esa Cosa Rara De La SNES Que Permitía Hacer Virguerías Con Los Fondos. En la misma bathora, en el mismo batcanal!